Modes vēstures stunda: skrejceļa šovu attīstība

Laipni lūdzam Modes vēstures stunda, kurā mēs dziļi ienirstam modes industrijas ietekmīgāko un visuresošāko uzņēmumu, ikonu, tendenču u.c. izcelsmē un attīstībā.

Kādreiz pasaulē, kurā nebija iPhone vai Kardashians, modes skates nebija nekas cits kā neliela apjoma mārketinga transportlīdzekļi, kurus izmantoja, lai pievilinātu turīgus klientus iegādāties jaunāko modes dizaineru dizainu. Mūsdienās augsta budžeta modes skates rīkošanas mērķis ir nedaudz mazāk skaidrs: vai tas ir peļņas nolūkos? Vai tas ir mākslai? Vai tas ir paredzēts sociālajiem medijiem? Vai parādītais apģērbs ir jāpārdod brīdī, kad tas nokļūst skrejceļā, kā Burberry testaments pirmdien, vai sešus mēnešus vēlāk? Bet viena lieta ir droša: modes dizaineri vienmēr ir bijuši ieinteresēti reklāmas slēpšanā modes skates nodomus ar žilbinošu teātri un krāšņiem uzstādījumiem, kas, šķiet, iegūst vairāk ekstravagants (un Instagrammable) katru sezonu.

Mēģinot labāk izprast modes seno mīlas dēku ar skrejceļu, mēs esam nolēmuši ātri atskatieties uz to, kā celiņi pārtapa par sociālo mediju brillēm, kuras mēs tās pazīstam šodien.

Astoņdesmito gadu beigās un divdesmitā gadsimta astoņdesmito gadu sākumā lietišķi dizaineri pieņēma darbā sievietes, lai tās nēsātu apkārt savus dizainus promenādes, kas ieskauj hipodromus, kas ļāva tos pamanīt, līdzināties, fotografēt un ziņot mediji. Ap 20. gadsimta miju daudzi augstākās klases modes dizaineri izmantoja pašmāju modeļus vai "manekenus", lai parādītu savus jaunākos dizainus savai elites klientūrai. Šajos privātajos, neformālajos šovos parasti bija modeļi, kas nejauši staigāja apkārt, kamēr nelielas klientu grupas malkoja tēju un našķojās ar kanapē. Tomēr līdz 1908.-1910. Gadam ieplānotās modes skates jeb "modes parādes" kļuva par arvien populārākiem notikumiem. Šīs pirmās salona rīkotās izstādes ilga pat trīs stundas, un tās bieži atkārtoja katru dienu vairāku nedēļu laikā. [2]

Lai gan, iespējams, nav viena dizainera, kurš būtu pelnījis atzinību par sezonas un plašsaziņas līdzekļu vadītu modes prezentāciju uzsākšanu, kas noveda pie tā, kas mums ir mūsdienās abi kurjeri Pols Poirets un Lucila (Lēdija Dafa-Gordone) bija pazīstami ar to, ka izmantoja dažādas gudras taktikas, lai piesaistītu vienmērīgu modes skates plūsmu. apmeklētāji. Izsūtot ielūgumus saviem cienījamajiem klientiem, Lucile pārvērta apģērbu iegādes biznesu par ievērības cienīgu sabiedrisku notikumu. [2] Tajā laikā lielākajā daļā modes skates modeļu tika parādīti skaitļi, kas bija saistīti ar viņu nēsāto modes dizainu, palīdzot klientiem izsekot, ko iegādāties. Lusīle savus dizainparaugus raksturoja kā “emociju tērpus”, iepazīstinot tos ar tādiem nosaukumiem kā “Mīlestība miglā”, lai padarītu viņas apģērbu mazāk līdzīgu precei un vairāk taustāmām fantāzijām. [3] Poiret ir vislabāk pazīstams ar to, ka uzbur ekstrēmākus veidus, kā reklamēt savas jaunākās kolekcijas. Rīkojot iespaidīgas kostīmu ballītes, piemēram, viņa leģendāro “Tūkstoš un otrās nakts” vakaru, dizainers visas vietas pārveidoja par interaktīvām takām. [1]

Līdz 1918. gadam, jo ​​arvien vairāk ārvalstu pircēju ieradās Eiropā, lai apskatītu jaunākos stilus, modes mājas sāka rīkot savas modes skates noteiktos datumos, divas reizes gadā, veidojot pamatu tam, ko mēs saucam par “modes nedēļu” šodien. [2] Pirmās organizētās modes skates mēģināja stingri regulēt viesus, lai uzturētu gaisu savu klientu ekskluzivitāti, vienlaikus mēģinot ierobežot neizbēgamo dizaina pirātisma sērgu ar ārzemju tērpiem ražotājiem. Deviņdesmitajos gados arvien populārāk kļuva arī Amerikas universālveikalos rīkot savas modes parādes un labdarību modes skates, kas kļūtu vēl izplatītākas, kad Eiropas modes saloni būtu spiesti uz laiku slēgt durvis Otrais pasaules karš.

