Fashion History Lesson: Evolution of Runway Shows

Velkommen til Modehistorie lektion, hvor vi dykker dybt ned i oprindelsen og udviklingen af ​​modeindustriens mest indflydelsesrige og allestedsnærværende virksomheder, ikoner, tendenser og mere.

Engang i en verden uden iPhones eller Kardashians var modeshows intet mere end små marketingkøretøjer, der plejede at lokke velhavende kunder til at købe en couturiers nyeste designs. I dag er formålet med at holde modeshows med et højt budget lidt mindre klart: Er det til fortjeneste? Er det til kunst? Er det til sociale medier? Skal det viste tøj sælges i det øjeblik det rammer landingsbanen, som Burberrys vilje mandag eller seks måneder senere? Men en ting er sikkert: modedesignere har altid været opsat på at sløre reklamen intentioner med modeshows med blændende teatre og glamourøse omgivelser, som ser ud til at blive mere ekstravagant (og Instagrammable) hver sæson.

I et forsøg på bedre at forstå modens mangeårige kærlighedsaffære med landingsbanen, har vi besluttet det tag et hurtigt kig tilbage på, hvordan catwalks udviklede sig til de sociale mediebriller, som vi kender dem som i dag.

I slutningen af ​​1800'erne og begyndelsen af ​​1900'erne ansatte forretningskyndige designere kvinder til at bære deres designs rundt promenader omkring racerbaner, som tillod dem at blive bemærket, efterlignet, fotograferet og rapporteret om af Medierne. Omkring begyndelsen af ​​det 20. århundrede, mange high-end modedesignere ansat interne modeller eller "mannequiner" til at vise deres nyeste designs til deres elite klientel. Disse private, uformelle shows inkluderede typisk modeller, der løbende gik rundt, mens små grupper af kunder nippede te og nappede i kanapeer. Imidlertid blev planlagte modeshows eller "modeparader" i 1908-1910 stadig mere populære begivenheder. Disse første salon-hostede shows varede så længe som tre timer og blev ofte gentaget hver dag i løbet af flere uger. [2]

Selvom der sandsynligvis ikke er en enkelt designer, der fortjener æren for at starte de sæsonbetonede og mediedrevne modepræsentationer, der førte til det, vi har i dag var couturierne Paul Poiret og Lucile (Lady Duff-Gordon) begge kendt for at bruge en række smarte taktikker til at tiltrække en jævn strøm af modeshow deltagere. Ved at sende invitationer til sit værdsatte kundekreds gjorde Lucile forretningen med at købe tøj til en bemærkelsesværdig social begivenhed. [2] På det tidspunkt fremhævede de fleste modeshows modeller, der blev introduceret med et nummer, der korrelerede med det modedesign, de havde på, og hjalp kunderne med at holde styr på, hvad de skulle købe. Lucile beskrev hendes designs som "følelseskjoler" og introducerede dem med navne som "Love in a Mist" for at få hendes tøj til at virke mindre som varer og mere som håndgribelige fantasier. [3] Poiret er bedst kendt for at fremkalde mere ekstreme måder at promovere sine seneste samlinger. Ved at være vært for spektakulære kostumefester som sin legendariske "Thousand and Second Night" -sirée, forvandlede designeren hele spillesteder til interaktive catwalks. [1]

I 1918 på grund af en stigende mængde udenlandske købere, der kom til Europa for at se de nyeste stilarter, couturehuse begyndte at holde deres modeshows på faste datoer, to gange om året, og dannede grundlaget for det, vi kalder "modeuge" i dag. [2] Det første organiserede couture -show forsøgte at regulere gæster stærkt med det formål at opretholde en luft af eksklusivitet for deres kunder, mens de også forsøger at begrænse den uundgåelige pest om designpirateri af udenlandsk påklædning producenter. I hele 1910'erne blev det også mere og mere populært for amerikanske stormagasiner at være vært for deres egne modeparader og velgørende formål modeshows, som ville blive endnu mere almindelige, når europæiske couture -saloner blev tvunget til midlertidigt at lukke deres døre under 2. verdenskrig.

På det tidspunkt debuterede Christian Dior sin banebrydende corolle samling (alias "The New Look") i 1947, var modeshows blevet seriøse og publicerede begivenheder, der var vært i enten designersaloner eller små spillesteder som hoteller. Stenmodeller, der praktiserede signaturstiver, erstattede fortidens uformelle model "walkabouts". Siddende publikum blev proppet ind i lokaler med store journalister på de forreste rækker, og detailkøbere og potentielle kunder spredte sig overalt. [2]

Typisk var det mere end en time, stemningen i disse lange shows havde en tendens til at være stille, bortset fra lyden af ​​stof, der swooshing og ensemble numre eller navne blev læst op. Nogle saloner havde permanente t-formede eller halvcirkelformede landingsbaner bygget for at forbedre deres præsentationer, selvom modeller ofte måtte lave deres langt ned ad trapper og gennem tætsluttende lokaler, der lejlighedsvis vælter askebæger og champagneglas med deres omfangsrige nederdele. I midten af ​​1950'erne havde mange high-end stormagasiner på begge sider af dammen vedtaget regelmæssige landingsbaneshows som en måde at hæve deres ry. [2]

