왜 일부 디자이너의 유산은 보존되고 다른 디자이너의 유산은 길가에 떨어지는지 궁금합니다. PR의 부족, 디자인 하우스의 후계자가 없는 걸까요, 아니면 그냥 나쁜 디자이너였을까요?
과거의 특정 디자이너는 오늘날 그들의 독창성으로 기억되거나 Mary와 같은 특정 의복의 "발명"에 기인합니다. Quant와 미니스커트, Redfern, Lucile 또는 Mainbocher와 같이 당대에 널리 영향을 미쳤던 수십 명의 디자이너들은 잊혀진 것처럼 보입니다.
따라서 이러한 유산을 부활시키는 작업은 패션 역사가의 몫입니다. 한 번도 들어본 적 없는 패션 디자이너 10인의 패션 역사 수업 알다.
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John Redfern - 재단사 디자이너
John Redfern and Sons라는 이름으로 주로 활동하는 영국 디자이너 John Redfern은 19세기 후반에 널리 영향력 있는 디자이너였습니다. Redfern은 맞춤형 투피스 재킷과 스커트 앙상블을 제작한 최초의 디자이너 중 한 명입니다. 요트를 타고 활동하는 1800년대 후반의 점점 더 활동적인 여성을 위한 서지 및 저지와 같은 더 튼튼한 직물 골프를 쳤다. John Redfern과 Sons는 광범위한 청중에게 다가갈 것입니다. 1891년에는 파리로, 1884년에는 뉴욕으로 확장하여 카탈로그 스타일의 우편 주문 사업을 성공적으로 운영했습니다. John Redfern이 사망한 후 Charles Poytner Redfern이 맡게 될 그의 비즈니스 파트너 Charles Pointer는 브랜드 디자인을 계속하여 1920년대에 잘 들어왔습니다. 어떤 사람들은 레드펀 하우스가 1908년 푸아레가 데뷔할 때까지 파리 최고의 꾸뛰리에가 된 포인터 아래에서 가장 성공적이었다고 주장합니다. 제한적이고 사치스러운 앙상블이 하루 종일 착용되던 시대에 Redfern의 재단사들은 드레스 개혁을 도왔습니다. 19세기 후반의 움직임과 이러한 디자인은 20세기의 점점 더 편안한 의류 스타일의 선구자 역할을 했습니다. 세기.
Jacques Doucet - 아트 컬렉터 디자이너
예술 감정가인 Jacques Doucet는 자신이 미술품 수집에 대한 진정한 열정에 자금을 조달하기 위해 옷을 디자인했을 뿐이라고 인정했습니다. 그럼에도 불구하고 Doucet은 엘리트 사회 구성원, 왕족 및 여배우를 옷을 입힌 세계적으로 유명한 디자이너였습니다. House of Doucet는 원래 1817년 Jacque의 부모에 의해 설립되었으며 여성용 란제리와 레이스 전문점입니다. 1870년대에 Jacques Doucet는 가업을 이어받아 호화로운 가운과 맞춤 양복으로 유명해진 꾸뛰르 부서를 추가하여 레이블을 확장했습니다. Doucet의 예술적 취향은 세심한 품질, 특이한 색상 조합, 예술적 요소와 모티프의 재전유로 이어졌습니다. House of Doucet은 벨 에포크 시대와 마들렌 비오네(Madeleine Vionnet)와 폴 푸아레(Paul Poiret)가 자신들의 사업을 시작하기 전에 두 사람의 고향이었습니다. 레이블.
루실 - 숙녀의 디자이너
타이타닉 생존자이자 패션 디자이너인 Lady Duff-Gordon은 다소 의심스러운 평판을 가지고 있었습니다(그녀의 남편 보도에 따르면 타이타닉 승무원에게 반쯤 비어 있는 여성과 어린이 전용 구명보트에 승선하기 위해 돈을 지불했다고 합니다. 부인). 그럼에도 불구하고 그녀는 20세기와 1920년대 전반에 걸쳐 Lucile이라는 레이블로 널리 영향력 있는 패션 디자이너였습니다. Lucile의 미학은 매우 여성스러워 착용자의 관능미를 보여주고 그 아래 누드 바디를 암시합니다. Duff-Gordon은 누드 파운데이션 천 위에 반투명 드레스를 만들 것입니다. Duff-Gordon은 차 가운, 그녀의 호화로운 패션쇼를 홍보하고 각 가운에 시적인 이름을 지정하는 것으로 가장 잘 알려져 있습니다.
