Lição de história da moda: a evolução dos desfiles

Bem-vindo ao Aula de História da Moda, no qual mergulhamos profundamente na origem e evolução dos negócios, ícones, tendências e mais influentes e onipresentes da indústria da moda.

Era uma vez, em um mundo sem iPhones ou Kardashians, desfiles de moda nada mais eram do que veículos de marketing de pequena escala usados ​​para atrair clientes ricos a comprar o mais recente designs. Hoje, o objetivo de hospedar desfiles de moda de alto orçamento é um pouco menos claro: é para lucrar? É para arte? É para mídia social? A roupa mostrada deve ser vendida no momento em que chegar à passarela, como fará a Burberry na segunda-feira, ou seis meses depois? Mas uma coisa é certa: designers de moda sempre estiveram interessados ​​em velar o comercial intenções de desfiles de moda com encenações deslumbrantes e cenários glamorosos, que parecem obter mais extravagante (e Instagrammable) a cada temporada.

Na tentativa de entender melhor o caso de amor de longa data da moda com a passarela, decidimos dê uma olhada rápida em como as passarelas evoluíram para os espetáculos de mídia social que conhecemos como hoje.

No final dos anos 1800 e início de 1900, designers experientes empregaram mulheres para usar seus designs por aí passeios em torno das pistas de corrida, que permitiram que fossem notados, emulados, fotografados e relatados por a mídia. Por volta da virada do século 20, muitos designers de moda sofisticados empregaram modelos internos ou "manequins" para exibir seus designs mais recentes para sua clientela de elite. Esses programas privados e informais geralmente incluíam modelos andando casualmente enquanto pequenos grupos de clientes tomavam chá e mordiscavam canapés. No entanto, por volta de 1908-1910, desfiles de moda programados ou "desfiles de moda" tornaram-se eventos cada vez mais populares. Esses primeiros shows em salão duravam até três horas e costumavam ser repetidos todos os dias ao longo de várias semanas. [2]

Embora provavelmente não haja um único designer que mereça crédito por iniciar as apresentações de moda sazonais e impulsionadas pela mídia que levaram ao que temos hoje, os costureiros Paul Poiret e Lucile (Lady Duff-Gordon) eram conhecidos por usar uma variedade de táticas inteligentes para atrair um fluxo constante de desfiles de moda participantes. Ao enviar convites para sua estimada clientela, Lucile transformou o negócio de compra de roupas em um evento social digno de nota. [2] Na época, a maioria dos desfiles de moda apresentava modelos sendo apresentados por um número correlacionado ao design de moda que usavam, ajudando os clientes a acompanhar o que comprar. Lucile descreveu seus designs como “vestidos de emoção”, apresentando-os com nomes como “Love in a Mist” para fazer suas roupas parecerem menos mercadorias e mais fantasias tangíveis. [3] Poiret é mais conhecido por invocar maneiras mais radicais de promover suas últimas coleções. Ao hospedar festas a fantasias espetaculares, como seu lendário sarau "Mil e segunda noite", o estilista transformou locais inteiros em passarelas interativas. [1]

Em 1918, devido ao crescente número de compradores estrangeiros que vêm à Europa para ver os estilos mais recentes, casas de alta costura passaram a realizar seus desfiles em datas fixas, duas vezes ao ano, formando a base do que chamamos de “semana de moda” hoje. [2] Os primeiros desfiles de alta-costura organizados tentaram regular muito os convidados com o objetivo de manter um ar de exclusividade para seus clientes, ao mesmo tempo em que tenta limitar a praga inevitável da pirataria de design por roupas estrangeiras fabricantes. Ao longo da década de 1910, também se tornou cada vez mais popular entre as lojas de departamentos americanas hospedar seus próprios desfiles de moda e instituições de caridade desfiles de moda, que se tornariam ainda mais comuns quando os salões de alta-costura europeus fossem forçados a fechar temporariamente suas portas durante Segunda Guerra Mundial.

Na época em que Christian Dior estreou seu inovador Corolle coleção (também conhecida como "The New Look") em 1947, os desfiles de moda tornaram-se eventos sérios e divulgados em salões de designers ou em pequenos locais como hotéis. Modelos de rosto de pedra praticando struts de assinatura substituíram o modelo informal "walkabouts" do passado. O público estava lotado em salas com jornalistas de renome ocupando as primeiras filas e compradores de varejo e clientes em potencial espalhados por toda parte. [2]

Normalmente com duração de mais de uma hora, o ambiente desses programas longos tendia a ser silencioso, exceto pelo som de tecidos se movendo e números ou nomes de conjuntos sendo lidos em voz alta. Alguns salões tinham pistas permanentes em forma de t ou semicirculares construídas para melhorar suas apresentações, embora os modelos muitas vezes tivessem que fazer seus descendo as escadas e passando por salas abarrotadas, ocasionalmente derrubando cinzeiros e taças de champanhe com suas volumosas saias. Em meados da década de 1950, muitas lojas de departamentos sofisticadas em ambos os lados do lago haviam adotado desfiles regulares como forma de elevar sua reputação. [2]

