In der Thierry Mugler Retrospektive des Montreal Museum of Fine Arts

Thierry Mugler ist kein Designer. "Es gibt bereits einen wichtigen Unterschied zwischen einem Designer und einem Couturier", sagt Nathalie Bondil, Generaldirektorin und Chefkuratorin des Montreal Museum of Fine Arts. "Aber Mugler ist ein Künstler."

Ich für meinen Teil war nie ein großer Fan von Muglers Werk gewesen; Ich persönlich fand die Kleidungsstücke entweder untragbar oder ein bisschen zu grell. Also ging ich zögernd auf "Thierry Mugler: Couturissime", die Ausstellung von Bondils MMFA, zu – aus Neugier und Verpflichtung. Was war so spektakulär an der Show, die könnte ziehen Leute wie Kim Kardashian West und Tyra Banks Ende Februar in ein kaltes, schneebedecktes Montreal?

Die Antwort wurde immer offensichtlicher, als ich durch die Ausstellung ging, die Muglers Arbeit so einrahmt, dass sie mehr als nur Mode umfasst; es präsentiert ihn als wahren Künstler, der sich durch die Erschaffung eines fantastischen, transhumanistischen Universums auszeichnete Gesamtwerk der Kunst - Gesamtkunstwerk.

"Thierry Mugler: Couturissime" wurde kuratiert von Thierry-Maxime Loriot, der sich in kuratorischen Kreisen mit der überaus erfolgreichen Wanderausstellung des Montreal Museum of Fine Arts über Jean-Paul Gaultier einen Namen gemacht hat, das 2011 entstand. Seitdem hat sich Loriot zu einem der weltweit führenden Experten an der Schnittstelle von Mode und Kunst entwickelt und arbeitet unter anderem mit Viktor & Rolf zusammen. Loriot und das MMFA sind so hoch angesehen, wenn es um Modeausstellungen geht, dass Mugler – ein notorischer Privatmann, der im Laufe der Jahre mehrere Ouvertüren aus anderen Museen abgelehnt hat – sich speziell an sie gewandt hat dafür.

Mugler scheint eine weise Entscheidung getroffen zu haben: Gezeigt werden mehr als 150 Looks, produziert über 40 Jahre (von 1977 bis 2014), von denen die meisten erstmals ausgestellt werden. Überall verteilt sind Skizzen von Mugler – wieder viele zuvor ungesehen – neben mehr als 100 Fotografien von Karl Lagerfeld (der Druck kam im Museum an der Tag an dem er starb, erzählte mir Loriot), David LaChapelle, Steven Meisel, Mert und Marcus, Inez und Vinoodh, Ellen von Unwerth, Helmut Newton und Guy Bourdain.

Quantitativ ist es das, was man von einer Museumsausstellung erwarten würde, aber es ist die Qualität der ausgestellten Werke, die heraussticht. Das und die Tatsache, dass die meisten ausgestellten Stücke äußerst selten sind. Mugler war, wie oben erwähnt, zurückhaltend in Bezug auf Exponate und hat nur wenige Interviews gegeben. Bondil sagt häufig, dass "es einfacher ist, einen Picasso persönlich zu sehen als ein Haute-Couture-Kleid", und unter den Haute-Couture-Künstlern ist Muglers Arbeit besonders schwer zu bekommen. Die Druckgraphik der Helmut Newton Foundation ist die erste museale Ausleihe in der Geschichte der Stiftung. Auch Kostüme auf wechselnden dreimonatigen Leihgaben stellen einen außergewöhnlichen Protokollbruch für die Comédie-Française dar, die selten, wenn überhaupt, mit Museen zusammengearbeitet hat. Der Kurator Loriot formulierte es so: "Es ist ein Coup für das Museum" und eine "wahre Weltpremiere".

