Leçon d'histoire de la mode: l'évolution des défilés

Bienvenue à Leçon d'histoire de la mode, dans lequel nous plongeons en profondeur dans l'origine et l'évolution des entreprises, icônes, tendances et plus encore les plus influentes et omniprésentes de l'industrie de la mode.

Il était une fois, dans un monde sans iPhones ni Kardashians, les défilés de mode n'étaient rien de plus que des véhicules de marketing à petite échelle utilisés pour inciter les clients fortunés à acheter le dernier-né d'un couturier dessins. Aujourd'hui, l'objectif d'accueillir des défilés à gros budget est un peu moins clair: est-ce dans un but lucratif? Est-ce pour l'art? C'est pour les réseaux sociaux? Les vêtements présentés doivent-ils être vendus dès leur lancement sur le podium, comme le fera Burberry lundi, ou six mois plus tard? Mais une chose est sûre: les créateurs de mode ont toujours eu à cœur de voiler la publicité intentions de défilés aux mises en scènes éblouissantes et glamour, qui semblent de plus en plus extravagant (

et Instagrammable) chaque saison.

Pour tenter de mieux comprendre l'histoire d'amour de longue date de la mode avec la piste, nous avons décidé de Jetez un coup d'œil à la façon dont les podiums ont évolué pour devenir les spectacles de médias sociaux que nous connaissons sous le nom aujourd'hui.

À la fin des années 1800 et au début des années 1900, les créateurs avertis en affaires employaient des femmes pour porter leurs créations autour de promenades autour des hippodromes, ce qui leur a permis d'être remarqués, imités, photographiés et rapportés par les média. Au tournant du 20e siècle, de nombreux créateurs de mode haut de gamme ont employé des modèles internes ou des « mannequins » pour exposer leurs dernières créations à leur clientèle d'élite. Ces spectacles privés et informels comprenaient généralement des modèles se promenant avec désinvolture tandis que de petits groupes de clients sirotaient du thé et grignotaient des canapés. Cependant, en 1908-1910, les défilés de mode programmés ou « défilés de mode » sont devenus des événements de plus en plus populaires. Ces premiers spectacles organisés en salon duraient jusqu'à trois heures et étaient souvent répétés chaque jour pendant plusieurs semaines. [2]

Bien qu'il n'y ait probablement pas un seul créateur qui mérite le mérite d'avoir lancé les présentations de mode saisonnières et médiatiques qui ont conduit à ce que nous avons aujourd'hui, les couturiers Paul Poiret et Lucile (Lady Duff-Gordon) étaient tous deux connus pour avoir utilisé une variété de tactiques astucieuses pour attirer un flux constant de défilés de mode participants. En envoyant des invitations à sa clientèle estimée, Lucile a fait de l'achat de vêtements un événement social remarquable. [2] À l'époque, la plupart des défilés de mode présentaient des modèles présentés par un nombre corrélé au design de mode qu'ils portaient, aidant les clients à garder une trace de ce qu'ils devaient acheter. Lucile a décrit ses créations comme des "robes d'émotion", les introduisant avec des noms comme "Love in a Mist" afin de faire ressembler ses vêtements moins à des marchandises qu'à des fantasmes tangibles. [3] Poiret est surtout connu pour évoquer des manières plus extrêmes de promouvoir ses dernières collections. En organisant des soirées costumées spectaculaires comme sa légendaire soirée « Mille et deuxième nuits », le créateur a transformé des lieux entiers en podiums interactifs. [1]

En 1918, en raison d'un nombre croissant d'acheteurs étrangers venant en Europe pour voir les derniers styles, les maisons de couture ont commencé à organiser leurs défilés de mode à dates fixes, deux fois par an, formant la base de ce que nous appelons la "semaine de la mode" aujourd'hui. [2] Les premiers défilés de couture organisés ont tenté de réguler fortement les invités dans le but de maintenir un air de l'exclusivité pour leurs clients, tout en essayant de limiter le fléau inévitable du piratage des dessins par des vêtements étrangers fabricants. Tout au long des années 1910, il est également devenu de plus en plus populaire pour les grands magasins américains d'accueillir leurs propres défilés de mode et leurs œuvres caritatives. défilés de mode, qui deviendront encore plus fréquents une fois que les salons de couture européens auront été contraints de fermer temporairement leurs portes pendant LA SECONDE GUERRE MONDIALE.

Au moment où Christian Dior a fait ses débuts corolle collection (alias "The New Look") en 1947, les défilés de mode étaient devenus des événements sérieux et médiatisés organisés soit dans des salons de créateurs, soit dans de petits lieux comme des hôtels. Des mannequins au visage de pierre pratiquant des jambes de force emblématiques ont remplacé les «promenades» informelles du passé. Des spectateurs assis étaient entassés dans des salles avec des journalistes de renom occupant les premiers rangs et des acheteurs au détail et des clients potentiels éparpillés partout. [2]

D'une durée généralement supérieure à une heure, l'ambiance de ces longs spectacles avait tendance à être calme, à l'exception du bruit des tissus et des numéros d'ensemble ou des noms lus à haute voix. Certains salons avaient des pistes permanentes en forme de T ou semi-circulaires construites pour améliorer leurs présentations, bien que les modèles aient souvent dû faire leur descendre les escaliers et à travers les pièces serrées, renversant parfois les cendriers et les verres de champagne avec leur volumineux jupes. Au milieu des années 1950, de nombreux grands magasins haut de gamme des deux côtés de l'étang avaient adopté des défilés réguliers comme moyen d'élever leur réputation. [2]

