패션 역사 수업: 런웨이 쇼의 진화

에 오신 것을 환영합니다 패션 역사 수업, 패션 산업에서 가장 영향력 있고 편재하는 비즈니스, 아이콘, 트렌드 등의 기원과 진화에 대해 자세히 설명합니다.

옛날 옛적에 iPhone이나 Kardashians가 없는 세상에서 패션쇼는 그저 부유한 고객이 꾸뛰리에의 최신 제품을 구매하도록 유도하는 데 사용되는 소규모 마케팅 수단 디자인. 오늘날에는 고예산 패션쇼를 개최하는 목적이 다소 명확하지 않습니다. 이익을 위한 것입니까? 예술을 위한 것인가? 소셜 미디어용인가요? 월요일에 버버리의 뜻대로, 아니면 6개월 후에 선보인 옷이 런웨이에 오르는 순간 팔려야 할까요? 그러나 한 가지는 확실합니다. 패션 디자이너는 항상 광고를 가리는 데 열심이었습니다. 눈부신 연극과 화려한 세팅으로 패션쇼의 의의를 더할 것 같다. 사치스러운(인스타 감성) 매 시즌.

런웨이에 대한 패션의 오랜 사랑을 더 잘 이해하기 위해 우리는 캣워크가 우리가 알고 있는 소셜 미디어 광경으로 어떻게 진화했는지 간략히 살펴보세요. 오늘.

1800년대 후반과 1900년대 초반에 비즈니스에 정통한 디자이너들은 여성을 고용하여 자신의 디자인을 주변에 착용했습니다. 경마장을 둘러싸고 있는 산책로를 통해 경마장을 발견하고, 모방하고, 사진을 찍고, 보고할 수 있었습니다. 미디어. 20세기가 시작될 무렵, 많은 고급 패션 디자이너가 사내 모델 또는 "마네킹"을 고용하여 엘리트 고객에게 최신 디자인을 선보였습니다. 이 개인적이고 비공식적인 쇼에는 일반적으로 소규모 고객 그룹이 차를 홀짝이며 카나페를 조금씩 먹는 동안 캐주얼하게 걸어다니는 모델이 포함되었습니다. 그러나 1908-1910년까지 예정된 패션쇼 또는 "패션 퍼레이드"가 점점 더 인기 있는 행사가 되었습니다. 살롱에서 주최한 이 첫 번째 쇼는 최대 3시간 동안 지속되었으며 몇 주 동안 매일 반복되는 경우가 많았습니다. [2]

시즌 및 미디어 중심의 패션 프레젠테이션을 시작하여 공로를 인정받을 만한 디자이너는 한 명도 없을 것입니다. 오늘날, 꾸뛰리에 Paul Poiret와 Lucile(Lady Duff-Gordon)은 패션쇼의 꾸준한 흐름을 유치하기 위해 다양한 영리한 전술을 사용하는 것으로 유명했습니다. 참석자. Lucile은 존경하는 고객에게 초대장을 보내 의류 구매 사업을 주목할만한 사교 행사로 만들었습니다. [2] 당시 대부분의 패션쇼에서는 모델이 착용한 패션 디자인과 관련된 번호로 모델을 소개하여 고객이 무엇을 살지 추적할 수 있도록 했습니다. Lucile은 그녀의 디자인을 "감정의 가운"이라고 설명했으며, 그녀의 옷이 상품이 아닌 실제적인 환상처럼 보이게 하기 위해 "Love in the Mist"와 같은 이름으로 소개했습니다. [3] Poiret는 자신의 최신 컬렉션을 홍보하기 위해 보다 극단적인 방법을 사용하는 것으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그의 전설적인 "Thousand and Second Night" 야회와 같은 화려한 의상 파티를 주최함으로써 디자이너는 전체 행사장을 인터랙티브한 패션쇼로 탈바꿈시켰습니다. [1]

1918년까지 최신 스타일을 보기 위해 유럽으로 오는 외국인 바이어의 증가로 인해 꾸뛰르 하우스는 1년에 두 번 정해진 날짜에 패션쇼를 개최하기 시작하여 소위 "패션 위크"의 기반이 되었습니다. 오늘. [2] 최초의 조직적인 꾸뛰르 쇼는 분위기를 유지하기 위해 손님을 엄격하게 규제하려고 시도했습니다. 외국 드레스에 의한 디자인 불법 복제의 피할 수 없는 역병을 제한하는 동시에 고객을 위한 독점 제조업 자. 1910년대 내내 미국 백화점이 자체 패션 퍼레이드와 자선 행사를 주최하는 것이 점점 더 인기를 얻었습니다. 유럽의 꾸뛰르 살롱이 패션쇼 기간 동안 일시적으로 문을 닫게 되면 더욱 일반화될 패션쇼 제2차 세계 대전.

