Modegeschichte-Lektion: Die Evolution der Laufstegshows

Willkommen zu Modegeschichte-Lektion, in dem wir tief in den Ursprung und die Entwicklung der einflussreichsten und allgegenwärtigsten Geschäfte, Ikonen, Trends und mehr der Modebranche eintauchen.

Es war einmal, in einer Welt ohne iPhones oder Kardashians, Modenschauen waren nichts anderes als kleine Marketinginstrumente, mit denen vermögende Kunden zum Kauf der neuesten Mode eines Couturiers verleitet werden entwirft. Heutzutage ist der Zweck der Ausrichtung von High-Budget-Modenschauen etwas weniger klar: Geht es um Profit? Ist es für die Kunst? Ist es für soziale Medien? Soll die gezeigte Kleidung verkauft werden, sobald sie auf den Laufsteg kommt, wie es Burberry am Montag will, oder sechs Monate später? Aber eines ist sicher: Modedesigner waren schon immer darauf bedacht, den Werbespot zu verschleiern Absichten von Modenschauen mit schillernder Theatralik und glamourösen Kulissen, die mehr zu bekommen scheinen extravagant (

und Instagram-fähig) jede Saison.

Um die langjährige Liebesbeziehung der Mode mit dem Laufsteg besser zu verstehen, haben wir uns dazu entschieden Werfen Sie einen kurzen Blick zurück, wie sich Laufstege zu den Social-Media-Spektakeln entwickelt haben, als wir sie kennen heute.

In den späten 1800er und frühen 1900er Jahren beschäftigten geschäftstüchtige Designer Frauen, um ihre Designs herum zu tragen Promenaden rund um die Rennstrecken, die es ermöglichten, sie wahrzunehmen, nachzuahmen, zu fotografieren und darüber zu berichten die Medien. Um die Jahrhundertwende beschäftigten viele High-End-Modedesigner hauseigene Models oder "Schaufensterpuppen", um ihre neuesten Designs ihrer elitären Kundschaft zu präsentieren. Diese privaten, informellen Shows beinhalteten in der Regel Models, die beiläufig herumliefen, während kleine Gruppen von Kunden Tee nippten und an Canapés knabberten. Von 1908 bis 1910 wurden jedoch geplante Modenschauen oder "Modeparaden" immer beliebter. Diese ersten von Salons veranstalteten Shows dauerten bis zu drei Stunden und wurden oft über mehrere Wochen täglich wiederholt. [2]

Obwohl es wahrscheinlich keinen einzigen Designer gibt, der die saisonalen und mediengesteuerten Modepräsentationen initiiert hat, die zu dem geführt haben, was wir haben Heute waren die Couturiers Paul Poiret und Lucile (Lady Duff-Gordon) beide dafür bekannt, mit einer Vielzahl cleverer Taktiken einen stetigen Strom von Modenschauen anzuziehen Teilnehmer. Durch Einladungen an ihre geschätzte Kundschaft machte Lucile das Geschäft mit dem Kleiderkauf zu einem bemerkenswerten gesellschaftlichen Ereignis. [2] Zu dieser Zeit zeigten die meisten Modenschauen Modelle, die von einer Nummer vorgestellt wurden, die mit dem Modedesign korrelierte, das sie trugen, und half den Kunden, den Überblick zu behalten, was sie kaufen sollten. Lucile beschrieb ihre Designs als „Kleider der Emotionen“ und führte sie mit Namen wie „Love in a Mist“ ein, um ihre Kleidung weniger wie Ware, sondern eher wie greifbare Fantasien erscheinen zu lassen. [3] Poiret ist am besten dafür bekannt, extremere Wege zu beschwören, um seine neuesten Kollektionen zu promoten. Mit spektakulären Kostümpartys wie seiner legendären Soiree „Tausend und zweite Nacht“ verwandelte der Designer ganze Veranstaltungsorte in interaktive Laufstege. [1]

Im Jahr 1918 kamen aufgrund der steigenden Zahl ausländischer Käufer, die nach Europa kamen, um die neuesten Stile zu sehen, Couture-Häuser begannen, ihre Modenschauen zu festen Terminen zweimal im Jahr abzuhalten, die die Grundlage für die sogenannte "Fashion Week" bildeten. heute. [2] Die ersten organisierten Couture-Shows versuchten, die Gäste stark zu regulieren, um einen Hauch von Exklusivität für ihre Kunden, während gleichzeitig versucht wird, die unvermeidliche Plage der Designpiraterie durch ausländische Kleidung zu begrenzen Hersteller. In den 1910er Jahren wurde es auch für amerikanische Kaufhäuser immer beliebter, ihre eigenen Modeparaden und Wohltätigkeitsorganisationen zu veranstalten Modenschauen, die noch häufiger werden würden, sobald europäische Couture-Salons gezwungen waren, ihre Türen währenddessen vorübergehend zu schließen Zweiter Weltkrieg.