Le format traditionnel des défilés de mode a été complètement révolutionné dans les années 1960, coïncidant avec l'essor du prêt-à-porter et le déclin progressif de la clientèle couture. Aux défilés couture discrets et relativement solennels ont succédé des présentations énergiques dans des lieux insolites, avec des créateurs comme Mary Quant et André Courrèges encouragent leurs modèles à abandonner la formation traditionnelle des podiums pour adopter la fluidité mouvements. [4] Au lieu de satisfaire la presse et les acheteurs avec une aura de luxe et d'exclusivité, les créateurs utilisaient désormais leurs défilés de mode comme un moyen d'embrasser la culture des jeunes et la consommation de masse. Bien sûr, faire sourire et danser des mannequins semble extrêmement apprivoisé par rapport à la façon dont les designers continuent de se surpassent aujourd'hui sur les pistes, mais les années 1960 et 1970 ont aidé à préparer le terrain pour le moderne présentations. Ils ont également été directement influencés par les techniques de marketing avisées des premiers couturiers comme Lucile, qui utilisait souvent la danse et la musique pour montrer comment ses créations pouvaient être portées pour de vrai Activités. [2]

Dans les années 1980, les défilés de mode sont devenus si populaires que Thierry Mugler a pu mettre en scène un défilé colossal spectaculaire en 1984 au Zénith de Paris. Permettant de vendre la moitié des billets au grand public, le spectacle a été présenté à un public de 6 000 personnes. [2] D'autres créateurs ont poussé leurs défilés à des extrêmes similaires, y compris Yves Saint Laurent. En 1998, le créateur français a présenté une collection couture rétrospective après la finale de la Coupe du monde à Paris devant un stade bondé et environ 1 milliard de téléspectateurs.

Au moment où Carrie Bradshaw a été étiquetée « fashion roadkill » en 2001, le terme « catwalk » était devenu largement utilisé en Amérique et synonyme de mode et de glamour, grâce à participation à l'organisation de la Fashion Week de New York à Bryant Park au printemps 1994 et à la naissance du plus grand spectacle du défilé, le Victoria's Secret Fashion Show, en août 1995. Bien sûr, certains des plus grands changements apportés aux podiums au cours des quatre dernières décennies ont été causés par les modèles qui les promènent. Les "mannequins" sobres employés par les salons de couture traditionnels semblent dépassés par rapport aux modèles charismatiques des défilés des années 1970, comme Jerry Hall et Pat Cleveland. Le plus grand moment de la piste de mannequin est peut-être survenu en mars 1991, lorsque Gianni Versace a envoyé Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista et Cindy Crawford sur la piste ensemble en synchronisation labiale de George Michael "Liberté".

Peu de designers ont excellé dans le théâtre de défilés comme le regretté et grand Alexander McQueen, connu pour avoir transformé ses pistes en échiquiers humains et en souffleries à haute puissance. Pour sa collection automne 1998, McQueen a conclu son défilé avec un mannequin masqué vêtu d'une robe rouge sang, entouré d'un anneau de feu représentant Jeanne d'Arc, dont la collection porte le nom. Les présentations de McQueen chevauchaient la frontière entre les défilés de mode et les pièces de performance, déclenchant le débat séculaire sur la question de savoir si les défilés théâtraux devaient être considérés comme de l'art ou du commerce.

Les défilés théâtraux ne manquent certainement pas ces jours-ci, avec étape des performances de l'équipe, carnavals immersifs, et assez de drame Kanye pour conquérir une île. Bien que de nombreux designers aient placé des podiums dans des lieux exotiques et des décors radicaux, Karl Lagerfeld est le peut-être le créateur qui a continué à porter ses défilés à des niveaux qui auraient fait de Mademoiselle Chanel tourner la tête. Au cours des trois dernières années seulement, Lagerfeld a présenté ses collections Chanel dans des ensembles grandioses conçus pour ressembler à brasseries surréalistes, terminaux d'aéroport et supermarchés, brouillant la frontière entre les podiums et la vie quotidienne. Cependant, son véritable tour de force a peut-être été le moment où il a transformé la Grande Muraille de Chine en piste pour Fendi en 2007, embarquant 500 invités VIP pour assister à l'événement monumental (sans jeu de mots).

Bien que de plus en plus de marques de mode semblent abandonner la formule standard des défilés au profit de présentations informelles, il ne semble pas que le puissant défilé disparaisse de sitôt. Même si ces émissions à gros budget ne parviennent pas à vendre de vrais vêtements, elles sont capables de sensibiliser suffisamment la marque pour stimuler les ventes de marchandises rentables, telles que des lunettes de soleil, des sacs et des parfums. Cela étant dit, il est difficile de nier que les podiums possèdent toujours un pouvoir magique qui transforme les vêtements en une mode désirable. Peu importe à quel point ils peuvent sembler dépassés et inutiles, l'attrait des défilés ne peut tout simplement pas être reproduit.

Sources non liées :

[1] Breward, Christophe. Histoire de l'art d'Oxford :Mode. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. "Le Spectacle Enchanté." Théorie de la mode, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendès, Valérie et Amy De La Haye. La mode depuis 1900. Londres: Tamise et Hudson, 2010.
[4] Steele, Valérie (éd.). Encyclopédie du vêtement et de la mode. New York: Charles Scribners & Fils, 2004.

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Photo de la page d'accueil: Dior automne 2014. Dominique Charriau/WireImage

Photo en vedette: Yves Saint Laurent haute couture automne 2001. JEAN-PIERRE MULLER/AFP/Getty Images