Lecția de istorie a modei: evoluția spectacolelor de pistă

Bun venit la Lecția de istorie a modei, în care ne adâncim în originea și evoluția celor mai influente și omniprezente afaceri, icoane, tendințe și multe altele ale industriei modei.

A fost odată, într-o lume fără iPhone sau Kardashians, prezentările de modă nu erau altceva decât vehicule de marketing la scară mică folosite pentru a atrage clienții bogați să cumpere cele mai noi modele ale unui couturier modele. Astăzi, scopul găzduirii de prezentări de modă cu buget ridicat este puțin mai puțin clar: este pentru profit? Este pentru artă? Este pentru rețelele sociale? Ar trebui ca îmbrăcămintea prezentată să fie vândută în momentul în care ajunge pe pistă, așa cum va face Burberry luni, sau șase luni mai târziu? Însă, un lucru este sigur: designerii de modă au fost întotdeauna dornici să ascundă reclama intențiile spectacolelor de modă cu teatru uimitor și decoruri pline de farmec, care par să obțină mai mult extravagant (

și Instagrammable) în fiecare sezon.

În încercarea de a înțelege mai bine povestea de dragoste de multă vreme a modei cu pista, am decis aruncați o privire rapidă înapoi la evoluția podiumurilor în spectacolele de pe rețelele sociale pe care le cunoaștem azi.

La sfârșitul anilor 1800 și începutul anilor 1900, designerii cu experiență în afaceri au angajat femei să poarte desenele lor în jur promenade din jurul pistelor de curse, ceea ce le-a permis să fie observate, emulate, fotografiate și raportate de către mass-media. La sfârșitul secolului al XX-lea, mulți designeri de modă de ultimă generație au folosit modele interne sau „manechine” pentru a-și afișa cele mai noi modele clientelei de elită. Aceste spectacole private, informale, includeau în mod obișnuit modele care se plimbau ocazional, în timp ce grupuri mici de clienți sorbeau ceai și ciuguleau tartine. Cu toate acestea, până în 1908-1910, prezentările de modă programate sau „paradele de modă” au devenit evenimente din ce în ce mai populare. Aceste prime spectacole găzduite de salon au durat până la trei ore și au fost adesea repetate în fiecare zi pe parcursul a câteva săptămâni. [2]

Deși probabil că nu există un singur designer care să merite credit pentru inițierea prezentărilor de modă sezoniere și mediate care au dus la ceea ce avem astăzi, couturierii Paul Poiret și Lucile (Lady Duff-Gordon) erau amândoi cunoscuți pentru că foloseau o varietate de tactici inteligente pentru a atrage un flux constant de prezentări de modă participanți. Prin trimiterea de invitații către stimata ei clientelă, Lucile a transformat afacerea de a cumpăra haine într-un eveniment social remarcabil. [2] La acea vreme, majoritatea spectacolelor de modă prezentau modele introduse de un număr corelat cu designul de modă pe care îl purtau, ajutându-i pe clienți să urmărească ce să cumpere. Lucile și-a descris desenele ca „rochii de emoție”, introducându-le cu nume precum „Dragoste în ceață”, pentru a-i face hainele să pară mai puțin ca marfă și mai mult ca fantezii tangibile. [3] Poiret este cel mai bine cunoscut pentru evocarea unor modalități mai extreme de a-și promova ultimele colecții. Găzduind petreceri de costume spectaculoase precum legendarul său soirée „Thousand and Second Night”, designerul a transformat locuri întregi în podiumuri interactive. [1]

Până în 1918, din cauza creșterii numărului de cumpărători străini care veneau în Europa pentru a vizualiza cele mai noi stiluri, case de modă au început să organizeze prezentările lor la date fixe, de două ori pe an, formând baza a ceea ce numim „săptămâna modei” azi. [2] Primele spectacole de modă organizate au încercat să regleze foarte mult oaspeții în scopul menținerii unui aer de exclusivitate pentru clienții lor, încercând totodată să limiteze inevitabila plagă a pirateriei de design prin îmbrăcăminte străină producători. De-a lungul anilor 1910, a devenit tot mai popular pentru magazinele americane să găzduiască propriile parade de modă și caritate prezentări de modă, care ar deveni și mai frecvente odată ce saloanele europene de modă vor fi forțate să închidă temporar ușile în timpul Al doilea război mondial.

În momentul în care Christian Dior și-a făcut debutul revoluționar corolle colecție (denumită în continuare „The New Look”) în 1947, prezentările de modă deveniseră evenimente serioase și mediatizate găzduite fie în saloanele designerilor, fie în locuri mici, cum ar fi hotelurile. Modelele cu față de piatră care practicau strunguri de semnătură au înlocuit modelul informal „walkabouts” din trecut. Publicul așezat a fost înghesuit în camere cu jurnaliști de renume care ocupă primele rânduri, iar cumpărătorii cu amănuntul și potențialii clienți s-au răspândit în toată lumea. [2]

În mod obișnuit, durează peste o oră, ambianța acestor spectacole de lungă durată a avut tendința de a fi liniștită, cu excepția sunetului zgomotului țesăturilor și a numerelor de ansamblu sau a numelor citite cu voce tare. Unele saloane aveau piste permanente în formă de T sau semicirculare construite pentru a-și îmbunătăți prezentările, deși modelele trebuiau deseori să își facă coborând scările și prin camerele strânse, dărâmând ocazional scrumiere și pahare de șampanie cu voluminoasele lor fuste. Până la mijlocul anilor 1950, multe magazine universale de lux de pe ambele părți ale iazului adoptaseră spectacole regulate pe pistă ca o modalitate de a-și ridica reputația. [2]