Līdz brīdim, kad Kristians Diors debitēja par savu revolucionāro korole kolekcijā (pazīstams arī kā "The New Look") 1947. gadā modes skates bija kļuvušas par nopietniem un publiskiem pasākumiem, kas notika dizaineru salonos vai nelielās vietās, piemēram, viesnīcās. Modeļi ar akmens seju, kas praktizē paraksta balstus, aizstāja pagātnes neformālo modeli. Sēdošās auditorijas bija saspiestas istabās, kurās pirmajās rindās atradās slaveni žurnālisti, bet mazumtirdzniecības pircēji un potenciālie klienti izplatījās. [2]

Parasti šo garo šovu gaisotne parasti bija klusa, izņemot auduma svilšanas skaņu un ansambļu numurus vai skaļi nolasāmus nosaukumus. Dažos salonos bija uzbūvēti pastāvīgi t-veida vai pusapaļi skrejceļi, lai uzlabotu prezentāciju, lai gan modeļiem bieži bija jāizveido lejup pa kāpnēm un caur blīvi iepakotām telpām, ik pa laikam ar apjomīgām lietām nogāžot pelnu traukus un šampanieša glāzes svārki. Līdz 50. gadu vidum daudzi augstākās klases universālveikali abās dīķa pusēs bija pieņēmuši regulārus skrejceļu šovus, lai paaugstinātu savu reputāciju. [2]

Sešdesmitajos gados tradicionālais modes skates formāts tika pilnībā mainīts, sakrītot ar valkāšanai gatavu apģērbu skaita pieaugumu un modes klientu pasliktināšanos. Diskrētos un samērā svinīgos modes šovus nomainīja enerģiskas prezentācijas neparastās vietās ar tādiem dizaineriem kā Mērija Kvāna un Andrē Kurjē mudina savus modeļus atteikties no tradicionālā podiuma veidojuma, lai aptvertu brīvi plūstošo kustības. [4] Tā vietā, lai rūpētos par presi un pircējiem ar greznības un ekskluzivitātes auru, dizaineri tagad izmantoja savas modes skates kā veidu, kā uztvert jauniešu kultūru un masu patērētāju. Protams, modeļu smaids un dejas šķiet ārkārtīgi pieradinātas, salīdzinot ar to, kā dizaineri turpina šodien viens otru pārspēj uz skrejceļiem, bet 20. gadsimta 60. un 70. gadi palīdzēja radīt priekšstatu par moderno prezentācijas. Viņus tieši ietekmēja arī agrīno modes mākslinieku gudrās mārketinga metodes Lucile, kura bieži izmantoja deju un mūziku, lai parādītu, kā viņas dizainu var valkāt patiesi aktivitātes. [2]

Līdz astoņdesmitajiem gadiem modes skates bija kļuvušas tik ļoti populāras, ka Tjerī Muglers 1984. gadā Parīzes Zénith stadionā spēja uzvest kolosālu celiņu. Ļaujot pusi biļešu pārdot atklātai publikai, izrāde tika prezentēta 6000 cilvēku auditorijai. [2] Citi dizaineri, piemēram, Īvs Senlorāns, savus podiumu šovus ir noveduši līdzīgās galējībās. 1998. gadā franču dizainers pēc Pasaules kausa fināla prezentēja retrospektīvu modes kolekciju Parīzē pieblīvēta stadiona un aptuveni 1 miljarda televīzijas skatītāju priekšā.