Als Christian Dior sein bahnbrechendes Debüt vorstellte corolle Kollektion (auch bekannt als "The New Look") im Jahr 1947 wurden Modenschauen zu ernsthaften und publik gemachten Veranstaltungen, die entweder in Designersalons oder kleinen Orten wie Hotels veranstaltet wurden. Modelle mit steinernen Gesichtern, die charakteristische Streben übten, ersetzten die informellen Modell-„Walkabouts“ der Vergangenheit. Das Publikum mit Sitzplätzen war in Säle gepfercht, wobei namhafte Journalisten die ersten Reihen besetzten und Einzelhandelskäufer und potenzielle Kunden überall verteilt waren. [2]

Die Atmosphäre dieser langen Shows, die normalerweise über eine Stunde dauerten, war eher ruhig, mit Ausnahme des Rauschens von Stoffen und dem Vorlesen von Ensemblenummern oder -namen. Einige Salons hatten permanente T-förmige oder halbrunde Start- und Landebahnen gebaut, um ihre Präsentationen zu verbessern, obwohl die Modelle oft ihre Treppen hinunter und durch dicht gedrängte Räume, wobei sie mit ihrem voluminösen. gelegentlich Aschenbecher und Sektgläser umwerfen die Röcke. Bis Mitte der 1950er Jahre hatten viele High-End-Kaufhäuser auf beiden Seiten des Teiches regelmäßige Laufstegshows eingeführt, um ihren Ruf zu steigern. [2]

Das traditionelle Modenschauformat wurde in den 1960er Jahren völlig revolutioniert, zeitgleich mit dem Aufkommen der Konfektionskleidung und dem allmählichen Rückgang der Couture-Kundschaft. Die dezenten und relativ feierlichen Couture-Shows wurden durch energiegeladene Präsentationen an ungewöhnlichen Orten ersetzt, mit Designern wie Mary Quant und André Courrèges ermutigen ihre Models, die traditionelle Laufsteg-Formation aufzugeben, um sich dem Free-Flow zu widmen Bewegungen. [4] Anstatt Presse und Käufer mit einer Aura von Luxus und Exklusivität zu bedienen, nutzten Designer ihre Modenschauen nun als eine Möglichkeit, Jugendkultur und Massenkonsum zu begrüßen. Natürlich erscheint es extrem zahm, Models lächeln und tanzen zu lassen, verglichen mit der Art und Weise, wie Designer es immer noch tun übertreffen sich heute auf den Laufstegen, aber die 1960er und 1970er Jahre trugen dazu bei, die Bühne für die Moderne zu bereiten Präsentationen. Sie wurden auch direkt von den versierten Marketingtechniken der frühen Couturiers beeinflusst, wie zum Beispiel Lucile, die oft Tanz und Musik verwendet, um zu zeigen, wie ihre Designs wirklich getragen werden können Aktivitäten. [2]

In den 1980er Jahren waren Modenschauen so beliebt, dass Thierry Mugler 1984 im Zénith-Stadion in Paris ein kolossales Laufsteg-Spektakel inszenieren konnte. Da die Hälfte der Tickets an die Öffentlichkeit verkauft werden konnte, wurde die Show einem Publikum von 6.000 Menschen präsentiert. [2] Andere Designer haben ihre Laufstegshows zu ähnlichen Extremen geführt, darunter Yves Saint Laurent. 1998 hat der französische Designer präsentierte nach dem WM-Finale eine retrospektive Couture-Kollektion in Paris vor einem vollen Stadion und geschätzten 1 Milliarde Fernsehzuschauern.

