Modeundervisning och kreativitetens privilegium

För många, högre utbildning för kreativa karriärer är guldbiljetten för att fly från konservativa barndomsstäder och hitta din kreativa röst. Du placeras i klassrummen bland likasinnade kamrater som alla är sugna på att visa sin fantasi. Du lär dig språket i din disciplin och utvecklar ditt hantverk. Längs vägen harmoniseras orden och verket, och du ser din röst manifesteras i ditt medium, vare sig det är i färg, film eller, i mitt fall, mode.

2007 års nummer av American Vogue var min första inblick i en värld utanför min "Friday Night Lights" stad. Redaktionen för Sienna Miller i fjädrade klänningar som vandrade runt i Rom på semestern var övertygande bilder för att inspirera en gay, svart, blandras barn från Copperas Cove, Texas till en transplantationsmodedesigner i New York City under ett decennium senare. Innan dess var mitt koncept om mode - än mindre tanken på att människor tillverkade kläder - ett helt outforskat område av min kreativitet.

På frågan "Vad vill du gå på college för?" på gymnasiet var min önskan att studera mode träffade med det skrattande skrattet och ett avvisande, "Lycka till med det" från min vita världshistoria lärare. Ett decennium senare skulle jag höra Jeffrey Banks på modeveckans första dag i Phillip Lims butik i Soho som delar en liknande historia: en svart lärare som är skeptisk till sin strävan och utropar: "Vem har någonsin hört talas om ett svart sätt designer?"

Jag tog min Master of Fine Arts in Fashion Design från Savannah College of Art and Design (SCAD) år 2016. Jag var naiv att tro på livet i Savannah, Georgien - och en acceptans för denna del av "Ivy League" designutbildning - skulle vara som att växa upp i Texas.

Savannah är en hamnstad med vattnet i det historiska distriktet längs floden. Det är lika visuellt idylliskt som det skildras i John Berendts roman 1994, "Midnight in the Garden of Good and Evil": Spansk mossa hänger från träd som illustrerar varje lat bris i sitt ljumma klimat under dagen och en spöklik, spindelaktig miljö lika sur som dess historia vid natt.

Men när du är en svart student i Savannah är din levda erfarenhet i strid med din utbildning.

På din väg till campusbiblioteket på Broughton Street går du genom torg efter torg, var och en påminnelse om stadens Atlantic Slave Trade -historia. Du påminns dagligen om privilegiet och betydelsen av din möjlighet att få tillgång till resurser som är svåra att hitta utanför NYC's Parsons and FIT eller London's College of Fashion när du går förbi statliga statyer och platser som fortfarande heter Runaway Negro Bäck.

Vikten av min gyllene biljett blev tyngre när jag gick valbara kurser utanför Historic District - på "den andra sidan av spåren " - vid Gulfstream Center for Industrial Design och Montgomery (Monty) Hall för Animering. Där konfronterades jag med Savannas ekonomiska segregering, där svarta människor utgör mer än hälften av invånarna men bara cirka 11% av dess markeringsdesignskolans studentkår. Av cirka 45 lediga platser i SCAD: s MFA -program för modedesign var jag en av tre svarta studenter under mina tre år.

Som krävs för de flesta modeutbildningsprogrammen genomförde jag en praktik på NYC: s Seventh Avenue, inne i samma byggnad som rymmer märken som Ralph Lauren, Donna Karan och Badgley Mischka. Unikt för min praktik var jag med i juldräktfesten där de anställda placerades i lag av olika musikgenrer. "Hip-hop" -laget tryckte ut ansikten på svarta rappare och fäst dem på pinnar som hölls upp mot deras ansikten och fullbordade sina kostymer och tog på sig överdimensionerade träningsdräkter och guldkedjor.

