Ciekawe, dlaczego niektóre spuścizny projektantów są zachowane, a inne odpadają. Czy to brak PR, brak spadkobiercy domu projektowego, czy byli po prostu kiepskimi projektantami?
Podczas gdy niektórzy projektanci z przeszłości są dziś pamiętani za ich pomysłowość lub przypisuje się im „wynalezienie” określonego stroju, takiego jak Mary Quant i minispódniczki, dziesiątki projektantów – takich jak Redfern, Lucile czy Mainbocher – którzy w swoim czasie byli bardzo wpływowi, najwyraźniej zostali zapomniani.
Zadanie wskrzeszenia tego dziedzictwa spada więc na historyka mody, więc usiądź wygodnie na mini lekcja historii mody 10 projektantów mody, o których prawdopodobnie nigdy nie słyszałeś, ale zdecydowanie powinieneś wiedzieć.
Więcej historii mody przez Część Nouveau, Kliknij tutaj.
John Redfern — projektant krawiecki
Angielski projektant John Redfern, działający głównie pod nazwą John Redfern and Sons, był bardzo wpływowym projektantem pod koniec XIX wieku. Redfern był jednym z pierwszych projektantów, którzy wyprodukowali szyte na miarę, dwuczęściowe zestawy kurtek i spódnic skonstruowanych w mocniejsze tkaniny, takie jak serge i jersey, dla coraz bardziej aktywnych kobiet końca XIX wieku, które pływały na jachtach i grał w golfa. John Redfern i Synowie dotarliby do szerokiego grona odbiorców; Dom rozszerzył się do Paryża w 1891, Nowego Jorku w 1884 i prowadził z powodzeniem działalność wysyłkową w stylu katalogowym. Po śmierci Johna Redferna jego partner biznesowy Charles Poynter, który miał zostać zastąpiony przez Charlesa Poytnera Redferna, kontynuował projektowanie dla marki, wprowadzając ją w lata dwudzieste. Niektórzy twierdzą, że House of Redfern odniósł największy sukces pod rządami Poyntera, który stał się czołowym projektantem mody w Paryżu, aż do debiutu Poireta w 1908 roku. W okresie, gdy przez cały dzień nosiły restrykcyjne i ekstrawaganckie stroje, szyte na miarę ubrania Redfern pomogły w reformie ubioru ruch z końca XIX wieku i te projekty służyły jako prekursor coraz bardziej zrelaksowanych stylów ubioru XX wieku stulecie.
Jacques Doucet — projektant kolekcji sztuki
Jako koneser sztuki, Jacques Doucet przyznał, że projektował ubrania jedynie po to, by sfinansować swoją prawdziwą pasję, jaką jest kolekcjonowanie dzieł sztuki. Niemniej Doucet był światowej sławy projektantem, który ubierał członków elitarnego społeczeństwa, członków rodziny królewskiej i aktorek. House of Doucet został pierwotnie założony przez rodziców Jacque w 1817 roku i specjalizował się w damskiej bieliźnie i koronkach. W latach 70. XIX wieku Jacques Doucet odziedziczył rodzinną firmę, rozszerzając markę o dział mody, który stał się znany z ekstrawaganckich sukni i szytych na miarę garniturów. Zamiłowanie Douceta do sztuki zaowocowało drobiazgową jakością, niezwykłymi zestawieniami kolorystycznymi oraz ponownym wykorzystaniem elementów i motywów artystycznych. House of Doucet był jednym z najbardziej cenionych projektantów w całej Belle Époque i w pierwszym ćwierć XX wieku i był domem zarówno dla Madeleine Vionnet, jak i Paula Poireta, zanim założyli własne etykiety.