Diese Exklusivität hat die Ausstellung umso beliebter gemacht. "Die Sicherheit flippt aus", gab Loriot zu, bevor er eine beeindruckende grobe Schätzung von 10.000 Besuchern in den ersten beiden Tagen vorlegte. Die Ausstellung ist bereits für Ende 2019 in der Kunsthal Rotterdam und 2020 in der Kunsthalle Der Hypo-Kulturstiftung in München gebucht; weitere Haltestellen werden angekündigt, wird mir gesagt.

Während die Seltenheit und Exklusivität der Werke ein besonderes Ansehen verleiht, ist das Besondere an der Ausstellung, wie sie die Gesamtheit von Muglers Werk präsentiert – als Kunst und nicht als Mode. "Mugler ist nie Trends gefolgt", bemerkt Loriot und fügt hinzu, dass es "das Mugler-Universum als Ganzes" ist, das interessant zu betrachten ist. Als solche ist die Ausstellung ähnlich einer Oper in Akte unterteilt.

Es beginnt dramatisch in einem dunklen Raum voller Muglers Arbeit für die Adaption der Comédie-Française von 1985 von "La tragédie de Macbeth": sieben Kostüme, ein paar Dutzend Skizzen und ein holographisches Display von Michel Lemieux. Es ist das museale Äquivalent eines kalten Opens. "Man erwartet nicht, mit Shakespeare anzufangen", sagt Loriot, "aber ich wollte nicht mit dem Klischee der 'mächtigen Frauen' beginnen [das so oft mit Muglers Werk in Verbindung gebracht wird]."

Obwohl es vielleicht unerwartet ist, ist es sicherlich effektiv und bietet eine clevere Vorahnung: Muglers Mode ist sehr performativ, von den Silhouetten über die Textilien bis hin zu den Laufstegshows Kampagnen. Es führt uns auch in die Mugler-Silhouette mit fast karikaturhaften Proportionen ein.

Das mündet nahtlos in eine Untersuchung von Muglers einzigartiger Fähigkeit, Mode in Spektakel zu verwandeln – zu Bühne Mode, wie Loriot es ausdrückt. Fotos von Madonna und David Bowie, die seine Kreationen tragen, zieren die Wände, wobei zeitgenössischere Hinweise auf Lady Gaga, Cardi B und Beyoncé überall verstreut sind. Im hinteren Teil der Galerie spielt George Michaels "Too Funky" in einer Schleife. Das berühmte Fahrrad-Outfit "Too Funky" ist (oben) zu sehen, ebenso wie einige der anderen Konfektionsstücke, die schließlich von Künstlern gekauft und zu Bühnenkostümen wurden. Es ist ein Schaufenster von Muglers Starpower - und eine Erklärung dafür, warum er wohl zum charakteristischen Show-stealing-Couturier der 80er und 90er Jahre wurde.

Ebenso wichtig für den Glanz und Glamour war Muglers Fähigkeit, atemberaubende Bilder für seine Kleidung zu kreieren. Eine düstere Galerie ist gefüllt mit Muglers Lebenszeitleiste und mit dramatischen Fotografien, die er für Kampagnen gemacht hat. Es folgt eine helle, weiße Galerie mit Schwarz-Weiß-Fotografien, die von Newton aufgenommen wurden, der Muglers führendes Unternehmen wurde Kollaborateur – es war Newton, der Mugler dazu drängte, mit der Fotografie zu beginnen, frustriert von seinem Wunsch, jeden Aspekt seiner ersten zu kontrollieren schießen. Mugler war akribisch an jedem Aspekt seiner Marke beteiligt, von der Idee bis zur Präsentation, und Diese beiden Galerien bieten einen Einblick in die wichtige Rolle, die die Fotografie bei der Präsentation seiner Kreationen.

In diesem Teil der Ausstellung werden auch Muglers viele außerschulische kreative Bemühungen hervorgehoben. Er war ausgebildeter Tänzer, bevor er Modedesign anfing; es gab die oben erwähnte Fotografie; er entwarf Kostüme für Theaterproduktionen und für den legendären Pariser Club Le Palast; 1985 gab er sein Regiedebüt mit dem Kurzfilm "L'antimentale" und schrieb, produzierte und führte Regie bei Musikclips, Werbespots und anderen Kurzfilmen. Tatsächlich war Muglers multidisziplinäres Genie so groß, dass er 2002 die Mode ganz verließ, um sich auf seine anderen kreativen Aktivitäten zu konzentrieren. Beim Gang durch die Galerie fallen einem Virgil Abloh und Hedi Slimane als zeitgenössische Designer ein, die ähnliche Muster aufweisen.