크리스챤 디올이 그의 획기적인 데뷔를 할 무렵 화관 1947년 컬렉션(일명 "The New Look")에서 패션쇼는 디자이너의 살롱이나 호텔과 같은 작은 장소에서 개최되는 진지하고 홍보된 이벤트가 되었습니다. 시그니처 스트럿을 연습하는 돌 얼굴 모델은 과거의 비공식 모델 "워크어바웃"을 대체했습니다. 자리에 앉은 청중은 앞줄을 점유하는 유명 기자와 소매 구매자와 잠재 고객이 있는 방으로 가득 찼습니다. [2]

일반적으로 1시간 이상 지속되는 이 긴 쇼의 분위기는 직물이 바스락거리는 소리와 앙상블 번호 또는 이름이 낭독되는 소리를 제외하고는 조용한 경향이 있습니다. 일부 살롱에는 프레젠테이션을 향상시키기 위해 영구적인 T자형 또는 반원형 활주로가 있었지만 모델은 종종 계단을 내려가는 길과 빽빽한 방을 통과하는 길, 때때로 재떨이와 샴페인 잔을 두들겨 패십시오. 스커트. 1950년대 중반까지 연못 양쪽에 있는 많은 고급 백화점은 명성을 높이기 위해 정기적인 런웨이 쇼를 채택했습니다. [2]

전통적인 패션쇼 형식은 기성복의 부상과 꾸뛰르 고객의 점진적인 감소와 함께 1960년대에 완전히 혁신되었습니다. 신중하고 비교적 엄숙한 꾸뛰르 쇼는 다음과 같은 디자이너와 함께 특이한 장소에서 활기찬 프레젠테이션으로 대체되었습니다. Mary Quant와 André Courrèges는 모델이 자유로운 흐름을 수용하기 위해 전통적인 패션쇼 형식을 포기하도록 격려합니다. 동정. [4] 디자이너들은 사치와 독점의 아우라로 언론과 바이어에게 음식을 제공하는 대신, 이제 패션쇼를 청소년 문화와 대중 소비주의를 수용하는 방법으로 사용하고 있습니다. 물론 모델이 미소를 짓고 춤을 추는 것은 디자이너가 계속해서 오늘날 런웨이에서 서로를 압도하지만 1960년대와 1970년대는 프레젠테이션. 그들은 또한 다음과 같은 초기 꾸뛰리에의 정통한 마케팅 기법에 직접적인 영향을 받았습니다. 그녀의 디자인이 실제로 어떻게 입을 수 있는지 보여주기 위해 춤과 음악을 자주 사용했던 Lucile 활동. [2]

1980년대까지 패션쇼는 엄청난 인기를 끌었고 Thierry Mugler는 1984년 파리의 Zénith 스타디움에서 화려한 패션쇼를 선보일 수 있었습니다. 티켓의 절반이 일반 대중에게 판매되도록 허용하여 쇼는 6,000명의 청중에게 제공되었습니다. [2] Yves Saint Laurent를 비롯한 다른 디자이너들도 캣워크 쇼를 비슷한 극단으로 끌어 올렸습니다. 1998년 프랑스 디자이너 월드컵 결승전 이후 회고적 꾸뛰르 컬렉션 선보여 파리의 꽉 찬 경기장과 10억 명으로 추산되는 텔레비전 관중 앞에서.