Formatul tradițional de prezentare a modei a fost complet revoluționat în anii 1960, coincizând cu creșterea îmbrăcămintei de îmbrăcăminte și scăderea treptată a clienților de modă. Spectacolele de modă discrete și relativ solemne au fost înlocuite de prezentări energice în locații neobișnuite, cu designeri de genul Mary Quant și André Courrèges încurajându-și modelele să abandoneze formațiunea tradițională de pasarelă pentru a îmbrățișa fluxul liber mișcări. [4] În loc să servească presei și cumpărătorilor cu o aură de lux și exclusivitate, designerii își foloseau acum prezentările de modă ca o modalitate de a îmbrățișa cultura tinerilor și consumul de masă. Desigur, a avea modele să zâmbească și să danseze pare extrem de blând în comparație cu modul în care designerii continuă se depășesc reciproc pe piste astăzi, dar anii 1960 și 1970 au ajutat la pregătirea scenei pentru modern prezentări. Au fost, de asemenea, influențați direct de tehnicile de marketing pricepute ale unor couturieri timpurii Lucile, care adesea folosea dansul și muzica ca o modalitate de a afișa modul în care desenele ei puteau fi purtate cu adevărat Activități. [2]

În anii 1980, prezentările de modă deveniseră atât de populare încât Thierry Mugler a reușit să organizeze o pasarelă colosală spectaculoasă în 1984 pe stadionul Zénith din Paris. Permițând ca jumătate din bilete să fie vândute publicului deschis, spectacolul a fost prezentat unui public de 6.000 de persoane. [2] Alți designeri și-au dus spectacolele de podium la extreme similare, inclusiv Yves Saint Laurent. În 1998, designerul francez a prezentat o colecție de modă retrospectivă după finala Cupei Mondiale în Paris, în fața unui stadion plin și a aproximativ 1 miliard de spectatori de televiziune.

Când Carrie Bradshaw a fost etichetată „fashion roadkill” în 2001, termenul „pasarelă” devenise utilizat pe scară largă în America și sinonim cu moda și glamour, mulțumesc în parte la organizarea Săptămânii modei din New York în Parcul Bryant în primăvara anului 1994 și nașterea celui mai mare spectacol al pistei, Victoria's Secret Fashion Show, în august 1995. Desigur, unele dintre cele mai mari modificări ale podiumurilor din ultimele patru decenii au fost cauzate de modelele care le parcurg. „Manechinele” reduse folosite de saloanele tradiționale de modă par învechite în comparație cu modelele carismatice de pistă din anii 1970, precum Jerry Hall și Pat Cleveland. Poate că cel mai mare moment de pistă a venit în martie 1991, când Gianni Versace l-a trimis pe Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista și Cindy Crawford pe pistă, împreună, sincronizând buzele lui George Michael "Libertate".

Puțini designeri au excelat în teatrele de pasarelă, precum regretatul și marele Alexander McQueen, cunoscut pentru transformarea pistelor sale în șahuri umane și tunele de vânt de mare putere. Pentru colecția sa din toamna anului 1998, McQueen și-a încheiat spectacolul cu un model mascat într-o rochie roșie sânge, înconjurat de un inel de foc care îl semnifică pe Joan of Arc, căruia i s-a dat numele colecției. Prezentările lui McQueen s-au situat pe linia dintre prezentările de modă și piesele de spectacol, declanșând dezbaterea veche despre dacă spectacolele teatrale ar trebui considerate artă sau comerț.

Cu siguranță nu există lipsă de spectacole teatrale în aceste zile, cu performanțe de echipă pas, carnavaluri captivante, și suficientă dramă Kanye pentru a prelua o insulă. Deși numeroși designeri au plasat podiumuri în locații exotice și în decoruri radicale, Karl Lagerfeld este poate că designerul care a continuat să-și ducă spectacolele pe pistă la niveluri care ar fi făcut-o pe Mademoiselle Chanel rotirea capului. Numai în ultimii trei ani, Lagerfeld și-a expus colecțiile Chanel în seturi grandioase concepute să arate braserii suprarealiste, terminalele aeroportului și supermarketuri, estompând linia dintre podium și viața de zi cu zi. Cu toate acestea, adevăratul său tur de forță poate a fost momentul în care a transformat Marele Zid Chinez într-o pistă Fendi în 2007, care zboară în 500 de invitați VIP pentru a asista la evenimentul monumental (fără joc de cuvinte).

Deși din ce în ce mai multe mărci de modă par să renunțe la formula standard a spectacolului de pistă în favoarea prezentărilor informale, nu pare că podiumul puternic va dispărea în curând. Chiar dacă aceste emisiuni cu buget ridicat nu reușesc să vândă îmbrăcăminte propriu-zise, ​​sunt capabile să sensibilizeze suficient brandul pentru a stimula vânzările de mărfuri profitabile, precum ochelari de soare, genți și parfumuri. Acestea fiind spuse, este greu de negat că podiumurile posedă încă o putere magică care transformă îmbrăcămintea într-o modă dorită. Indiferent cât de depășite și inutile ar părea, atracția spectacolelor de pe pistă pur și simplu nu poate fi reprodusă.

Surse neconectate:

[1] Breward, Christopher. Istoria artei din Oxford:Modă. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. „Spectacolul fermecat”. Teoria modei, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie și Amy De La Haye. Moda Din 1900. Londra: Thames & Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (ed.). Enciclopedia îmbrăcămintei și modei. New York: Charles Scribners & Sons, 2004.

Doriți mai întâi cele mai recente știri din industria modei? Înscrieți-vă la newsletter-ul nostru zilnic.

Foto de start: Dior toamna 2014. Dominique Charriau / WireImage

Foto prezentată: Yves Saint Laurent toamnă 2001 haute couture. JEAN-PIERRE MULLER / AFP / Getty Images