Mariano Fortuny - 아방가르드 디자이너
다양한 크리에이티브 라인에서 태어난 Mariano Fortuny는 페인팅, 조명 및 텍스타일 디자인에 손을 댔습니다. 그러나 그는 패션 디자이너로서의 작업으로 가장 잘 알려져 있습니다. 스페인 디자이너는 20세기 초 아방가르드 여성에게 거의 독점적으로 Delphos 가운을 입었습니다. 컬렉션이 시간이 지남에 따라 진화하는 대부분의 디자이너와 달리, Fortuny의 클래식에서 영감을 받은 Delphos 가운은 페플럼이나 벨트가 추가된 색상이 약간만 다를 뿐 그의 확고한 시그니처가 되었습니다. Fortuny의 Delphos 가운은 주름이 잡힌 실크로 만들어졌으며 작은 유리 구슬로 무게가 가늘어졌습니다. 경직된 S자형 코르셋이 유행하던 시기에 몸을 의식하는 델포스 가운은 가장 대담한 여성이었고, 여성들이 집 밖에서 슬링키 드레스를 입는 데 몇 년이 걸렸습니다.
Jean Patou – 스포티한 디자이너
1920년대의 헐렁하고 허리가 없는 실루엣은 대중의 여가 활동으로 스포츠 참여가 증가한 결과였습니다. 가브리엘 샤넬과 동시대 사람인 장 파투는 이 패셔너블한 새로운 취미를 활용하여 스포츠웨어를 홍보하고 당시의 유명 운동선수를 위한 활동복도 디자인했습니다. Patou는 그의 디자인에 액티브웨어의 요소를 삽입했는데, 이는 종종 양성적인 "garçonne" 스타일의 융기된 밑단과 분리된 니트 저지로 구성되었습니다. Patou는 1921년 테니스 챔피언 Suzanne Lenglen을 위해 디자인한 의상으로 가장 유명합니다. 그녀의 머리에 묶인 넓은 붕대와 무릎 바로 아래에 떨어지는 주름진 드레스로 Lenglen은 코트에서 센세이션을 일으켰습니다.
Mainbocher - The American in Paris 디자이너
1차 세계대전에 참전한 후, 시카고 태생의 Main Rousseau Bocher는 파리로 이주하여 패션 에디터가 되었고 나중에는 의 편집장이 되었습니다. 인기 1929년 꾸뛰르 하우스를 열기 전 파리. 그의 이름과 성을 결합하여 Mainbocher의 집은 전간기의 엘리트 사회를 옷을 입었습니다. 애비뉴 조지 5세(Avenue George V)에 있는 그의 살롱은 제2차 세계 대전이 시작될 때만 그의 아틀리에를 뉴욕으로 이전했습니다. 놀랍도록 단순하다고 묘사된 Mainbocher 디자인은 세련되고 축소되었으며 미묘했습니다. Mainbocher의 가혹한 미학은 Babe Paley, Gloria Vanderbilt, 특히 Wallis Simpson을 포함하여 점차 현대화되는 여성에게 어필했습니다. 오늘날 Mainbocher는 1937년 Prince Edward와의 결혼에서 Windsor 공작 부인을 위해 디자인한 "Wallis Blue" 웨딩 드레스로 가장 기억에 남습니다.