Dessa problematiska berättelser fortsätter i anekdoter som jag samlat in från dussintals tidigare klasskamrater och nuvarande kollegor: första intervjuer hälsade med, "Åh, du är svart", portföljer som misstänks för plagiat, är förvirrade för assistenten, kastas under bussen som en bekräftande handling syndabock. Några deltog i avdelningsmöten där deras närvaro skulle bli okänd trots att det krävdes, deras input ignorerades även när det skulle direkt påverka deras arbete. Det är en repertoar av respektlöshet både avsiktligt och okunnigt, men det sker alltid frånvetet.

I en intern panel för mångfald och inkludering deltog jag med Fashion For All Foundation på ett stort modemärkes huvudkontor förra året frågade jag HR -moderatorn vad företag kan göra för att påverka intern förändring om de anställer kandidater från ett partiskt utbildningssystem. Hon berättade för mig att skillnaden "är en del av resan".

När jag avslutade min college -praktik 2015, Matthew Ajibade, en student, var brutalt mördad av Savannah -polisen. Under en bipolär episod och utan medicin, uppmanad av sin flickvän att tas när han var arresterad, polisen återhållit honom till en fängelse cellstol och slog honom ihjäl och taserade hans genitalier. Vid utredning, nio poliser fick sparken i samband med Ajibades död.

Trots campussäkerhetens förhållande till lokal brottsbekämpning (som jag blev bekant med som anställd Graduate Mentor), gjorde SCAD inte tillräckligt för att försäkra eleverna att de inte behöver vara rädda för sina säkerhet. Även om designskolor lockar internationell inskrivning och ger inkluderande semestertillkännagivande och budgeterade fester för sina olika studentgrupper, så vitt jag vet finns det inga initiativ som hanterar Amerikas förtryckshistoria, eller som försöker stödja svarta studenters fysiska och mentala säkerhet när det gäller deras ultimata framgång och kvalitet i liv.

Eftersom du är svart i modebranschen, befinner du dig i två världar: Den ena är livet som en svart amerikan, dess nyktra verklighet spelar ut i media; den andra är i skolan och på jobbet, där den sociala valutan med etiketter och stamtavlor är kung, och att erkänna psykisk hälsa är olämpligt och oprofessionellt.

Kimberly Jenkins, som blev landets enda mode- och raspedagog medan han var på Parsons (hon är nu vid Kanadas Ryerson University), säger "det är en liten pool av svarta överlevande från modeutbildningssystemet som kanske inte har samma resurser eller Rolodex som sina vita kamrater "som klarar det stora havet mode.

Med tre gånger så många akademiker än lediga jobb är karriärmöjligheterna-särskilt i kölvattnet av Covid-19-knappa. Förutsättningen för att arbeta i mode är det ekonomiska handikappet för att simma i tävlingsmässiga, nepotistiska vatten som gör att många riskerar allt utan livräddare. Entreprenörskap är oundvikligt.

Jag har registrerat mig, deltagit, undervisat och undervisat i klassrum på SCAD, på en ideell organisation med huvudkontor i Parsons och på The Art Institute of Dallas. Jag har deltagit i, presenterat och bevittnat kritiken, det kritiska ögonblick där varje elevs undervisning testas. Dessa dialoger om design definieras i kursplaner som "konstruktiva": Du står ensam för dina kamrater och uttrycker ditt tänkande bakom verket och mäter dess mottagande. I dessa ögonblick har modepedagoger en plikt att bryta all potential och motivera designmognad. Men ibland blir utbytet ett dödläge för studenten.

Jag fick veta att min avhandling, som innehöll handbroderade och pärlstavade kartliknande galler inspirerade av gentrifiering och gerrymandering, var "för arg". Jag fick höra det eftersom fakulteten var "osäker på vad som kommer att komma ur [min] mun", skulle jag inte placeras framför kraftfullt anslutna branschgäster som andra studenter som vann internationella tävlingar.

