Kilka lat temu zacząłem chodzić do szkoły biznesu, aby nauczyć się podstaw prowadzenia mojego stylizacja biznesu. W końcu my styliści mamy do czynienia z rachunkiem przepływów pieniężnych i zarządzaniem naszymi pieniędzmi i asystentami, nawet jeśli jesteśmy tylko „kreatywami”, którzy bawią się odzieżą. Gdy wszedłem w obcy świat biznesu 101, otoczyli mnie ludzie biznesu korporacyjnego, którzy nie mieli najmniejszego pojęcia, czym jest „stylista mody” ani czego można się po nim spodziewać. W większości przypadków spodziewałbym się, że będę musiał przejść do mojego 2-minutowego przemówienia, które wyjaśnia moją rolę, jak to działa i z kim pracuję, gdy spotykam kogoś nowego. Nawet kiedy sprowadziłem moją przemowę do tego, co uważałem za przyzwoite wyjaśnienie, wciąż odwzajemniałem puste spojrzenia.
Niewtajemniczeni zdawali się nie rozumieć istoty tego, co robił stylista. W skrócie, oto moje wystąpienie: „styliści pracują z kreatywnymi zespołami, w tym fotografami, zespołami projektowymi lub dyrektorami artystycznymi, aby stworzyć wizję obrazu lub marki. Jednocześnie stajemy przed wyzwaniem, aby ubrania wyglądały rewelacyjnie (niezależnie od ich jakości).” Due do ogólnego braku zrozumienia mojej roli, zacząłem więcej zastanawiać się nad tym, czym naprawdę się zajmuję jako stylista. Myślę, że powodem, dla którego nie jest to łatwe do wyjaśnienia, jest to, że obowiązki stylistów zmieniają się dość mocno w zależności od rodzaju pracy lub projektu, nad którym pracujemy danego dnia. Kiedy kręcę artykuł wstępny, mam przywilej współpracować z najlepszymi redaktorami naczelnymi na świecie (w skrócie EIC) przy tworzeniu artykułów do ich magazynów. Za zgodą redakcji i za zgodą EIC wybieram koncepcję, fotografa, ekipy fryzjerskie i charakteryzatorskie, modelki i oczywiście ubrania.
Jednak podczas sesji reklamowej dla marki staję się pasażerem na tylnym siedzeniu. Skupiam się na tym, by ubrania wyglądały szykownie i drogo, podczas gdy dyrektor artystyczny kieruje koncepcją, wybiera fotografa, zespoły fryzjerskie i makijażowe oraz casting. W pracach reklamowych styliści wspierają fotografów i dyrektorów artystycznych, pomagając w razie potrzeby w pomysłach, ale także nie przeszkadzając, gdy w kuchni jest zbyt wielu kucharzy.
W przypadku pokazów na wybiegu lub kreatywnych konsultacji styliści są „zastrzelonymi rozmówcami”. Pracujemy bezpośrednio z projektantem i jego zespołem w zakresie badań inspiruj, edytuj tkaniny i sylwetki, projektuj lub edytuj akcesoria, wybieraj reżyserów fryzur/makijażu i castingów lub pracuj nad muzyką dla pokazać. W takich przypadkach styliści mają wpływ na niemal każdy element twórczy.
Praca z celebrytami to zupełnie inny zestaw umiejętności. Ciągnięcie na czerwonym dywanie oznacza umiejętność, aby klientka wyglądała na szczupłą i klasyczną, jednocześnie trzymając się z daleka „najgorzej ubrana lista”. Niektóre ubrania, które wyglądają niesamowicie na zdjęciu lub na wybiegu, mogą wyglądać po prostu szaleńczo na czerwono wykładzina podłogowa. Wielu stylistów i ich klientki przeszło tę lekcję na własnej skórze. Stylizacja z celebrytami zawsze polega na pozostaniu wiernym osobowości klienta, jednocześnie podnosząc ją za pomocą elegancka krawędź i dążenie do ich wizerunku na czerwonym dywanie, który przez lata będzie uważany za ponadczasowy chodź. Pewnego dnia w szkole biznesu kolega ze szkoły (i główny inżynier w dużej firmie informatycznej) zapytał mnie, jak powstała rola stylisty. Chciał wiedzieć, co sprawia, że ludzie potrzebują stylisty, niezależnie od tego, czy jest to firma, magazyn czy celebryta. Kiedy zaczęłam myśleć o historii stylizacji i o tym, co wpłynęło na mnie jako stylistkę, zaczęłam zdawać sobie sprawę z tego rola jest mieszanką kilku różnych ról pochodzących z końca XIX wieku i wczesnych lat 1900. Jest to połączenie edytora mody, projektanta kostiumów i dyrektora salonu.
