Durch die Ausarbeitung eines einzigartigen "by queer/for queer"-Modells konnten sie ein profitables und nachhaltiges Ökosystem schaffen, das vor einem Jahrzehnt in dieser Größenordnung noch nicht existierte.
„Es geht nicht nur darum, dass wir in der Kleidung großartig aussehen – das ist nur ein Teil der langen Reise dorthin“, verkündete Alaska Thunderfuck in der neuesten Folge von „Rennjäger," ein "RuPaul's Drag Race"-Recap-Podcast, der von Thunderfuck und seinem "Drag Race"-Alaun Willam gehostet wird. „Es ist wichtig, unseren talentierten Freunden Anerkennung zu zollen, die diese Kleidungsstücke herstellen, und das ist ihr Ausdruck. Es ist auch ihre Sache."
"Sie sind genauso Künstler wie wir", fügte Willam hinzu, und es stimmt. In den zehn Jahren, seit "RuPaul's Drag Race" 2009 erstmals im Logo-Netzwerk uraufgeführt wurde, hat sich eine Heimindustrie mit angrenzenden Geschäften in Bewegung gesetzt, von Perücken über Polster bis hin zu BoobsForQueens™. Aber vielleicht hat keine Branche mehr vom Blockbuster-Erfolg von „Drag Race“ profitiert als die Mode – insbesondere eine Reihe von queeren Designern, die geschnitzt haben ein einzigartiges "by queer/for queer" Geschäftsmodell heraus, das ein profitables und nachhaltiges Ökosystem geschaffen hat, das vor einem Jahrzehnt noch nicht annähernd so existierte Skala.
„Drag ist in erster Linie eine visuelle Kunst, denn wenn jemand die Bühne betritt, ist das, was er trägt, der erste Eindruck“, sagt Willam Fashionista kürzlich in einem Folgeinterview. „Mein Widerstand ist ein bisschen wie meine Rüstung. Ich setze so viel Glanz und Detail wie möglich auf, um die Aufmerksamkeit auf mich zu lenken. Das Aussehen ist manchmal die einzige Sache, die Sie in Bezug auf den Widerstand steuern können. Es gibt so viele Variablen bei Gigs und Jobs, die kommen, um in etwas zu arbeiten, das Sie zu wissen, dass es richtig aussieht, ist der erste Schritt, wenn ich eine Show mache, denn du weißt schon Dies wird das Publikum ohne auch nur ein Wort aufsteigen lassen. Diese Designer verstehen das."
Für den in Peru geborenen Designer Diego Montoya veränderte die Wirkung der Show buchstäblich den Verlauf seines Lebens. von Wartetischen in Murray Hill zum Besitz und Betrieb eines eigenen Vollzeit-Designstudios mit einem Team von sechs. Alles begann, als die Gewinnerin der neunten Staffel, Sasha Velor, während des Finales der zehnten Staffel der Show eine seiner maßgeschneiderten Kreationen trug, in der Velour ihre Krone und ihr Zepter an die neu gesalbte Königin Aquaria übergab. Die aussehen, ein Airbrush-Catsuit mit Silikon-Brustprothese und vielen Verzierungsschichten – basierte auf der Geschichte von Lilith – „wie von einem Außerirdischen gespielt, aber mach es zur Mode“, erinnert sich Montoya.
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Danach klingelte das Telefon für maßgeschneiderte Kleidungsstücke, die bis zu 10.000 US-Dollar pro Stück kosten können. Neben Velour, mit dem er weiterhin zusammenarbeitet, hat er für eine Reihe von Alumni der Show entworfen, einschließlich All Stars 4 Gewinner Monét X Change, Staffel fünf Gewinner Jinkx Monsoon und Staffel acht Gewinner Bob the Königin ziehen. Er stattete Alaun Shangela sogar mit einem eisigen lila Meerjungfrauenkleid mit drapierten Details und asymmetrischen Goldperlen aus, als sie bei der 2019 auftrat Emmy-Auszeichnungen roten Teppich, um ihre Arbeit in "Ein Star ist geboren." "Es war eine große berufliche Veränderung für mich", sagt er. "Ich habe jetzt genug Arbeit, um ein Team einstellen zu können und ein Vollzeitstudio zu haben. Das schien vor ein paar Jahren nicht möglich zu sein."
