Lezione di storia della moda: l'evoluzione delle sfilate

Benvenuto a Lezione di storia della moda, in cui ci immergiamo nell'origine e nell'evoluzione dei business, delle icone, delle tendenze e altro ancora più influenti e onnipresenti dell'industria della moda.

C'era una volta, in un mondo senza iPhone o Kardashian, le sfilate di moda non erano altro che veicoli di marketing su piccola scala utilizzati per invogliare i clienti facoltosi ad acquistare le ultime novità di un couturier disegni. Oggi, lo scopo di ospitare sfilate di moda ad alto budget è un po' meno chiaro: è a scopo di lucro? È per l'arte? È per i social? L'abbigliamento mostrato dovrebbe essere venduto nel momento in cui scende in passerella, come farà Burberry lunedì, o sei mesi dopo? Ma una cosa è certa: gli stilisti hanno sempre voluto velare lo spot intenzioni di sfilate con spettacoli teatrali abbaglianti e ambientazioni glamour, che sembrano ottenere di più stravagante (e instagrammabile) ogni stagione.

Nel tentativo di comprendere meglio la storia d'amore di lunga data della moda con la passerella, abbiamo deciso di dai un rapido sguardo indietro a come le passerelle si sono evolute negli spettacoli dei social media come li conosciamo oggi.

Alla fine del 1800 e all'inizio del 1900, i designer esperti di affari impiegavano donne per indossare i loro progetti in giro passeggiate intorno agli ippodromi, che hanno permesso loro di essere notati, emulati, fotografati e segnalati da i media. All'inizio del XX secolo, molti stilisti di fascia alta impiegavano modelli interni o "manichini" per mostrare i loro ultimi modelli alla loro clientela d'élite. Questi spettacoli privati ​​e informali in genere includevano modelli che camminavano casualmente mentre piccoli gruppi di clienti sorseggiavano tè e sgranocchivano tartine. Tuttavia, dal 1908 al 1910, le sfilate di moda programmate o le "sfilate di moda" divennero eventi sempre più popolari. Questi primi spettacoli ospitati dal salone sono durati fino a tre ore e sono stati spesso ripetuti ogni giorno nel corso di diverse settimane. [2]

Anche se probabilmente non c'è un solo designer che meriti il ​​merito di aver avviato le presentazioni di moda stagionali e guidate dai media che hanno portato a ciò che abbiamo oggi, i couturier Paul Poiret e Lucile (Lady Duff-Gordon) erano entrambi noti per aver utilizzato una varietà di tattiche intelligenti per attirare un flusso costante di sfilate di moda partecipanti. Inviando inviti alla sua stimata clientela, Lucile ha trasformato l'attività di acquisto di abbigliamento in un evento sociale degno di nota. [2] All'epoca, la maggior parte delle sfilate presentava modelli introdotti da un numero correlato al design di moda che indossavano, aiutando i clienti a tenere traccia di cosa acquistare. Lucile ha descritto i suoi modelli come "abiti dell'emozione", introducendoli con nomi come "Love in a Mist" per far sembrare i suoi vestiti meno merce e più fantasie tangibili. [3] Poiret è meglio conosciuto per aver evocato modi più estremi per promuovere le sue ultime collezioni. Ospitando spettacolari feste in maschera come la sua leggendaria serata "Mille e seconde notti", lo stilista ha trasformato interi luoghi in passerelle interattive. [1]

Nel 1918, a causa di un numero crescente di acquirenti stranieri che vengono in Europa per vedere gli ultimi stili, le case di moda hanno iniziato a tenere le loro sfilate in date fisse, due volte l'anno, costituendo la base di quella che chiamiamo "settimana della moda" oggi. [2] I primi spettacoli di couture organizzati tentarono di regolamentare fortemente gli ospiti allo scopo di mantenere un'aria di esclusività per i loro clienti, cercando anche di limitare l'inevitabile piaga della pirateria del design da parte di abiti stranieri produttori. Durante gli anni '10, divenne anche sempre più popolare per i grandi magazzini americani ospitare le proprie sfilate di moda e beneficenza sfilate di moda, che sarebbero diventate ancora più comuni una volta che i saloni di alta moda europei fossero stati costretti a chiudere temporaneamente i battenti durante la seconda guerra mondiale.

Quando Christian Dior ha debuttato con la sua rivoluzionaria corolla (aka "The New Look") nel 1947, le sfilate di moda erano diventate eventi seri e pubblicizzati ospitati nei saloni di stilisti o in piccoli locali come gli hotel. I modelli con la faccia di pietra che praticavano montanti caratteristici hanno sostituito il modello informale "walkabout" del passato. Il pubblico seduto era stipato nelle stanze con giornalisti di grandi nomi che occupavano le prime file e acquirenti al dettaglio e potenziali clienti sparsi ovunque. [2]

In genere della durata di oltre un'ora, l'atmosfera di questi lunghi spettacoli tendeva a essere tranquilla, fatta eccezione per il suono dei tessuti che frusciavano e i numeri oi nomi di ensemble letti ad alta voce. Alcuni saloni avevano passerelle permanenti a forma di T o semicircolari costruite per migliorare le loro presentazioni, anche se i modelli spesso dovevano fare il loro giù per le scale e attraverso stanze molto affollate, facendo cadere di tanto in tanto posacenere e bicchieri di champagne con i loro voluminosi gonne. A metà degli anni '50, molti grandi magazzini di fascia alta su entrambi i lati dello stagno avevano adottato regolari sfilate come un modo per elevare la loro reputazione. [2]

