Lección de historia de la moda: la evolución de los desfiles

Bienvenido a Lección de historia de la moda, en el que nos sumergimos en el origen y la evolución de los negocios, íconos, tendencias y más influyentes y omnipresentes de la industria de la moda.

Érase una vez, en un mundo sin iPhones o Kardashians, los desfiles de moda no eran más que vehículos de marketing a pequeña escala utilizados para atraer a clientes adinerados a comprar lo último de un modisto diseños. Hoy en día, el propósito de albergar desfiles de moda de alto presupuesto es un poco menos claro: ¿es con fines de lucro? ¿Es por el arte? ¿Es para redes sociales? ¿Debería venderse la ropa que se muestra en el momento en que salga a la pasarela, como lo hará Burberry el lunes, o seis meses después? Pero, una cosa es cierta: los diseñadores de moda siempre han estado interesados ​​en velar los comerciales intenciones de desfiles de moda con deslumbrantes teatrales y escenarios glamorosos, que parecen tener más Extravagante (

e Instagrammable) Cada estación.

En un intento por comprender mejor la historia de amor de la moda con la pasarela, hemos decidido Eche un vistazo rápido a cómo evolucionaron las pasarelas hasta convertirse en los espectáculos de redes sociales que conocemos como hoy dia.

A finales del siglo XIX y principios del XX, los diseñadores expertos en negocios empleaban a mujeres para que usaran sus diseños. paseos alrededor de los hipódromos, lo que permitió ser notados, emulados, fotografiados e informados por los medios de comunicación. A principios del siglo XX, muchos diseñadores de moda de alto nivel emplearon modelos internos o "maniquíes" para mostrar sus últimos diseños a su clientela de élite. Estos espectáculos privados e informales generalmente incluían modelos que caminaban casualmente mientras pequeños grupos de clientes tomaban té y mordisqueaban canapés. Sin embargo, en 1908-1910, los desfiles de moda programados o "desfiles de moda" se convirtieron en eventos cada vez más populares. Estos primeros espectáculos organizados en un salón duraron hasta tres horas y, a menudo, se repitieron todos los días durante varias semanas. [2]

Si bien probablemente no haya un solo diseñador que merezca el crédito por iniciar las presentaciones de moda de temporada e impulsadas por los medios que llevaron a lo que tenemos Hoy en día, los modistos Paul Poiret y Lucile (Lady Duff-Gordon) eran conocidos por usar una variedad de tácticas inteligentes para atraer un flujo constante de desfiles de moda. asistentes. Al enviar invitaciones a su estimada clientela, Lucile convirtió el negocio de la compra de ropa en un evento social digno de mención. [2] En ese momento, la mayoría de los desfiles de moda presentaban modelos que se presentaban con un número que se correlacionaba con el diseño de moda que usaban, lo que ayudaba a los clientes a realizar un seguimiento de qué comprar. Lucile describió sus diseños como "vestidos de emoción", presentándolos con nombres como "Love in a Mist" para que su ropa pareciera menos mercancía y más fantasías tangibles. [3] Poiret es mejor conocido por conjurar formas más extremas de promover sus últimas colecciones. Al organizar espectaculares fiestas de disfraces como su legendaria velada "Las mil y segundas noches", el diseñador transformó lugares enteros en pasarelas interactivas. [1]

En 1918, debido a la creciente cantidad de compradores extranjeros que venían a Europa para ver los últimos estilos, las casas de alta costura comenzaron a realizar sus desfiles de moda en fechas fijas, dos veces al año, formando la base de lo que llamamos "semana de la moda" hoy dia. [2] Los primeros desfiles de alta costura organizados intentaron regular en gran medida a los invitados con el fin de mantener un aire de exclusividad para sus clientes, al mismo tiempo que intenta limitar la plaga inevitable de la piratería del diseño por la vestimenta extranjera fabricantes. A lo largo de la década de 1910, también se hizo cada vez más popular que los grandes almacenes estadounidenses organizaran sus propios desfiles de moda y obras de caridad. desfiles de moda, que se volverían aún más comunes una vez que los salones de alta costura europeos se vieron obligados a cerrar temporalmente sus puertas durante SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

Cuando Christian Dior debutó con su innovador Corolle colección (también conocida como "The New Look") en 1947, los desfiles de moda se habían convertido en eventos serios y publicitados que se llevaban a cabo en salones de diseñadores o en pequeños lugares como hoteles. Los modelos con caras de piedra que practicaban los puntales característicos reemplazaron el modelo informal de “paseos” del pasado. Las audiencias sentadas se apiñaron en salas con periodistas de renombre ocupando las primeras filas y compradores minoristas y clientes potenciales repartidos por todas partes. [2]

Por lo general, que duran más de una hora, el ambiente de estos espectáculos prolongados tiende a ser tranquilo, excepto por el sonido de la tela y los números o nombres de los conjuntos que se leen en voz alta. Algunos salones tenían pasarelas permanentes en forma de T o semicirculares construidas para mejorar sus presentaciones, aunque los modelos a menudo tenían que hacer su bajando escaleras y a través de habitaciones apretadas, ocasionalmente derribando ceniceros y copas de champán con sus voluminosos Faldas. A mediados de la década de 1950, muchos grandes almacenes de lujo a ambos lados del charco habían adoptado desfiles regulares en las pasarelas como una forma de elevar su reputación. [2]