Modeundervisning bör inte mildra de svarta livserfarenheterna som inspirerar dess skildring i studentarbete och sedan försöka kontrollera berättelsen. Dessa kläder håller våra hemligheter, läker vår smärta och berättar våra historier med våra röster-en form av katars på vägen till självaktualisering. Och är inte självförverkligande högre utbildning kärnvärde i en elevs liv?

Vi får höra "nej" i och utanför skolan. Vi ignoreras medan vi ser våra vita motsvarigheter ta, göra och göra sig av med aspekter av vår kultur, ibland med skamlösa, kränkande bilder. Vad är det med svart kreativitet som föranleder kritisk granskning av lärare och utesluter det från det robusta arkivet för europeisk och asiatisk fantasi i modeprogram?

relaterade artiklar
Hur kan rasism hanteras i modeskolor?
Kimberly Jenkins vill hjälpa till att avkolonisera vår förståelse av mode
Tanya Taylor har ett budskap till småföretagare: Gör, tänk inte

Amerikanskt mode har ett unikt förflutet, till skillnad från alla andra, som är ett legitimt mått på jämlikheten som utlovas i detta land. Dialogen om vad vi bär och vad den säger om vilka vi är är alltid mer spännande och givande ju fler röster vi involverar. På detta sätt liknar mode andra samtal i samhället.

När vi pratar om privilegier i mode, pratar vi verkligen om möjligheter. Även om det kan finnas för alla, är frekvensen av den möjligheten där skillnaderna ligger. Avsaknaden av mångfald är ett bevis på det.

Modeundervisning har makten att sätta agendan för branschen när den utbildar sina framtida ledare. Och den insatsen bör gå utöver praktik och mentorskap för svarta studenter. Vi vill inte förstärka valideringen av ett fåtal utvalda som sedan paraderas runt av branschen - det skulle bara fortsätta att fördärva värdiga skildringar av modekarriärer inklusive mönstertillverkning, textilutveckling, design för funktionshinder, fibervetenskap och andra områden inom växande akademisk forskning inom identitet, hållbarhet och teknik.

I höst får högre utbildning i uppdrag att fortsätta förbereda sina studenter inför framtiden. Det inkluderar framtiden för svart talang, trots utmaningarna som pandemin har skapat. Vi kommer att befinna oss sex meter ifrån varandra, men det kommer att kräva ännu mer ansträngning för att nå över klyftan.

Det finns fortfarande tid att påverka allvarlig kurskorrigering innan klasserna börjar. Det räcker inte att kurera svart konst för campus, anställa adjungerade svarta professorer och ta in svarta industrigäster för att granska arbetet. Dessa är tillfälliga, flyktiga och icke -åtagande som håller systemförändringar ändliga. En sak var tydlig genom att samla in studentberättelser: Skolor måste anställa svarta, kvalificerade professorer och administratörer att påverka meningsfulla, varaktiga förändringar och bygga de mest utvecklade läroplan. De är skyldiga sina elever.

Efter att ha visat i Nice under sina grundutbildningar vid The Art Institute of Dallas, Johnathan Hayden började officiellt sitt varumärke medan han avslutade sina doktorandstudier vid The Savannah College of Art and Design i 2015. Hans arbete har bidragit till att utforska meningsfulla tillämpningar av teknik inom mode, inklusive augmented reality som visas upp på The Metropolitan Museum of Art and Fashion Week i Tokyo. Förutom den kreativa inriktningen för hans damklädmärke inrymt i New York City -plagget Distrikt, Johnathan illustrerar läroböcker och hjälper till i den kreativa riktningen av varumärken och presentationer. Detta arbete har inkluderat prisbelönta lösningar för inkluderande design för funktionshindrade på Open Style Lab och produktion av banor för The Narativ på NY NOW internationella Javits -mässan.

Du hittar Hayden på www.johnathanhayden.com eller @johnathan.hayden på Instagram.

Missa aldrig de senaste modebranschnyheterna. Registrera dig för Fashionistas dagliga nyhetsbrev.