Kimberly Jenkins stör modeutbildningen genom att omfamna mångfald och ta itu med rasdiskriminering

Varför bär vi det vi har på oss, och hur spelar ras en roll i våra klädval?

Detta är bara en av de många utmanande frågor forskaren Kimberly Jenkins ställer sig själv varje dag. Från en ung ålder, Jenkins-som nu arbetar som föreläsare på Parsons School of Design och gästassistent vid Pratt Institute - utvecklat ett intresse för både de sociokulturella och historiska influenserna bakom stil och klädsel, men var inte säker på hur hon skulle slå ihop sina passioner tillsammans. Det var inte förrän hon upptäckte ett MA -program i modestudier på Parsons som hon insåg att det kunde bana sin egen väg i branschen.

Efter examen från programmet 2013 började Jenkins slutligen lära henne "Mode och ras" kurs på Parsons 2016, som snabbt blev en av de mest eftertraktade klasserna på universitet. Sedan dess har Jenkins blivit en framväxande röst och en kulturell pionjär i studiet av mode och identitet, uppmuntrande hennes studenter och kamrater att överväga hur politik, psykologi, ras och kön formar hur vi "formar" vår personliga identiteter. Utöver detta har Jenkins haft fullt upp med att organisera aktuella paneler, tala som gästföreläsare, lansera (och köra) en relaterad onlinedatabas och kurera en ny utställning, kallad "Fashion and Race: Deconstructing Ideas, Reconstructing Identities", som utvecklar många av de teman hon tar upp i sina klasser.

Showen, som äger rum på Parsons från oktober. 27 till nov. 11, visar upp arbetet med elva studenter och alumner och undersöker frågor som "felaktig framställning, uteslutning skönhetsstandarder, bristen på inkludering och systemiskt våld i deras kreativa praktik ", enligt pressmeddelandet.

I kölvattnet av öppningen satte Fashionista sig med Jenkins för att lära sig mer om hennes arbete och hur hon Parsons utställning tar hänsyn till modeindustrins exklusiva förflutna medan de föreslår ett radikalt nytt framtida. Läs vidare för hela konversationen.

När och hur blev du först intresserad av skärningspunkten mellan mode och ras?

Som en färgad person upptäckte jag idén om ras i mycket ung ålder, eftersom det mesta av min levda erfarenhet har formats av det. Som barn blev jag hänförd av fashionabla kvinnor. Mitt intresse för mode utvecklades genom medierepresentation - "Style" på CNN med Elsa Klensch, "House of Style" med Cindy Crawford, som tittar över modetidningar. I åttonde klass skrev jag en rapport om klänningsbeteckningarna för Skinheads; vid gymnasiet hade jag blivit besatt av ras, socialpsykologi och trossystem. På högskolan visste jag inte vad jag skulle ta in eftersom jag inte visste hur jag skulle kunna förena mitt intresse för social och kulturfrågor med "mode" och klädsel - mode stigmatiseras som lättsinnigt och ovärdigt för vetenskapliga undersökning. Jag upptäckte ett examensprogram som heter Fashion Studies vid Parsons School of Design nästan två år efter att jag tog min BA, så jag var uppenbarligen upprymd över att se mina akademiska intressen legitimerade.

Vilka andra faktorer försöker du ta upp i ditt arbete?

Min utforskning och undervisning i mode och ras är faktiskt bara en av de olika aspekterna av mode och självpresentation som jag är fascinerad av. I mina klasser pratar jag med mina elever om allt "mode och" - som "mode och åldrande", "mode och politik", "mode och psykologi", "mode och hållbarhet" och så vidare. Min magisteruppsats handlade om hur vi klär oss och hanterar vårt utseende när vi går igenom en skilsmässa eller ett uppbrott.

Kan du berätta mer om klasserna du undervisar om och hur du utbildar nästa generations modedesigners?

Klasserna jag undervisar går från modehistoria (vad vi bar) till modeteori (varför vi bär det). Jag undervisar också i en forskningsmetodsklass som visar modedesignstudenter hur man kan utöka djupet av sin inspiration. När jag utvecklade min "Fashion and Race" -klass hoppades jag kunna ta med mig något som verkligen behövs i modeskolor: ett mångsidigt och störande perspektiv. Alltför ofta presenteras eleverna för en väldigt västerländsk, och låt oss bara säga det, en mycket vit perspektiv på modehistorien. Jag tror att det är dags att bredda definitionen av mode och också bredda det vi vet om kläder och stil. Visst, vi kan hävda att mode "med stort F" kom från Europa, men vore det inte intressant att lära sig om klädsel från kulturer och regioner utanför Europa som förmedlar lika mycket mening när det gäller stil eller prestige?

Vad uppmuntrar du dina elever att tänka på när det gäller att ta itu med ras och identitet genom mode?

Ett hett ämne som jag vet att jag måste ta upp i min klass är kulturellt anslag. Jag håller med forskaren Minh-Ha Pham om att det är dags att dra tillbaka termen (om du inte är en modelag professionell), men jag tycker fortfarande att det är användbart som en ingång till att prata om stil, ägande och makt delning. Jag tycker inte att det är användbart att säga det Nej man borde någonsin bära allt som inte är infödd i deras identitet eller uppväxt, men jag tror att det måste prata om Vad något betyder och Varför. Paradoxalt nog, när världen har blivit mindre och mer ansluten, har vi på många sätt blivit mer stamliga och isolerade. Vi bygger upp väggar och stoppar öronen och det är vad jag ser hända på ett sätt när det personliga blir politiskt.

Vad är mode- och rasdatabasen? Hur hoppas du att det kommer att öka medvetandet om hur de två ämnena är sammanlänkade?