Dann gibt es da noch Dallas Coulter, ein gebürtiger Rochester, NY, der derzeit in San Francisco lebt und anfing, Kleidung zu entwerfen Vor über zwei Jahrzehnten, als sie "in den 90ern ein Clubkind war und es nirgendwo lustige Klamotten gab", erzählt sie Fashionista. Heute ist sie eine der gefragtesten Designerinnen unter den hochkarätigen Queens, von denen viele Hunderttausende (wenn nicht sogar über eine Million) auf Instagram haben. "Ohne die Show und die Queens, die dabei waren, wäre ich heute nicht da, wo ich bin, also ist das definitiv ein direkter Zusammenhang für mich", sagt sie. Es ist ein Gefühl, das die Königinnen selbst erwidern. "Viele der Puppen scherzen regelmäßig wie 'Es ist Dallas Coulter präsentiert All Stars 2 und 3', weil es so viele Dallas Coulter-Looks gab", sagt Willam.
Trixie Mattel in einem Kleid von Dallas Coulter. Foto: Jim Spellman/WireImage
Coulter hat für über die Hälfte der Puppen entworfen, wie sie umgangssprachlich oft genannt werden, einschließlich der regulären Richterin Michelle Visage. "Ich habe einen Ordner mit allen Maßen der Mädchen darin und ich schätze darin etwa 120", sagt sie. "Es gibt jedoch viel Platz für mehr, und je größer die Show und der Widerstand im Allgemeinen werden, desto mehr Möglichkeiten haben auch andere Leute, erfolgreich zu sein, also bin ich ganz dafür."
Die Designerin fügt hinzu, dass es ihrem Geschäft aus einem offensichtlichen Grund geholfen hat: Sichtbarkeit. Aber dafür macht sie es nicht. "So toll es auch ist, meine Arbeit im Fernsehen zu sehen, es ist mir viel wichtiger, sicherzustellen, dass die Königinnen glücklich sind, Fristen eingehalten werden und die Mädchen sich fühlen und sehen toll aus, damit sie die beste Show abliefern können, die sie können. Wenn ich arbeite, denke ich nicht: ‚Oh, ich kann es kaum erwarten, das im Fernsehen oder online zu sehen‘, sondern ich konzentriere mich eher darauf, es zu ermöglichen. Es im Fernsehen zu sehen, ist nur ein zusätzlicher Vorteil."
Dabei hilft nicht nur das Sehen im Fernsehen: Social Media spielt eine entscheidende Rolle bei der Verbreitung dieser Kleidungsstücke. "Ich bekomme eine ganze Reihe von Leuten, die mir sagen, dass Ajas Eingangsblick war, als sie BCALLA entdeckten, aber ich meine Arbeiten waren noch nicht so oft in der Serie zu sehen", erinnert sich Brad Callahan, der seine Arbeit startete Marke BCALLA in 2012. „Ich würde sagen, dass soziale Medien zu meinem Erfolg mehr beigetragen haben [als „Drag Race“], was ein Nebeneffekt der Zusammenarbeit mit denen ist, die tatsächlich an der Show teilnehmen.“
Callahan ist eine weitere Anlaufstelle für die Ru-Mädchen, darunter Milk, Pearl, Violet, Aja, Aquaria, Kim Chi, Katya, Gia Gunn, Laganja Estranja und The Vixen – um nur zehn zu nennen. Den Erfolg der Show schreibt er der Schaffung einer kleinen Wirtschaft zu, die er für Künstler wie ihn selbst bezeichnet. da Drag weiterhin gegenkulturell bleibt, können der Kunde und der Künstler eine direktere Beziehung. "Es gibt keinen Stylisten, Art Director oder Plattenlabel, die ihre Meinung oder bürokratischen Aufwand vertreten, also ermöglicht es viel mehr Freiheit und Respekt", erklärt er.
Diese Personen und ihre Teams sind vor allem dafür verantwortlich, den Glam-Faktor innerhalb der Kunstform, wie sie im Jahr 2019 existiert, zu erhöhen. "Drag, wie wir es heute kennen, würde ganz anders aussehen, wenn es nicht talentierte Handwerker wie Dallas Coulter, Brad von BCALLA, Diego Montayo, Marco Marco, Howie B, Ashton Michael, Perry Meek und mehr", sagt Willam und unterstreicht die Bedeutung der Anerkennung von künstlerischen Beiträgen und Künstlern. "Wer war der erste Emmy-Gewinner aus dem 'RuPaul's Drag Race'-Franchise, bevor RuPaul ihren 2017 gewann? Zaldy, ihre Kostümbildnerin im Jahr 2016. Mikrofon-Drop. KUNST!'"
Foto der Homepage: Mario Tama/Getty Images
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