Edytory mody zostały wynalezione w 1867 roku, kiedy powstała firma Harper & Brothers Company Bazar Harpera (co teraz znamy jako Bazar harfara). Bazar Harpera był skierowany do kobiet z klasy średniej i wyższej, skupiających fotografki, artystki, projektantki i pisarzy, aby przedstawić „wyrafinowaną” perspektywę w świecie mody, urody i kultury popularnej. Oczywiście powstała konkurencja. Moda następnie w 1892 r. jako tygodnik (w latach 70. stał się miesięcznikiem). To również kronikowało i uchwyciło trendy w modzie i urodzie wybitnych amerykańskich bywalców.
Ostatecznie role redaktorów mody zmieniły się z dokumentowania trendów na dostarczanie własnych kreatywnych opinii. Redaktorzy modowi zaczęli wybierać ubrania i dodatki, które miały pojawiać się na stronach, najpierw do ilustracji, a następnie do zdjęć w latach 30. (witaj Irving Penn i Richard Avedon!!). Magazyny modowe spowodowały nową zmianę. Kobiety kupowały ubrania w oparciu o to, co nosili ludzie z towarzystwa lub celebryci. Kiedy te historie (pod silnym wpływem redaktorów modowych) pojawiły się, kobiety zyskały nowe źródło inspiracji i tego, co kupić do swojej garderoby. W miarę jak rola redaktora mody rosła z czasem, zaczęli pojawiać się kreatywni redaktorzy. Twórcy redaktorzy zaczęli przesuwać granice wizerunku mody obejmującego kulturę uliczną, kulturę młodzieżową i kulturę mody w jednym. Pierwszą kobietą, którą naprawdę zauważyłem, pchającą kopertę w moim studium historii mody, była Carmel Snow. Pani. Śnieg zmienił modę, od stagnujących pozujących modelek po dziewczyny biegające po plaży. Ta zmiana wydaje się niewielka, jestem pewien, ale wniosła nowe życie do Bazar harfarastrony. Pani. Snow odkrył także Dianę Vreeland, jedną z najlepszych redaktorek mody wszech czasów. Pani. Vreeland wniosła do obrazów, które stylizowała, poczucie fantazji, wyobraźni i historii. Mniej więcej w latach 30. redaktorzy zaczęli naprawdę współpracować z fotografami, a nie tylko tarzać się na wieszaku z ubraniami wybranymi przez EIC. Pani. Vreeland i pani Śnieg był na pierwszym miejscu w tym innowacyjnym i opartym na współpracy podejściu.