O formato do desfile tradicional foi completamente revolucionado na década de 1960, coincidindo com o surgimento do pronto-a-vestir e o declínio gradual dos clientes de alta-costura. As discretas e relativamente solenes exibições de alta-costura foram substituídas por apresentações enérgicas em locais incomuns, com designers como Mary Quant e André Courrèges incentivam suas modelos a abandonar a formação tradicional da passarela para abraçar o fluxo livre movimentos. [4] Em vez de atender à imprensa e aos compradores com uma aura de luxo e exclusividade, os designers agora estavam usando seus desfiles de moda como uma forma de abraçar a cultura jovem e o consumismo em massa. Claro, ter modelos sorrindo e dançando parece extremamente manso em comparação com a forma como os designers continuam a out-stunt uns aos outros nas pistas de hoje, mas os anos 1960 e 1970 ajudaram a preparar o terreno para o moderno apresentações. Eles também foram diretamente influenciados pelas técnicas de marketing experientes dos primeiros costureiros, como Lucile, que costumava usar dança e música como uma forma de mostrar como seus designs podiam ser usados ​​de verdade Atividades. [2]

Na década de 1980, os desfiles de moda se tornaram tão populares que Thierry Mugler conseguiu encenar uma espetacular passarela colossal em 1984 no estádio Zénith em Paris. Permitindo que metade dos ingressos fosse vendida ao público aberto, o show foi apresentado a um público de 6.000 pessoas. [2] Outros designers levaram seus desfiles a extremos semelhantes, incluindo Yves Saint Laurent. Em 1998, o designer francês apresentou uma coleção retrospectiva de alta costura após a final da Copa do Mundo em Paris em frente a um estádio lotado e cerca de 1 bilhão de espectadores de televisão.

Quando Carrie Bradshaw foi rotulada de "atropelada da moda" em 2001, o termo "passarela" havia se tornado amplamente usado na América e sinônimo de moda e glamour, graças à parte da organização da New York Fashion Week no Bryant Park na primavera de 1994 e do nascimento do maior espetáculo da passarela, o Victoria’s Secret Fashion Show, em agosto 1995. Claro, algumas das maiores mudanças nas passarelas nas últimas quatro décadas foram causadas pelas modelos que as desfilaram. Os moderados "manequins" empregados pelos salões de alta-costura tradicionais parecem antiquados em comparação com os carismáticos modelos de passarela dos anos 1970, como Jerry Hall e Pat Cleveland. Talvez o maior momento de desfile de modelos tenha ocorrido em março de 1991, quando Gianni Versace enviou Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista e Cindy Crawford descem a passarela juntas dublando George Michael's "Liberdade".

Poucos designers se destacaram na cena das passarelas como o grande e falecido Alexander McQueen, conhecido por transformar suas pistas em tabuleiros de xadrez humanos e túneis de vento de alta potência. Para sua coleção de outono de 1998, McQueen concluiu seu desfile com uma modelo mascarada em um vestido vermelho sangue, cercada por um anel de fogo que significa Joana d'Arc, que deu o nome à coleção. As apresentações de McQueen situam-se na linha entre os desfiles de moda e as peças performáticas, desencadeando o antigo debate sobre se os desfiles teatrais devem ser considerados arte ou comércio.

Certamente não faltam shows de passarela nos dias de hoje, com desempenho da equipe de passos, carnavais envolventes, e drama Kanye suficiente para dominar uma ilha. Embora vários designers tenham colocado passarelas em locais exóticos e ambientes radicais, Karl Lagerfeld é o talvez o estilista que continuou a levar seus desfiles a níveis que teriam feito Mademoiselle Chanel's girar a cabeça. Só nos últimos três anos, Lagerfeld exibiu suas coleções Chanel em conjuntos grandiosos projetados para parecer brasseries surreais, terminais de aeroporto e supermercados, borrando a linha entre a passarela e a vida cotidiana. No entanto, seu verdadeiro tour de force pode ter sido o momento em que ele transformou a Grande Muralha da China em uma pista para Fendi em 2007, voando em 500 convidados VIP para testemunhar o evento monumental (sem trocadilhos).

Embora mais e mais marcas de moda pareçam estar trocando a fórmula padrão do desfile em favor de apresentações informais, não parece que a poderosa passarela irá desaparecer tão cedo. Mesmo que esses programas de alto orçamento não vendam roupas de verdade, eles são capazes de aumentar o conhecimento da marca o suficiente para estimular as vendas de mercadorias lucrativas, como óculos de sol, bolsas e perfumes. Dito isso, é difícil negar que as passarelas ainda possuem um poder mágico que transforma roupas em moda desejável. Por mais desatualizados e desnecessários que pareçam, o fascínio dos desfiles simplesmente não pode ser reproduzido.

Fontes não vinculadas:

[1] Breward, Christopher. História da Arte de Oxford:Moda. Oxford: Oxford University Press, 2003.
[2] Evans, Caroline. “O Espetáculo Encantado.” Teoria da Moda, 5:3 (2001): 271-310.
[3] Mendes, Valerie e Amy De La Haye. Moda desde 1900. Londres: Thames & Hudson, 2010.
[4] Steele, Valerie (ed.). Enciclopédia de Vestuário e Moda. Nova York: Charles Scribners & Sons, 2004.

Quer as últimas notícias da indústria da moda primeiro? Assine nosso boletim diário.

Foto da página inicial: Dior outono de 2014. Dominique Charriau / WireImage

Foto em destaque: Yves Saint Laurent, outono de 2001, alta costura. JEAN-PIERRE MULLER / AFP / Getty Images