Målet för The Fashion and Race Database Project är att tillhandahålla en dedikerad plattform med öppen källkod verktyg som tar upp skärningspunkten mellan makt, privilegium, representation och estetik inom mode systemet. Det har varit ett så varmt och stödjande mottagande sedan jag lanserade webbplatsen, som studenter, pedagoger och mode entusiaster har alla kommit överens om att vi behöver diversifiera och avkolonisera sätten vi tänker och pratar om mode, klädsel och stil. För många lärare kommer det att ge värdefulla undervisningsverktyg som hjälper till att hitta de blinda fläckarna i deras arbete.

På senare tid har "aktivism" blivit ett modeord, eftersom fler och fler företag utnyttjar det. Tror du att det fortfarande är relevant eller har det tappat sin mening?

När jag återkommer till det jag sa tidigare om att det personliga var politiskt, tror jag att vår vardagliga klänning och utseende kan förespråka - eller åtminstone helt enkelt uttrycka - hur vi känner och vad vi värdesätter mest om oss själva. Den dagliga självuttryckshandlingen kommunicerar något djupare och på gott och ont kan signalerna som det skickar korsa dem som ser saker annorlunda eller inte respekterar vem vi är.

Allt detta är att säga att klänning är en aktiv vardag för självuttryck och kapitalisera på det demokratisk handling är något som i mitt sinne får styrkan och möjligheterna till självmodande att förlora sin rikedom. Men jag är inte rolig för modeindustrin - jag bär vintage och begagnade, eller jag bär projekt designade av modeexaminerade. Jag har sett en marknad växa fram för modeaktivism och kulturell "vakenhet" som är så självintresserad och oäkta.

Vad hoppas du kunna se mer från modebranschen i framtiden när det gäller att ta itu med sociala frågor genom kläder?

Jag oroar mig för utseende och diskriminering - specifikt är den rasiserade kroppen ett synligt, fysiskt uttryck och i många fall missuppfattning av någons identitet. Detta leder till framträdanden som blir kriminaliserade, utnyttjade, tillägnade och ses som omoderna... ja, tills det går att dra nytta av det. Modeindustrin ses ofta som ytlig, parasitisk, ständigt föränderlig och exklusiv. Det är min förhoppning att när vi navigerar dessa osäkra tider politiskt, kan modeindustrin visa hur det gör bäst - att förnya och inspirera - kan leda vägen mot att visa mer empati i utbildning, design och företag.

Berätta mer om utställningen "Fashion and Race: Deconstructing Ideas, Reconstructing Identities". Vilken typ av verk visas?

Jag har delat utställningen i tre sektioner. Den första är "Deconstructing Ideas, Reconstructing Identities" som har verk från Cecile Mouen, Avery Youngblood (en Beyonce "Formation Scholar") och Joy Douglas som brottas med, undergräver och förhör rasens existens, respektive. Cecile har dessa två stora ramar som var och en visar ett platt plagg med symboler relaterade till biologi och undersökningsdata målade på ytan. Uppgifterna motsvarar den information som erhållits från intervjuer som Cecile genomförde med unga, multiraciala, multinationella kvinnor som brottas med ångesten för utseende och äkthet.

Sedan finns det avsnittet med titeln "The Racialized Body", som konfronterar och räknar med de långvariga, avhumaniserande och reducerande representationerna av svarta kvinnor. Inne i galleriet kan du se modedesignarbetet till Kyemah McEntyre (som blev viral för sin självstyrande balklänning 2015), Katiuscia Gregoire, Carly Heywood och Lashun Costor står alla i samtal med varandra för att visa oss vad som är möjligt för nästa generation av svart kvinna mode formgivare. Vi har också illustrationsarbetet av Jamilla Okubo (vars arbete också har haft ett samarbete med Dior), vars Hår som identitet zine presenterar ett ingripande med retoriken Svarta kvinnor har fått höra om deras hårstruktur och utseende.

Det sista avsnittet, "The Intersection of the Race and the Gaze in Fashion Photography", belyser nästa generations färgfotografer. Det är ett vackert ögonblick för en av fotograferna, Rachel Gibbons, som jag minns henne nämnde i klassen "Mode och ras" att hon inte såg många svarta kvinnofotografer där ute.

Det finns fotograferingens underverk Myles Loftin som redan har haft en hel del synlighet, men hans serie "Hooded", som återkallar "Black boy joy" och bjuder på en känsla av mänsklighet medan den bär den stigmatiserade hoodien, var absolut nödvändigt för detta show. Stevens Añazco avrundar gruppen fint med lyster och öm fotografering som centrerar queer, icke-binära och transfärgade kroppar. Slutligen samarbetade jag med medievetenskaplig examen Jessica Hughee för att filma tre berättelser om hur det är att arbeta inom det kreativa området som en färgad person. Denna berättarkomponent spelar på loop i galleriet och lägger till en verklig röst och omgivande ljud till utställningen. Betraktaren lämnar inte utrymmet utan att bli berörd av den extra sensoriska upplevelsen.

Vad hoppas du att tittarna kommer att ta med sig från att se utställningen?

Det är min förhoppning att de som har känt sig marginaliserade i modesystemet - eller bara i allmänhet, socialt - känner sig sedd. Mitt mål är att ytterligare legitimera hur mode kan undersökas kritiskt och också vara ett avgörande verktyg för självbestämmande.

Vad händer härnäst för dig? Vilken typ av projekt vill du ta dig an i framtiden?

Nästa på min agenda är en podcast med en följeslagarsamtalsserie som genererar kunskap och förståelse genom modeutbildning. När det är av marken, en bok.

Denna intervju har redigerats och sammanfattats för tydlighetens skull.

Vill du ha de senaste modebranschnyheterna först? Registrera dig för vårt dagliga nyhetsbrev.