Loriot zum Beispiel spottet über den Vergleich. "Niemand hat [wirklich] getan, was Mugler getan hat", sagt er. "Er war der Erste, der seine eigenen Kampagnen drehte. Er war ein Pionier [wenn es darum geht, ein Universalgelehrter zu sein.]" es Abloh oder Slimane, sind multidisziplinär, weil es trendy ist, während "Mugler [dah], weil er ein Kontroller war" Freak."

Wenn sich der erste Teil der Ausstellung auf Muglers List konzentriert, ein fesselndes Universum für seine Kleidung zu schaffen – und zu kuratieren bis ins letzte Detail — dann konzentriert sich der letzte Teil auf die Beziehung zwischen Kleidung und dem menschlichen Körper in Muglers Welt.

Die erste Galerie am Ende der Ausstellung ist zweigeteilt, in Schwarz und Weiß unterteilt, mit Juwelenmobilen, die von der Decke hängen. Zu sehen sind einige der bemerkenswertesten "Glamazon"-Looks von Mugler. Die entschieden Muglerschen prallen Schultern und die winzigen Taillenkorsetts sind für jede Untersuchung von Muglers Werk von entscheidender Bedeutung. Dennoch bringt Loriots Kuration eine neue Dimension in den Vordergrund: Die ausgestellten Stücke sind überwiegend schwarz und bestehen aus Latex, Spitze und PVC – Weiblichkeit mit einer Prise Domina und Bondage.

Die Ausstellung schließt mit zwei Galerien zum Thema Transhumanismus. Akt V ist Muglers Arbeit mit Insekten und Tieren gewidmet, wobei besonderes Augenmerk auf seine Arbeit gelegt wird Frühjahr/Sommer 1989 „Les Atlantes“, Frühjahr/Sommer 1997 „Les Insectes“ und Herbst/Winter 1997-1998 „La Chimère"-Kollektionen. Einige der beeindruckendsten Werke sind in diesem Teil der Ausstellung zu finden – aber sie sind auch einige der am wenigsten tragbaren. Die Vorliebe des Designers für das Phantastische – was Loriot verständlicherweise für die breite Öffentlichkeit betont hat – kann tatsächlich von einigen der technisch fortgeschritteneren Stücke ablenken, die diejenigen aus der Mode verzaubern Welt. Ein typisches Beispiel: ein fast surreal zarter Blouson aus Bindfaden aus Muglers Frühjahr/Sommer 1999 "Les Tranchés"-Kollektion. Loriot und ich hielten dieses Stück beide für das atemberaubendste in der Ausstellung, aber es verliert sich etwas in der immersiven Galerie, die von der Oscar- und Emmy-prämierten Spezialeffektfirma RodeoFX entworfen wurde.

Last but not least konzentriert sich Akt VI auf Muglers Besessenheit von der Kleidung der Zukunft, die von seiner Frühjahr/Sommer-Kollektion 1979 „Sirène Galactique“ bis zu seiner Arbeit an „The Wyld“ im Jahr 2014 reicht. Herausragend ist sein Herbst/Winter 1995 Metall- und PVC-Maschinenmenschenoutfit – mit dem Ausstellungsruf es ist sein Meisterwerk — ebenso wie sein Vorgänger aus dem Frühjahr/Sommer 1991 "Diana Ross, Superstar" Sammlung.

Die transhumanistischen Themen, die Roboter, Insekten und Tiere "sind die spektakulärsten Stücke", so Loriot. Tatsächlich argumentiert er, dass es in Modekreisen eine unausgesprochene Vereinbarung gibt, dass niemand diese drei Themen jemals berühren sollte, weil Mugler sie so perfekt eingefangen hat. "Sie noch einmal zu besuchen, wäre ein Verbrechen", sagt er.