Il tradizionale format delle sfilate di moda è stato completamente rivoluzionato negli anni '60, in coincidenza con l'ascesa del prêt-à-porter e il graduale declino dei clienti couture. Le sfilate di moda discrete e relativamente solenni sono state sostituite da presentazioni energiche in luoghi insoliti, con designer come Mary Quant e André Courrèges incoraggiano i loro modelli ad abbandonare la tradizionale formazione in passerella per abbracciare il flusso libero movimenti. [4] Invece di soddisfare la stampa e gli acquirenti con un'aura di lusso ed esclusività, i designer ora stavano usando le loro sfilate di moda come un modo per abbracciare la cultura giovanile e il consumismo di massa. Certo, far sorridere e ballare le modelle sembra estremamente mansueto rispetto al modo in cui continuano a farlo i designer superarsi l'un l'altro sulle passerelle di oggi, ma gli anni '60 e '70 hanno contribuito a gettare le basi per il moderno presentazioni. Sono stati anche direttamente influenzati dalle abili tecniche di marketing dei primi couturier come Lucile, che usava spesso la danza e la musica come un modo per mostrare come i suoi modelli potevano essere indossati per davvero attività. [2]

Negli anni '80, le sfilate di moda erano diventate così popolari che Thierry Mugler riuscì a mettere in scena una colossale sfilata nel 1984 allo stadio Zénith di Parigi. Consentendo la vendita della metà dei biglietti al pubblico, lo spettacolo è stato presentato a un pubblico di 6.000 persone. [2] Altri stilisti hanno portato le loro sfilate a estremi simili, tra cui Yves Saint Laurent. Nel 1998, il designer francese ha presentato una collezione couture retrospettiva dopo la finale dei Mondiali a Parigi davanti a uno stadio gremito e a circa 1 miliardo di spettatori televisivi.

Quando Carrie Bradshaw è stata etichettata come "fashion roadkill" nel 2001, il termine "passerella" era diventato ampiamente utilizzato in America e sinonimo di moda e glamour, grazie a parte all'organizzazione della New York Fashion Week a Bryant Park nella primavera del 1994 e alla nascita del più grande spettacolo della passerella, il Victoria's Secret Fashion Show, ad agosto 1995. Naturalmente, alcuni dei più grandi cambiamenti alle passerelle negli ultimi quattro decenni sono stati causati dalle modelle che le sfilano. I discreti "manichini" impiegati dai tradizionali saloni di alta moda sembrano antiquati rispetto ai modelli carismatici delle passerelle degli anni '70, come Jerry Hall e Pat Cleveland. Forse il più grande momento della passerella del modello è arrivato nel marzo del 1991, quando Gianni Versace ha inviato Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista e Cindy Crawford scendono in passerella insieme sincronizzando le labbra di George Michael "Libertà".

Pochi designer hanno eccelso nella teatralità delle passerelle come il compianto e grande Alexander McQueen, noto per aver trasformato le sue passerelle in scacchiere umane e gallerie del vento ad alta potenza. Per la sua collezione autunno 1998, McQueen ha concluso la sua sfilata con un modello mascherato in un abito rosso sangue, circondato da un anello di fuoco che simboleggia Giovanna d'Arco, da cui prende il nome la collezione. Le presentazioni di McQueen erano a cavallo del confine tra sfilate di moda e pezzi di performance, accendendo il dibattito secolare sul fatto che le sfilate teatrali debbano essere considerate arte o commercio.

Non mancano certo le sfilate teatrali in questi giorni, con prestazioni di squadra di passo, carnevali immersivi, e abbastanza dramma Kanye per conquistare un'isola. Sebbene numerosi designer abbiano piazzato passerelle in luoghi esotici e ambientazioni radicali, Karl Lagerfeld è il forse lo stilista che ha continuato a portare le sue sfilate a livelli che avrebbero reso Mademoiselle Chanel's giro di testa. Solo negli ultimi tre anni, Lagerfeld ha mostrato le sue collezioni Chanel in grandiosi set progettati per assomigliare a brasserie surreali, terminal aeroportuali e supermercati, offuscando il confine tra passerella e vita quotidiana. Tuttavia, il suo vero tour de force potrebbe essere stato il momento in cui ha trasformato la Grande Muraglia cinese in una passerella per Fendi nel 2007, facendo volare 500 ospiti VIP per assistere all'evento monumentale (senza giochi di parole).

Sebbene sempre più marchi di moda sembrino abbandonare la formula standard delle sfilate in favore di presentazioni informali, non sembra che la potente passerella scomparirà presto. Anche se questi spettacoli ad alto budget non riescono a vendere vestiti reali, sono in grado di aumentare la consapevolezza del marchio abbastanza da stimolare le vendite di merce redditizia, come occhiali da sole, borse e profumi. Detto questo, è difficile negare che le passerelle possiedano ancora un potere magico che trasforma l'abbigliamento in una moda desiderabile. Non importa quanto possano sembrare obsoleti e inutili, il fascino delle sfilate semplicemente non può essere replicato.

Fonti non collegate:

[1] Breward, Cristoforo. Storia dell'arte di Oxford:Moda. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Carolina. "Lo spettacolo incantato". Teoria della moda, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie e Amy De La Haye. Moda dal 1900. Londra: Tamigi e Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (a cura di). Enciclopedia dell'Abbigliamento e della Moda. New York: Charles Scribners & Sons, 2004.

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Foto della home page: Dior autunno 2014. Dominique Charriau/WireImage

Foto in primo piano: Yves Saint Laurent haute couture autunno 2001. JEAN-PIERRE MULLER/AFP/Getty Images