Gdy czasopisma zaczęły tworzyć na swoich stronach bardziej bajeczne, pomysłowe i uwodzicielskie obrazy ubrań i akcesoriów, ówcześni projektanci mody zaczęli się bardziej reklamować, ponieważ magazyny i ich redaktorzy zwiększali produkt sprzedaż. Redaktorzy modowi i ich magazyny zaczęli tworzyć lub przerywać karierę projektanta poprzez zasięg i wsparcie. Najlepsi redaktorzy modowi stali się także zaufanymi projektantów. Często odwiedzali studio projektanta, aby obejrzeć kolekcje przed debiutanckimi pokazami na wybiegu i doradzać w zakresie fryzur, makijażu lub modelek. Te wzorce interakcji prowadzą obecnie do tego, jak obecni „niezależni” styliści współpracują obecnie z projektantami i markami. Była to ulica dwukierunkowa. Projektanci uzyskali porady od redaktorów, a redaktorzy wiedzieli, co dalej i mogli zacząć prowadzić strony czasopisma w odpowiednim kierunku, np. Relacja Grace Mirabelli z Halstona. Teraz, biorąc pod uwagę wszystkie badania, które przeprowadziłem i niewiele informacji na temat historii stylistów, wydaje mi się, że niezależna stylistka powstała gdzieś w latach 70-tych. Kiedy wiele księżyców temu pracowałam w KCD z Nian Fish, opowiedziała mi o pierwszych stylistkach. Z historii Nian pamiętam, jak mówiła o siostrach Goodman (w tym ModaTonne Goodman) i Kezia Keeble (która założyła KCD, potem Keeble, Cavaco & Duka). Jestem pewien, że jest więcej stylistów z tego pierwszego pokolenia, ale nie mogę tego do końca poskładać, coś, czego nie mogę się doczekać w tej rubryce dla Fashionistki. (Będę to robił poprzez wywiady ze starą gwardią i ikonami mody, które pracowały w tamtych czasach.) Podobnie jak w przypadku redaktorów magazynów o modzie lat 30. XX wieku styliści z lat 70. zaczęli wychowywać jednych z najbardziej kultowych fotografów mody, takich jak Steven Meisel, Bruce Weber i Helmut Niuton. Chociaż moja wiedza na temat tego początku jest w najlepszym razie pobieżna, to, co wiem, to to, że redaktorzy mody, którzy: zaczęli być znani, ponieważ stylistom oferowano również najwyższe kreatywne stanowiska w modzie domy. Na przykład w okresie między pracą jako redaktor mody w British Moda i amerykańskie ModaGrace Coddington krótko objęła stanowisko w Calvin Klein. Grace opuściła Calvina, gdy zaproponowano mu stanowisko jednego z najlepszych redaktorów kreatywnych w American Anny Wintour Moda w 1988 roku. Inną rolą, która, jak sądzę, inspirowała i informowała redaktorów mody i stylistów na początku, była rola dyrektora salonu. Dyrektor salonów był głównym przodownikiem w domach mody, ubierając i zajmując się klientelą, gdy projektant nie był w stanie zrobić tego sam. Wraz ze wzrostem klienteli i biznesu projektant był coraz bardziej zajęty projektowaniem nowych kolekcji. Kierownictwo salonu zostałoby starannie wybrane, aby reprezentować dom i dbać o wszystkich jego klientów. Te kobiety były nienagannie eleganckie. Wiedzieli wszystko o tym, jak dopełnić kobiece rysy, jak odpowiednio się ubrać na wiele okazji i jakie są ich klientela już posiadana, aby nie powtarzać zbędnych fasonów lub sylwetek podczas pracy z kobietą nad jej nowymi ubraniami Zamówienia.
O tym stanowisku dowiedziałem się z książki, na którą natknąłem się w księgarni o nazwie Przewodnik po elegancji przez Geneveive Antoine Dariaux. Madam Dariaux była dyrektorką salonu w Paryżu dla Niny Ricci od lat 60. XX wieku. Gorąco polecam tę książkę: tylko po to, aby poznać niektóre z niesamowitych starych zasad, których kiedyś przestrzegały kobiety. (Osobiście lubię uczyć się zasad, aby potem dowiedzieć się, jak je złamać.)