Det traditionelle modeshow-format blev fuldstændig revolutioneret i 1960'erne, hvilket faldt sammen med stigningen i ready-to-wear og det gradvise fald i couture-kunder. De diskrete og relativt højtidelige couture -fremvisninger blev erstattet af energiske præsentationer på usædvanlige steder, med designere som Mary Quant og André Courrèges opfordrer deres modeller til at opgive den traditionelle catwalkformation for at omfavne fritflydende bevægelser. [4] I stedet for at henvende sig til pressen og købere med en aura af luksus og eksklusivitet, brugte designere nu deres modeshows som en måde at omfavne ungdomskultur og masseforbrugerisme. Selvfølgelig virker det ekstremt tamt at have modeller til at smile og danse i forhold til den måde designere fortsætter med out-stunt hinanden på landingsbanerne i dag, men 1960'erne og 1970'erne var med til at sætte scenen for det moderne præsentationer. De blev også direkte påvirket af de kyndige marketingteknikker fra tidlige couturiers som Lucile, der ofte brugte dans og musik som en måde at vise, hvordan hendes designs kunne bæres i virkeligheden aktiviteter. [2]

I 1980'erne var modeshows blevet så enormt populære, at Thierry Mugler var i stand til at iscenesætte en kolossal catwalk spektakulær i 1984 på Zénith stadion i Paris. At tillade halvdelen af ​​billetterne at blive solgt til det åbne publikum, blev showet præsenteret for et publikum på 6.000 mennesker. [2] Andre designere har taget deres catwalk -shows til lignende ekstremer, herunder Yves Saint Laurent. I 1998 blev den franske designer præsenterede en retrospektiv couture -samling efter VM -finalen i Paris foran et fyldt stadion og anslået 1 milliard tv -tilskuere.

Da Carrie Bradshaw blev mærket "mode roadkill" i 2001, var udtrykket "catwalk" blevet meget udbredt i Amerika og synonymt med mode og glamour, takket være del til organisationen af ​​New York Fashion Week i Bryant Park i foråret 1994 og fødslen af ​​landingsbanens største skuespil, Victoria's Secret Fashion Show, i august 1995. Nogle af de største ændringer på catwalks i løbet af de sidste fire årtier er naturligvis forårsaget af de modeller, der går dem. De dæmpede "mannequiner", der anvendes af traditionelle couture -saloner, forekommer forældede i sammenligning med de karismatiske landingsbanemodeller fra 1970'erne, som Jerry Hall og Pat Cleveland. Måske kom det største modelbanemoment i marts 1991, da Gianni Versace sendte Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista og Cindy Crawford ned ad landingsbanen sammen læbesynkroniserede George Michael's "Frihed".

Få designere har udmærket sig i catwalk-teatre som den afdøde og store Alexander McQueen, der er kendt for at gøre sine landingsbaner til menneskelige skakbrætter og kraftfulde vindtunneler. Til sin efterårssamling 1998 afsluttede McQueen sit show med en maskeret model i en blodrød kjole, omgivet af en ildring, der betegner Joan of Arc, som samlingen blev opkaldt efter. McQueens præsentationer gik på grænsen mellem modeshows og performancestykker og udløste den ældgamle debat om, hvorvidt teaterbaneshows skulle betragtes som kunst eller handel.

Der mangler bestemt ikke teatralske landingsbaneshows i disse dage, med trinholds præstationer, fordybende karneval, og nok Kanye -drama til at overtage en ø. Selvom mange designere har placeret catwalks på eksotiske steder og radikale omgivelser, er Karl Lagerfeld den måske designeren, der har fortsat med at tage sine landingsbaneshows til niveauer, der ville have gjort Mademoiselle Chanel hoved spin. Alene i de sidste tre år har Lagerfeld vist sine Chanel -kollektioner i storslåede sæt designet til at ligne surrealistiske brasserier, lufthavnsterminaler og supermarkeder, slører grænsen mellem catwalk og hverdag. Imidlertid kan hans sande tour de force have været den tid, hvor han gjorde den kinesiske mur til en landingsbane for Fendi i 2007, flyver ind 500 VIP -gæster for at være vidne til den monumentale begivenhed (uden ordspil).

Selvom flere og flere modemærker ser ud til at droppe standardbanens showformel til fordel for uformelle præsentationer, ser det ikke ud til, at den mægtige catwalk snart vil forsvinde. Selvom disse højbudgetteshows ikke formår at sælge egentligt tøj, er de i stand til at øge nok mærkebevidsthed til at stimulere salget i rentable varer, såsom solbriller, tasker og parfume. Når det er sagt, er det svært at benægte, at catwalks stadig besidder en magisk kraft, der forvandler tøj til ønskelig måde. Uanset hvor forældede og unødvendige de måtte se ud, kan allure af landingsbaneshows simpelthen ikke replikeres.

Kilder, der ikke er knyttet:

[1] Breward, Christopher. Oxford Kunsthistorie:Mode. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. "Den fortryllede skuespil." Mode teori, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie og Amy De La Haye. Mode siden 1900. London: Thames & Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (red.). Encyclopedia of Clothing og Fashion. New York: Charles Scribners & Sons, 2004.

Vil du først have de seneste modeindustrienyheder? Tilmeld dig vores daglige nyhedsbrev.

Hjemmeside foto: Dior efterår 2014. Dominique Charriau/WireImage

Udvalgt billede: Yves Saint Laurent efterår 2001 haute couture. JEAN-PIERRE MULLER/AFP/Getty Images