Po lewej: sukienka Halston, bawełniana dzianina z nadrukiem, ok. 1976, prezent od pani Gayle Osman. Po prawej: sukienka Yves Saint Laurent, drukowany jedwabny szyfon, 1971, prezent od Lauren Bacall.
Są o nich filmy. Są o nich książki. Są kochani i zazdrośni. Są też ofiarami plotek, często porównywanych i kontrastowanych w prasie. Jednak żadna instytucja, do tej pory, nigdy nie umieściła dzieł Halstona i Yves Saint Laurent obok siebie, używając ich ubrań jako sposobu, aby dostać się do ich głów.
W lutym 6, Muzeum w Fashion Institute of Technology otworzy swoją najnowszą wystawę „Yves Saint Laurent + Halston: Fashioning the '70s”. Czas wydaje się przypadkowy; Wibracje lat 70. są na wybiegach i czerwone dywany już teraz. Ten louche, swobodny styl, podskakujący zgodnie z najnowszym trendem, wydaje się mieć prawdziwą siłę przetrwania.
W środowe popołudnie spotkałem w holu szkoły Patricię Mears, zastępcę dyrektora Muzeum w FIT i Emmę McClendon, asystentkę kuratora, aby dowiedzieć się więcej o nadchodzącym pokazie. Kiedy schodziliśmy po schodach do przestrzeni wystawienniczej, najpierw wskazali graficzną oś czasu, oddzieloną od głównej przestrzeni wystawowej. Oś czasu przedstawia osiągnięcia i osiągnięcia Halstona i Yves Saint Laurenta od końca lat 50. do 1984 r. Na ścianie wiszą rzadkie wizerunki obu projektantów (zdjęcie Halstona w jego pierwszym salonie, zdjęcie Jean-Luce Hure przedstawiające Saint Laurenta przechadzającego się po ulicach Paryża). Są fakty, których nigdy nie znałem (Saint Laurent zaprojektował kostiumy do filmu „Różowa Pantera”). Jasne jest, że Saint Laurent i Halston pracowali tak, jak opętani mężczyźni.
Halston był jednym z tych nielicznych projektantów, którzy chcieli, aby jego ubrania nosiły się na plecach najznakomitszych osobistości i kobiet z Ameryki Środkowej. Ale takie pragnienie przyszło z poważnymi niepowodzeniami – a te niepowodzenia pomagają wyjaśnić, dlaczego oś czasu pokazana na wystawie kończy się w 1984 roku. W tym momencie życia Halstona nazwisko projektanta pojawiło się na sukienkach J.C. Penny. Jego linia Halston Limited, niegdyś uważana za wyjątkowo ekskluzywną, nie wisiała już na stojakach w Bergdorf Goodman. Zgodnie z umowami prawnymi wynegocjowanymi przez Nortona Simona, Halstonowi zabroniono mieć nic wspólnego z projektami i produktami – ubraniami, akcesoriami, kosmetykami, perfumami – noszącymi jego imię. Nie pozwolono mu nawet wejść do własnego biura.
Nie chodzi o malowanie negatywnego obrazu jednego z najbardziej kreatywnych amerykańskich projektantów. To po prostu niektóre niefortunne konsekwencje ambicji Halstona. Niektórzy mówią, że za bardzo się rozciągnął. Jako perfekcjonista rzadko delegował zadania i starał się nadążyć za wieloma wymaganiami branży.
Czerwony kaftan wieczorowy Halstona, ok. 1900 r. 1977. Zdjęcie: Muzeum FIT
Dla Saint Laurenta rok 1984 był bardziej szczęśliwy. Metropolitan Museum of Art zaprezentowało projektantowi urodzonemu w Oranie własną retrospektywę, której kuratorem była Diana Vreeland. To była zarówno sensacja, jak i skandal. Żaden pracujący, żyjący projektant nie mógłby dostąpić tego zaszczytu, mówi Mears, zanim wejdziemy do głównej przestrzeni wystawienniczej, która jest biała i „odarta ze wszystkiego”.
Gdy wchodzimy, Mears mówi mi jedną rzecz, którą ma nadzieję, że widzowie zauważą. „Chcę, aby ludzie dowiedzieli się, że Halston był świetnym technicznym krawcową”, ujawniając, że jego ubrania (czerwony kaftan jest jednym z jej ulubionych) mają raczej wdzięczną jakość i są wizualnie uproszczone. Może pięknie wyglądać na wielu typach sylwetki. Prowadzi mnie na pobliską scenę, na której znajdują się dwie sukienki z odkrytymi ramionami, wskazując: „Nie widzisz zapięcia, zamki błyskawiczne, guziki… Bardzo łatwe do noszenia.” McClendon wspomina, że nosząca może stylizować sukienkę się.