Als Carrie Bradshaw 2001 als "Fashion Roadkill" bezeichnet wurde, war der Begriff "Catwalk" in Amerika weit verbreitet und gleichbedeutend mit Mode und Glamour, danke in Teilnahme an der Organisation der New York Fashion Week im Bryant Park im Frühjahr 1994 und der Geburtsstunde des größten Spektakels des Laufstegs, der Victoria’s Secret Fashion Show, im August 1995. Natürlich wurden einige der größten Veränderungen an Laufstegen in den letzten vier Jahrzehnten durch die Models verursacht, die sie laufen. Die zurückhaltenden "Schaufensterpuppen" traditioneller Couture-Salons wirken antiquiert im Vergleich zu den charismatischen Laufstegmodellen der 1970er Jahre wie Jerry Hall und Pat Cleveland. Der vielleicht größte Model-Laufsteg-Moment kam im März 1991, als Gianni Versace Naomi Campbell, Christy. schickte Turlington, Linda Evangelista und Cindy Crawford auf dem Laufsteg zusammen, um die Lippen von George Michael zu synchronisieren "Freiheit".

Nur wenige Designer haben sich in der Laufsteg-Theater hervorgetan wie der verstorbene und große Alexander McQueen, der dafür bekannt ist, seine Laufstege in menschliche Schachbretter und leistungsstarke Windkanäle zu verwandeln. Für seine Herbstkollektion 1998 beendete McQueen seine Show mit einem maskierten Model in einem blutroten Kleid, umgeben von einem Feuerring, der Jeanne d'Arc symbolisiert, nach der die Kollektion benannt wurde. McQueens Präsentationen überspannten die Grenze zwischen Modenschauen und Performance-Stücken und lösten die uralte Debatte darüber aus, ob theatralische Laufstegshows als Kunst oder als Kommerz betrachtet werden sollten.

Heutzutage mangelt es sicherlich nicht an theatralischen Laufstegshows, mit Step-Team-Leistungen, eindringlicher Karneval, und genug Kanye-Drama, um eine Insel zu erobern. Obwohl zahlreiche Designer Laufstege an exotischen Orten und radikalen Kulissen platziert haben, ist Karl Lagerfeld der vielleicht der Designer, der seine Laufstegshows weiterhin auf ein Niveau gebracht hat, das Mademoiselle Chanels Kopf drehen. Allein in den letzten drei Jahren hat Lagerfeld seine Chanel-Kollektionen in grandiosen Sets präsentiert, die so gestaltet sind, dass sie aussehen surreale Brasserien, Flughafenterminals und Supermärkte, die die Grenze zwischen Laufsteg und Alltag verwischt. Seine wahre Meisterleistung könnte jedoch die Zeit gewesen sein, in der er die Chinesische Mauer in eine Start- und Landebahn verwandelte Fendi im Jahr 2007, die 500 VIP-Gäste einfliegt, um das monumentale Ereignis (kein Wortspiel beabsichtigt) mitzuerleben.

Obwohl immer mehr Modemarken die Standardformel für Laufstegshows zugunsten informeller Präsentationen aufgeben, scheint es nicht, als würde der mächtige Laufsteg so schnell verschwinden. Selbst wenn diese High-Budget-Shows keine echte Kleidung verkaufen, sind sie in der Lage, genug Markenbekanntheit zu steigern, um den Verkauf von profitablen Waren wie Sonnenbrillen, Taschen und Parfüm zu stimulieren. Trotzdem ist es schwer zu leugnen, dass Laufstege immer noch eine magische Kraft besitzen, die Kleidung in begehrenswerte Mode verwandelt. Egal wie veraltet und unnötig sie erscheinen mögen, der Reiz von Laufstegshows kann einfach nicht repliziert werden.

Nicht verlinkte Quellen:

[1] Breward, Christoph. Oxford-Kunstgeschichte:Mode. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. "Das verzauberte Spektakel." Modetheorie, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie und Amy De La Haye. Mode seit 1900. London: Thames & Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (Hrsg.). Enzyklopädie für Kleidung und Mode. New York: Charles Scribners & Söhne, 2004.

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Foto der Homepage: Dior Herbst 2014. Dominique Charriau/WireImage

Ausgewähltes Foto: Yves Saint Laurent Herbst 2001 Haute Couture. JEAN-PIERRE MULLER/AFP/Getty Images