Mit einer so spektakulären Präsentation zu enden, war für Loriot wichtig, dessen größte Herausforderung im digitalen Zeitalter darin besteht, die Menschen dazu zu bringen, die Ausstellungen tatsächlich zu besuchen. Zutiefst persönlich war es auch für den Kurator und für Phillip Fürhofer, der für die Gestaltung der letzten Galerie verantwortlich war; beide haben sich in relativ jungen Jahren mit Herzproblemen befasst. Loriot vertraute an, dass „es therapeutisch für zwei junge Männer war, die Herzprobleme hatten – man überlebt kein Herz Probleme in meinem Alter – gemeinsam an dieser Vision zu arbeiten, wie der Körper von Technologie abhängig sein und sein könnte wunderschönen."

Diese Idee – den Körper durch Kleidung und Technologie zu verschönern – ist der Kern dessen, was "Thierry Mugler: Couturissime" hervorhebt. Die Ausstellung widerspricht nicht dem Argument, dass Muglers Entwürfe für den Durchschnittsmenschen untragbar sind. Sie sind aufwendig aus Materialien (wie PVC, Gummi oder Garn) gefertigt, die zu dieser Zeit in der Couture-Welt noch nie verwendet wurden. Es ist ein Werk von atemberaubender, beeindruckender Schönheit – vor allem, wenn man sich genauer ansieht, was Mugler erreicht hat.

Stars, Zeitschriften und die weltweit führenden Fotografen werden weiterhin von Muglers Arbeit angezogen. Die oben genannten Maschinenmensch Looks wurden zwei Jahrzehnte nach ihrer Entstehung in den letzten Strecken vorgestellt. „Ich kenne keine Stücke in der Modegeschichte, die noch fotografiert werden wie Muglers Roboter“, sagt Loriot, „jeder hat sie fotografiert. Jeder hat sie getragen." Kim Kardashian West, Cardi B, Lady Gaga, Céline Dion und Beyoncé haben Mugler getragen, egal ob Vintage oder speziell für sie angefertigt. Tatsächlich hat man beim Gang durch die Ausstellung das Gefühl, dass Mugler noch nie so aktuell war.

Vieles davon ist der Tatsache geschuldet, dass zeitgenössische Designer dazu neigen, die Risiken, die Mugler eingegangen ist, zu meiden. „Mugler, [Jean-Paul] Gaultier und Rei Kawakubo gehören zu einer Kategorie von Schöpfern, die es nicht gibt mehr", erzählt Loriot mir, "[sie] gehörten zu einer Kategorie, die Dinge erfand und versuchten Dinge."

Würden die Geschäftsleute, die heute Marken führen, Muglers Ideen zustimmen? Wahrscheinlich nicht. "Muglers Ausstieg aus der Mode war stark an die sich ändernde wirtschaftliche Landschaft der Branche gebunden", erklärte Bondil. Als Mugler Anfang der 2000er Jahre zurücktrat, gründeten große Konzerne wie die Gucci Group (jetzt Kering) oder LVMH übten immer mehr Macht aus und legten mehr Wert auf Rentabilität als auf reine Kreativität. Mugler ist in vielerlei Hinsicht das Gegenteil von konsumorientierter Fast Fashion. Er war ein Künstler, der Mode als Medium nutzte.

Das ist nicht zuletzt die durchschlagende Botschaft, die man am Ende von "Thierry Mugler: Couturissime" hinterlässt: Mugler war kein Designer und war auch nicht wie andere Couturiers.

"Pierre Bergé [Yves Saint-Laurents langjähriger Geschäftspartner] sagte mir einmal, er wisse nicht, ob Couture eine Kunstform sei." erzählt Bondil, der MMFA-Direktor, "aber er wusste, dass es einen Künstler brauchte, um Couture zu machen." Und Mugler war definitiv ein Künstler.

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