Lucile – projektantka damy
Lady Duff-Gordon, która przeżyła Titanica i projektantka mody, miała dość wątpliwą reputację (jej mąż) podobno zapłacił członkowi załogi Titanica, aby wszedł na pokład w połowie pustej łodzi ratunkowej przeznaczonej tylko dla kobiet i dzieci z jego żona). Niezależnie od tego była bardzo wpływową projektantką mody na przełomie XIX i XX wieku i przez całe lata dwudzieste pod marką Lucile. Estetyka Lucile była ultra-kobieca, ukazując zmysłowość noszącego i wskazując na nagie ciało pod spodem; Duff-Gordon konstruowałby półprzezroczyste sukienki na podkładowej tkaninie w kolorze nude. Duff-Gordon jest najbardziej znana z promowania sukni herbacianej, wystawnych pokazów mody i przypisywania poetyckich nazw każdej z jej sukni.
Mariano Fortuny - Awangardowy projektant
Pochodzący z długiej linii twórców, Mariano Fortuny parał się malarstwem, oświetleniem i projektowaniem tekstyliów; jednak najbardziej znany jest ze swojej pracy jako projektant mody. Hiszpański projektant ubierał awangardowe kobiety na początku XX wieku prawie wyłącznie w suknię Delphos. W przeciwieństwie do większości projektantów, których kolekcje ewoluują w czasie, inspirowana klasyką suknia Delphos Fortuny stała się jego niezachwianą wizytówką, tylko nieznacznie różniącą się kolorem z dodatkiem baskinki lub paska. Suknie Delphos Fortuny były wykonane z drobno plisowanego jedwabiu i obciążone drobnymi szklanymi koralikami. W czasach, gdy modny był sztywny gorset w kształcie litery S, świadomą na ciele suknię Delphos nosili tylko najbardziej odważne kobiety i minęły lata, zanim kobiety nosiły obcisłą sukienkę poza domem.
Jean Patou – projektant sportowy
Luźniejsza, pozbawiona talii sylwetka z lat 20. była wynikiem rosnącego udziału społeczeństwa w sporcie jako sposobie spędzania wolnego czasu. Jean Patou, współczesny Gabrielle Chanel, wykorzysta tę modną nową rozrywkę, promując odzież sportową, a nawet projektując odzież sportową dla znanych sportowców tamtego okresu. Patou umieszczał w swoich projektach elementy odzieży sportowej, które często składały się z dzianinowych przegródek z podniesionymi dołem w androgynicznym stylu „garçonne”. Patou jest najbardziej znany z kostiumu, który zaprojektował dla mistrzyni tenisa Suzanne Lenglen w 1921 roku. Z szeroką bandeau zawiązaną wokół głowy i plisowaną sukienką opadającą tuż pod kolanem, Lenglen wywołał sensację na boisku.
Mainbocher - Projektant Amerykanin w Paryżu
Po służbie w I wojnie światowej urodzony w Chicago Main Rousseau Bocher przeniósł się do Paryża i został redaktorem modowym, a później redaktorem naczelnym Moda Paryż przed otwarciem swojego domu mody w 1929 roku. Łącząc jego imię i nazwisko, ród Mainbocherów ubierał elitarne społeczeństwo okresu międzywojennego od: jego salon na Avenue George V, przenosząc swoje atelier do Nowego Jorku dopiero na początku II wojny światowej. Opisane jako zaskakująco proste, projekty Mainbochera były dopracowane, zredukowane i subtelne. Surowa estetyka Mainbochera przemawiała do coraz bardziej nowoczesnej kobiety tego okresu, w tym Babe Paley, Glorii Vanderbilt i przede wszystkim Wallis Simpson. Dziś Mainbocher jest najbardziej znany z sukni ślubnej „Wallis Blue”, którą zaprojektował dla księżnej Windsor w jej małżeństwie z księciem Edwardem w 1937 roku.