El formato tradicional de desfiles de moda se revolucionó por completo en la década de 1960, coincidiendo con el auge del prêt-à-porter y el declive gradual de los clientes de alta costura. Las presentaciones de alta costura discretas y relativamente solemnes fueron reemplazadas por presentaciones enérgicas en lugares inusuales, con diseñadores como Mary Quant y André Courrèges animando a sus modelos a abandonar la formación tradicional de pasarela para abrazar la fluidez movimientos. [4] En lugar de atender a la prensa y los compradores con un aura de lujo y exclusividad, los diseñadores ahora usaban sus desfiles de moda como una forma de abrazar la cultura juvenil y el consumismo de masas. Por supuesto, hacer que las modelos sonrían y bailan parece extremadamente dócil en comparación con la forma en que los diseñadores continúan hoy se superan entre sí en las pasarelas, pero las décadas de 1960 y 1970 ayudaron a preparar el escenario para la presentaciones. También fueron influenciados directamente por las hábiles técnicas de marketing de los primeros modistos como Lucile, quien a menudo usaba la danza y la música como una forma de mostrar cómo sus diseños se podían usar de verdad. ocupaciones. [2]

En la década de 1980, los desfiles de moda se habían vuelto tan populares que Thierry Mugler pudo montar una espectacular pasarela colosal en 1984 en el estadio Zénith de París. Permitiendo vender la mitad de las entradas al público abierto, el espectáculo se presentó a una audiencia de 6.000 personas. [2] Otros diseñadores han llevado sus desfiles a extremos similares, incluido Yves Saint Laurent. En 1998, el diseñador francés presentó una colección de alta costura retrospectiva después de la final de la Copa del Mundo en París frente a un estadio abarrotado y un estimado de mil millones de espectadores de televisión.

Cuando Carrie Bradshaw fue etiquetada como "fashion roadkill" en 2001, el término "pasarela" se había vuelto ampliamente utilizado en Estados Unidos y era sinónimo de moda y glamour, gracias en participó en la organización de la Semana de la Moda de Nueva York en Bryant Park en la primavera de 1994 y en el nacimiento del espectáculo más grande de la pasarela, el Victoria's Secret Fashion Show, en agosto 1995. Por supuesto, algunos de los mayores cambios en las pasarelas durante las últimas cuatro décadas han sido causados ​​por las modelos que las recorren. Los moderados "maniquíes" empleados por los salones de alta costura tradicionales parecen anticuados en comparación con los carismáticos modelos de pasarela de la década de 1970, como Jerry Hall y Pat Cleveland. Quizás el momento más importante de la pasarela de modelos llegó en marzo de 1991, cuando Gianni Versace envió a Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista y Cindy Crawford en la pasarela juntas sincronizando los labios de George Michael. "Libertad".

Pocos diseñadores se han destacado en el teatro de pasarelas como el fallecido y gran Alexander McQueen, conocido por convertir sus pasarelas en tableros de ajedrez humanos y túneles de viento de alta potencia. Para su colección de otoño de 1998, McQueen concluyó su desfile con una modelo enmascarada con un vestido rojo sangre, rodeada por un anillo de fuego que significa Juana de Arco, de quien la colección lleva el nombre. Las presentaciones de McQueen se extendieron a ambos lados de la línea entre los desfiles de moda y las piezas de actuación, lo que provocó el antiguo debate sobre si los desfiles teatrales deben considerarse arte o comercio.

Ciertamente no hay escasez de desfiles teatrales en estos días, con actuaciones del equipo de paso, carnavales inmersivos, y suficiente drama de Kanye para apoderarse de una isla. Aunque numerosos diseñadores han colocado pasarelas en lugares exóticos y escenarios radicales, Karl Lagerfeld es el tal vez el diseñador que ha seguido llevando sus desfiles a niveles que hubieran hecho de Mademoiselle Chanel girar la cabeza. Solo en los últimos tres años, Lagerfeld ha mostrado sus colecciones de Chanel en conjuntos grandiosos diseñados para parecerse a brasseries surrealistas, terminales del aeropuerto y supermercados, difuminando la línea entre la pasarela y la vida cotidiana. Sin embargo, su verdadero tour de force puede haber sido el momento en que convirtió la Gran Muralla China en una pista de aterrizaje para Fendi en 2007, volando en 500 invitados VIP para presenciar el evento monumental (sin juego de palabras).

Aunque cada vez más marcas de moda parecen estar abandonando la fórmula estándar de desfiles en favor de presentaciones informales, no parece que la poderosa pasarela desaparezca pronto. Incluso si estos programas de alto presupuesto no venden ropa real, son capaces de generar suficiente conocimiento de la marca para estimular las ventas de productos rentables, como gafas de sol, bolsos y perfumes. Dicho esto, es difícil negar que las pasarelas todavía poseen un poder mágico que transforma la ropa en una moda deseable. No importa cuán obsoletos e innecesarios puedan parecer, el encanto de los desfiles simplemente no se puede reproducir.

Fuentes no vinculadas:

[1] Breward, Christopher. Historia del arte de Oxford:Moda. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. "El Espectáculo Encantado". Teoría de la moda, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie y Amy De La Haye. Moda desde 1900. Londres: Thames & Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (ed.). Enciclopedia de ropa y moda. Nueva York: Charles Scribners & Sons, 2004.

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Foto de la página de inicio: Dior otoño de 2014. Dominique Charriau / WireImage

Foto de portada: Alta costura de otoño de 2001 de Yves Saint Laurent. JEAN-PIERRE MULLER / AFP / Getty Images