Gilbert Adrian - 할리우드 디자이너
MGM의 수석 의상 디자이너인 Gilbert Adrian은 많은 할리우드 고전 영화에서 Greta Garbo, Joan Crawford, Jean Harlow와 같은 스타에게 의상을 입혔습니다. "Gowns by Adrian"으로 인정받는 Adrian은 할리우드의 황금기와 관련된 화려함을 책임지고 있습니다. 프랑스 꾸뛰리에가 미국 패션 디자이너, 특히 의상 디자이너를 소외시켰을 때, Adrian은 이 시대에 대한 많은 의상 공헌으로 인정받지 못했습니다. Adrian 미학은 넓은 어깨와 좁은 엉덩이의 실루엣에 드레이프 처리된 바이어스 컷 가운과 고대비 흑백 배색으로 구성되었습니다. 오늘날 Adrian은 Judy Garland가 신었던 블루 깅엄 피나포어와 루비 슬리퍼를 디자인한 것으로 가장 기억에 남습니다. 오즈의 마법사.
Claire McCardell - 전미 디자이너
미국 디자이너들이 파리 디자이너들의 드레스 모델을 뻔뻔하게 따라했던 시기에 클레어 맥카델은 곧 자신의 이름을 알리고 "미국인 바라보다." 해티 카네기(Hattie Carnegie)와 같은 미국 브랜드의 양장사로 일하는 McCardell은 나중에 미국 브랜드를 위해 리메이크하기 위해 컬렉션을 보기 위해 종종 파리로 파견되었습니다. 시장. 그러나 McCardell은 파리지앵 디자인이 제공하는 통찰력보다 여행할 때 자신의 의상이 필요하다는 것을 깨달았습니다. 2차 세계대전이 시작되자 파리지앵 디자인은 더 이상 미국 시장에서 판매되지 않아 McCardell에게 자신의 디자인 철학을 적용할 수 있는 기회를 제공했습니다. McCardell은 거들을 제거하고 미국식 편안함을 촉진하는 기능적이고 실용적인 의류를 선호하여 꾸뛰르의 엄격한 형식을 거부했습니다. McCardell 디자인은 일반적으로 골이 있는 저지 또는 데님으로 제작되었으며 그녀의 시그니처 디자인 요소에는 탑 스티칭, 금속 클로저 및 장식 버튼이 포함됩니다.
Norman Norell - 인어 디자이너
Claire McCardell과 마찬가지로 Norman Norell도 Hattie Carnegie를 위해 디자인했습니다. 그러나 Norell이 Traina-Norell이라는 이름으로 자신의 레이블에 집중하기 위해 1940년에 Carnegie를 떠났을 때 그의 옷은 McCardell의 All-American 모양과 크게 다를 것입니다. Norell은 전체적으로 절제되어 있지만 불가능할 정도로 시크한 룩으로 꾸뛰르 마감 처리된 기성복을 생산합니다. Norell은 날카롭게 재단된 칼라가 없는 양복과 양모 데이 드레스에 단순한 선을 자주 사용했습니다. 저녁 시간이나 칵테일 시간에는 Norell의 인어 드레스가 디자이너의 시그니처가 되었으며 1972년 그의 마지막 날까지 모든 Norell 컬렉션을 강조 표시했습니다. 인어 드레스는 몸을 움직일 때마다 반짝이는 장식 조각과 손으로 꿰매는 장식 조각으로 전체를 장식한 날렵한 시스 드레스로 구성되어 있습니다.
Jacques Fath – 다른 새로운 모습의 디자이너
2차 세계대전 이후 파리의 위대한 꾸뛰리에를 떠올리면 크리스챤 디올, 크리스토발 발렌시아가, 피에르 발망이 떠오르는 반면 자크 파스는 종종 기억나지 않습니다. 아마도 1954년 42세의 나이로 일찍 사망하고 메종(Maison)이 문을 닫았기 때문일 것입니다. 3년 후, 오늘날 Fath의 유산은 외부 패션인들에게 알려지지 않은 것 같습니다. 학계. Fath는 2차 세계대전 이후 파리에서 등장한 New Look 패션에 참여했으며 현재 쿠튀르의 황금기로 여겨지는 시대를 주도했습니다. 키가 크고 날씬한 여성을 좋아하는 Jacques Fath는 몸에 꼭 맞는 시스 드레스로 가장 기억에 남습니다. 그의 미학은 명백한 여성성과 타협하지 않는 매력을 조장했으며 그의 디자인은 종종 할리우드의 화려함과 파리의 시크함을 융합한 것으로 묘사되었습니다.