Gilbert Adrian – Hollywoodzki projektant
Jako główny projektant kostiumów dla MGM, Gilbert Adrian ubierał gwiazdy, takie jak Greta Garbo, Joan Crawford i Jean Harlow, między innymi w wielu hollywoodzkich klasykach. Uznawany za „Gowns by Adrian”, Adrian jest powszechnie odpowiedzialny za splendor związany ze Złotym Wiekiem Hollywood. W czasach, gdy francuscy krawcy marginalizowali amerykańskich projektantów mody, zwłaszcza projektantów kostiumów, Adrian nie był uznawany za wiele jego wkładów krawieckich w tamtym okresie. Estetyka Adriana składała się z drapowanych, skośnych sukni i kontrastowych czarno-białych kolorów na sylwetce szerokich ramion i wąskich bioder. Dziś Adrian jest najbardziej pamiętany z tego, że zaprojektował niebieski fartuszek w kratkę i rubinowe pantofle noszone przez Judy Garland w Czarnoksiężnik z krainy Oz.
Claire McCardell — ogólnoamerykańska projektantka
W okresie, gdy amerykańscy projektanci bezwstydnie kopiowali modele sukienek paryskich projektantów mody, Claire McCardell wkrótce wyrobiła sobie markę i pomogła zdefiniować „amerykański Wyglądać." Pracując jako krawcowa dla amerykańskich marek, takich jak Hattie Carnegie, McCardell często był wysyłany do Paryża, aby obejrzeć kolekcje, aby później przerobić je na amerykańskie rynków. Jednak McCardell uznała, że jej własne potrzeby krawieckie podczas podróży są bardziej wartościowe niż wgląd zapewniany przez paryskie projekty. Na początku II wojny światowej paryskie projekty nie były już dostępne na rynku amerykańskim, co dało McCardell możliwość zastosowania własnych filozofii projektowania. McCardell odrzucił sztywną formalność couture na rzecz funkcjonalnej, praktycznej odzieży, która eliminowała pas i promowała poczucie amerykańskiej swobody. Projekty McCardell były zazwyczaj wykonane z prążkowanego dżerseju lub denimu, a jej charakterystyczne elementy projektu obejmują przeszycia, metalowe zapięcia i ozdobne guziki.
Norman Norell – Projektant Syren
Podobnie jak Claire McCardell, Norman Norell projektował również dla Hattie Carnegie; jednak, kiedy Norell opuścił Carnegie w 1940 roku, aby skupić się na własnej marce pod nazwą Traina-Norell, jego ubrania znacznie różniłyby się od All-American looku McCardella. Norell produkował gotowe do noszenia wraz z wykończeniami couture w ogólnie dyskretnym, ale niemożliwie eleganckim wyglądzie. Norell często stosował proste linie, w ostro skrojonych garniturach bez kołnierzyka i wełnianych sukienkach dziennych. Na wieczór lub na koktajl suknia o kroju syreny stała się znakiem rozpoznawczym projektanta i podkreślała każdą kolekcję Norella aż do jego ostatniej w 1972 roku. Suknia o kroju syreny składała się z eleganckiej, płaszczowej sukienki w całości ozdobionej ręcznie szytymi cekinami i błyskotkami, które migotały przy każdym ruchu ciała.
Jacques Fath – inny projektant nowego wyglądu
Wspominając wielkich projektantów z powojennego Paryża, przychodzą na myśl Christian Dior, Cristobal Balenciaga i Pierre Balmain, podczas gdy Jacques Fath jest często zapomniany. Być może przypisuje się jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat w 1954 roku, a następnie zamknięciu Maison Jacques Fath trzy lata później, dziś dziedzictwo Fatha jest pozornie nieznane osobom spoza mody akademia. Fath brał udział w modzie New Look wychodzącej z Paryża po II wojnie światowej i był wiodącą siłą w tym, co jest obecnie uważane za złoty wiek couture. Z sympatią do wysokich, szczupłych kobiet, Jacques Fath jest najbardziej pamiętany ze swoich dopasowanych sukienek z płaszcza. Jego estetyka promowała jawną kobiecość i bezkompromisowy glamour, a jego projekty często opisywano jako połączenie hollywoodzkiego glamour z paryskim szykiem.