O kantarie Saint Laurenta mówi: „[Jego] szyfonowa sukienka ma w środku gorset. Mimo że sukienka wygląda przezroczyście, jest trochę myląca”. McClendon dodaje: „Nic nie jest pozostawione przypadkowi”. Punkty Mears że podejście Halstona jest bardziej amerykańskie, „ponieważ wierzy, że nosząca ma coś do powiedzenia na temat tego, jak chce wiązać rzeczy."
Po lewej: Saint Laurent Rive Gauche z wełny w kolorze złamanej bieli, brązowego welwetu i nylonu w kolorze złamanej bieli, 1976. Po prawej: zestaw Halston z wełny w kolorze złamanej bieli, 1970-71. Zdjęcie: Muzeum FIT
Ale pomimo wszystkich różnic, czasami są niezwykle na równi. Jednym z przykładów jest ich podejście do peleryny. „Można powiedzieć, który z nich to Saint Laurent, a który Halston” — mówi Mears. Halston, czerwono-czarna peleryna, jest uszyta z wełny, nieco bardziej uproszczona niż Yves Saint Laurent. Niemniej sylwetki są podobne. „Po prostu pomysł, że używali tego samego rodzaju materiałów i tego samego rodzaju koncepcji… wydaje nam się, że próbowali znaleźć słownictwo, które ostatecznie wyjdzie w ich charakterystycznym stylu. Ale we wczesnych latach siedemdziesiątych – późnych latach sześćdziesiątych i wczesnych siedemdziesiątych – wciąż tego szukają, więc przez wiele czasu naprawdę masz problem z rozróżnieniem, kto co zrobił”.
McClendon nie ma jednak problemu ze wskazaniem jednego faktu o Yves Saint Laurent i jego ubraniach gotowych. „Patrzył na Rive Gauche jako laboratorium, w którym mógł eksperymentować z potencjalnie kontrowersyjnymi lub niemodnymi wpływami, takimi jak egzotyka, odzież męska i odrodzenie historyczne. Wtedy to pójdzie do jego couture.
Jeśli pomysł dobrze się sprawdził w przypadku odzieży gotowej, to znaczy, że miał większą szansę na sukces w couture. Jednym z pomysłów było nowe spojrzenie na odzież męską. „Separatorzy byli ważni dla Rive Gauche” – zauważa. Prawdopodobnie zrodziło się to z męskiego podejścia do ubierania się - łączenia różnych górnych i dolnych części garnituru do woli. „Podobno wszyscy sprzedawcy w butikach Rive Gauche zostali przeszkoleni, że jeśli ktoś przyjdzie i odbierze kawałek i będzie wyglądał na zainteresowany, przyjdziesz i zaoferujesz całą gamę skoordynowane elementy, które mogą iść w parze z tym, aby zbudować tę szafę Saint Laurent, słownictwo stylów, które możesz zbudować, aby stworzyć tę szafę z osobowością, która również jest nieco mundur."
Jedną z głównych różnic w ubraniach projektantów, na którą zwraca uwagę Mears, jest to, że prace Halstona są bardziej redukcyjne. Mówi, że dzięki temu jego prace wyglądają na bardziej ponadczasowe. „Praca Yves Saint Laurent jest tak piękna, ale [może] wyglądać na nieco przestarzałą”.
W jednym obszarze widzimy zawłaszczenie przez Saint Laurenta rosyjskich fantazji i elżbietańskich ideałów. Dzięki nim mogę zrozumieć teorię Mearsa. Ubrania, choć uderzające, starają się wytrzymać próbę czasu. Mimo to McClendon przyznaje, że „robił zestawy swetrów i spódnic oraz bardziej minimalistyczny wygląd na dzień”.
Zdecydowanie różni się od tych minimalistycznych stylów ubrania z pokazu Chinoiserie. Jest tu kilka elementów ze słynnej kolekcji Yves Saint Laurent z 1977 roku: dwa ciemne wieczorowe komplety z drukowanego jedwabiu. Spódnica i płaszcz w kolorze fuksji to jednak wcześniejsze wersje Rive Gauche. Poprzedzają kolekcję couture. Co dowodzi, że eksperymentował z tymi wpływami w ready-to-wear, zanim wprowadził je do salonu couture.
Rzeczywiście, na tej wystawie jest o wiele więcej do zobaczenia, o wiele więcej pytań do zadania, pomysłów do odkrycia. Ale skatalogowanie każdego spojrzenia tutaj byłoby przygotowaniem pokazu, który płynie przez dekadę dekadencji, trafnie używając przykłady najlżejszych jedwabi Saint Laurent i piórkowych szyfonów Halstona, aby pokazać czystą stronę lat 70. styl. Mears przypomina mi, że w latach 60. zachęcano kobiety do brania udziału w zajęciach, które uczyły je noszenia pasa. Ha! W latach 70. komu potrzebny był stanik?