Kiedy układałem puzzle z wielu książek o modzie, które czytałem, wydaje mi się, że wymyślono rolę Dyrektora Salonu gdzieś od połowy do końca lat 30., kiedy butiki Balenciaga, Chanel i Dior były wypełnione po brzegi kobietami domagającymi się tam couture. Chociaż dyrektor salonu mógł nic nie wiedzieć o tworzeniu wizerunku mody, te kobiety z pewnością wiedziały: dużo o ubieraniu się, aby podkreślić swoje najlepsze cechy (zawsze przydatne w przypadku wizerunku modowego lub celebryty) klient). Wiedzieli, jak osiągnąć wiele rzeczy poprzez damską garderobę poprzez strategię, taką jak zaimponowanie rodzinie królewskiej, jak zaimponować małżonkowi, lub jak „pozyskać” męża itp. Wiele z tych obaw było również poruszanych w ówczesnych magazynach modowych. Podczas gdy redaktorzy zajmujący się modą tworzyli fantazję o tym, w co się ubrać, aby zaimponować na łamach czasopism, dyrektorzy salonów w rzeczywistości byli na czele, rozmawiając i ucząc się ze swoimi klientami. Lektura książki Madam Dariaux o jej doświadczeniach w pracy z kobietami i ich garderobami pomogła mi się uformować więcej tła o tym, jak pracować z moimi sławnymi klientami i stylizować ich odpowiednio do ich wydarzenia. Ostatnią pozycją, na którą uważam jako stylistkę bardzo wpływową, jest rola projektanta kostiumów w filmach. Projektanci kostiumów informowali większość popkultury o modzie już w latach 20. XX wieku. Ci wyspecjalizowani projektanci nie tylko wymyślili ubrania, ale także stworzyli ikony, które znamy jako „Gwiazdy Filmowe”. Kostium projektanci współpracowali z reżyserami filmowymi i talentami, aby stworzyć odpowiedni status postaci, emocje i uwodzenie poprzez szafa na ubrania.
Kiedy to możliwe, staram się stworzyć postać poprzez moje opowiadania o modzie do artykułów wstępnych lub na wybieg. Mam ogromny szacunek dla talentu projektantów kostiumów, którzy wielokrotnie tworzą postacie do filmów pełnometrażowych. Najbardziej wpływowi projektanci kostiumów, których miałem przyjemność badać i których miałam obsesję, to Edith Head i Adrian. Edith Head była kreatywną wizjonerką i zdobyła osiem Oscarów. Wygrała więcej niż jakakolwiek inna kobieta w historii. Pani. Podobno Head był ulubionym projektantem Alfreda Hitchcocka, a także ubierał Ginger Rogers, Bette Davis, Barbarę Stanwyck, Grace Kelly, Liz Taylor i Audrey Hepburn. Delikatnie mówiąc, była prawdziwą ikoną mody.
Jeśli chodzi o Adriana, sam był gwiazdą mody. Współpracował z Gretą Garbo, aby ustalić jej wygląd. Stworzył także to, co uważam za strategie garderoby dla Jean Harlow (kto może zapomnieć o tych jedwabnych pochwach?!), Katherine Hepburn (najlepszej towarzyskiej społeczności naginającej płeć) i Joan Crawford (John Galliano zawdzięcza temu człowiekowi wiele zasług Diora!) Adrian był także geniuszem stojącym za Czarnoksiężnikiem z Krainy Oz (cześć, rubinowe kapcie) i Cecil B DeMille’s eposy. Znalazłem ten podobno cytat z Adriana, kiedy badałem go, dlaczego zrezygnował:
„To z powodu Garbo opuściłem M-G-M. Na jej ostatnim zdjęciu chcieli zrobić z niej dziewczynę w swetrze, w prawdziwym amerykańskim typie. Powiedziałem: „Kiedy glamour kończy się dla Garbo, kończy się też dla mnie. Stworzyła typ. Jeśli zniszczysz tę iluzję, zniszczysz ją. Kiedy Garbo wyszedł ze studia, glamour poszedł z nią, tak samo jak ja”. Te trzy role wywarły ogromny wpływ na mnie jako stylistkę i maniaka mody w ciągu ostatniej dekady i przy odrobinie szczęścia zainspirują niektórych z was. W tej rubryce mam nadzieję, że naprawdę dowiem się, czym się zajmuję jako stylistka, skąd czerpiemy inspirację, dokąd zmierza biznes, i rozmawiam z innymi ikonami mody, takimi jak te wymienione tutaj.
Zalecana lektura:Stylista przez Sarah Mower. D.V. autor: Diana VreelandPrzewodnik po elegancji autorstwa Genevieve Antoine Dariaux. łaska autorstwa Grace Coddington