Laikā, kad Kerija Bredšova 2001. gadā tika apzīmēta kā “modes ceļš”, termins “catwalk” Amerikā bija kļuvis plaši lietots un kļuva par modes un krāšņuma sinonīmu. piedaloties Ņujorkas modes nedēļas organizēšanā Braienta parkā 1994. gada pavasarī, un augustā piedzimst skrejceļa lielākā izrāde - Viktorijas slepenā modes skate. 1995. Protams, dažas no lielākajām izmaiņām celiņos pēdējo četru gadu desmitu laikā ir radījušas modeļi, kas tos staigā. Vājie "manekeni", ko izmanto tradicionālie modes saloni, šķiet novecojuši, salīdzinot ar harizmātiskajiem skrejceļu modeļiem 1970. gados, piemēram, Džeriju Holu un Patu Klīvlendu. Iespējams, lielākais skrejceļa modelis bija 1991. gada martā, kad Džanni Versace nosūtīja Naomi Kempbelu, Kristi. Turlingtona, Linda Evangelista un Sindija Krauforde kopā pa skrejceļu nokļūst kopā ar lūpām sinhrono Džordža Maikla "Brīvība".

Tikai daži dizaineri ir izcēlušies ar podiumu teātriem, piemēram, nelaiķis un lielais Aleksandrs Makvīns, kurš pazīstams ar to, ka savus skrejceļus pārvērš par cilvēku šaha dēļiem un lieljaudas vēja tuneļiem. Savai 1998. gada rudens kolekcijai Makvīns savu šovu pabeidza ar maskētu modeli asins sarkanā kleitā, ko ieskauj uguns gredzens, kas apzīmē Džoanu Arku, kura kolekcija tika nosaukta pēc vārda. Makvīna prezentācijas pārsniedza līniju starp modes skatēm un izrādes darbiem, izraisot mūžīgās diskusijas par to, vai teātra skrejceļa šovi jāuzskata par mākslu vai tirdzniecību.

Šajās dienās noteikti netrūkst teātra skrejceļu šovu step komandu priekšnesumi, aizraujoši karnevāli, un pietiekami daudz Kanje drāmas, lai pārņemtu salu. Lai gan daudzi dizaineri ir izvietojuši celiņus eksotiskās vietās un radikālos apstākļos, Karls Lāgerfelds ir iespējams, dizainers, kurš turpināja celt skrejceļa šovus līdz tādam līmenim, kas būtu padarījis Mademoiselle Chanel's griežas galva. Tikai pēdējo trīs gadu laikā Lāgerfelds ir demonstrējis savas Chanel kolekcijas grandiozos komplektos sirreālas kafejnīcas, lidostas termināļi un lielveikali, izjaucot robežu starp celiņu un ikdienas dzīvi. Tomēr viņa patiesais tūrisma spēks varēja būt laiks, kad viņš pārvērta Lielo Ķīnas mūri par skrejceļu Fendi 2007. gadā, lidojot 500 VIP viesos, lai redzētu monumentālo (bez vārdu domāšanas) notikumu.

Lai gan arvien vairāk modes zīmolu, šķiet, atsakās no standarta skrejceļa šovu formulas par labu neformālām prezentācijām, nešķiet, ka varenais celiņš drīz pazudīs. Pat ja šajās augsta budžeta izrādēs neizdodas pārdot faktisko apģērbu, tās spēj palielināt zīmola atpazīstamību, lai veicinātu rentablu preču, piemēram, saulesbrilles, somas un smaržas, pārdošanu. To sakot, ir grūti noliegt, ka podiumiem joprojām piemīt maģisks spēks, kas pārvērš apģērbu vēlamā veidā. Neatkarīgi no tā, cik novecojuši un nevajadzīgi tie varētu šķist, skrejceļa šovu pievilcību vienkārši nevar atkārtot.

Avoti, kas nav saistīti:

[1] Brevards, Kristofers. Oksfordas mākslas vēsture:Mode. Oksforda: Oxford University Press, 2003.
[2] Evanss, Karolīna. "Apburtais skats." Modes teorija, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendess, Valērija un Eimija De La Hejas. Mode kopš 1900. Londona: Temsa un Hadsons, 2010.
[4] Stīla, Valērija (red.). Apģērbu un modes enciklopēdija. Ņujorka: Charles Scribners & Sons, 2004.

Vai vispirms vēlaties saņemt jaunākās modes industrijas ziņas? Parakstieties uz mūsu ikdienas biļetenu.

Mājas lapas foto: Dior rudens 2014. Dominique Charriau/WireImage

Piedāvātā fotogrāfija: Īvs Senlorāns, 2001. gada rudens augstā mode. JEAN-PIERRE MULLER/AFP/Getty Images