2001년 Carrie Bradshaw가 "fashion roadkill"이라는 라벨을 붙일 때까지 "catwalk"라는 용어는 미국에서 널리 사용되었으며 패션과 매력의 동의어가 되었습니다. 1994년 봄 브라이언트 파크에서 개최된 뉴욕 패션 위크와 8월 런웨이 최대의 스펙터클인 빅토리아 시크릿 패션쇼의 탄생에 참여했습니다. 1995. 물론 지난 40년 동안 캣워크의 가장 큰 변화 중 일부는 캣워크를 걷는 모델에 의해 발생했습니다. 전통적인 꾸뛰르 살롱에서 사용하는 차분한 "마네킹"은 Jerry Hall과 Pat Cleveland와 같은 1970년대의 카리스마 넘치는 활주로 모델에 비해 구식으로 보입니다. 아마도 가장 큰 모델 런웨이의 순간은 1991년 3월 Gianni Versace가 Naomi Campbell, Christy를 보냈을 때였습니다. Turlington, Linda Evangelista 및 Cindy Crawford가 함께 런웨이에서 립싱크를 하는 George Michael의 "자유".

그의 활주로를 인간의 체스판과 고성능 풍동으로 바꾸는 것으로 유명한 故 알렉산더 맥퀸(Alexander McQueen)과 같이 캣워크 연극에서 뛰어난 디자이너는 거의 없습니다. 1998년 가을 컬렉션을 위해 McQueen은 블러드 레드 드레스를 입은 가면을 쓴 모델과 컬렉션의 이름을 따서 명명된 잔다르크를 상징하는 불의 고리로 둘러싸여 쇼를 마무리했습니다. McQueen의 프레젠테이션은 패션쇼와 공연 작품의 경계를 넘나들며 연극 런웨이 쇼를 예술로 간주해야 하는지 상업으로 간주해야 하는지에 대한 오랜 논쟁을 촉발했습니다.

요즘은 확실히 런웨이 쇼가 부족하지 않습니다. 스텝팀 공연, 몰입형 카니발, 그리고 섬을 점령하기에 충분한 Kanye 드라마. 수많은 디자이너들이 이국적인 장소와 급진적인 환경에 캣워크를 배치했지만, 칼 라거펠트(Karl Lagerfeld)는 마드모아젤 샤넬의 런웨이 쇼를 계속해서 이끌어온 디자이너가 헤드 스핀. 지난 3년 동안 라거펠트는 샤넬 컬렉션을 다음과 같이 보이도록 설계된 웅장한 세트로 전시했습니다. 초현실적 인 브라 세리, 공항 터미널 그리고 슈퍼마켓, 캣워크와 일상의 경계를 모호하게 만듭니다. 하지만 그의 진정한 역작은 만리장성을 런웨이로 만든 시기였을 것이다. 2007년 펜디, 500명의 VIP 손님을 태우고 기념비적인 (말장난이 아닌) 이벤트를 목격합니다.

점점 더 많은 패션 브랜드가 비공식 프레젠테이션을 위해 표준 런웨이 쇼 공식을 버리고 있는 것처럼 보이지만 강력한 패션쇼가 조만간 사라질 것 같지 않습니다. 이러한 고예산 쇼는 실제 의류를 판매하지 못하더라도 선글라스, 가방, 향수와 같은 수익성 있는 상품의 판매를 자극하기에 충분한 브랜드 인지도를 높일 수 있습니다. 그렇긴 해도 캣워크가 옷을 바람직한 패션으로 바꾸는 마법의 힘을 여전히 가지고 있다는 사실을 부정하기 어렵습니다. 아무리 시대에 뒤떨어지고 불필요해 보여도 런웨이 쇼의 매력은 복제될 수 없습니다.

연결되지 않은 출처:

[1] 브루워드, 크리스토퍼. 옥스포드 예술의 역사:패션. 옥스포드: 옥스포드 대학 출판부, 2003.
[2] 에반스, 캐롤라인. "매혹적인 광경." 패션 이론, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie 및 Amy De La Haye. 1900년 이후의 패션. 런던: 템즈 & 허드슨, 2010.
[4] Steele, Valerie (ed.). 의류 및 패션 백과사전. 뉴욕: Charles Scribners & Sons, 2004.

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홈페이지 사진: 2014년 가을 디올. 도미니크 샤리오/WireImage

주요 사진: 이브 생 로랑(Yves Saint Laurent) 2001년 가을 오뜨 꾸뛰르. 장 피에르 뮐러/AFP/게티 이미지