Com'è la settimana della moda per uno scenografo

Come assistente che lavora durante Settimana della moda di New York, mi sono trovata spesso a compilare un elenco mentale esaustivo di tutte le sfilate a cui un giorno avrei voluto assistere. Dove alcuni eventi si sono bloccati nelle mie cavità mentali per i loro bei vestiti o le loro modelle frizzanti, altri, come Tommy Hilfiger, sono rimasti accattivanti a causa dei loro set elaborati e selvaggiamente stravaganti. Quando finalmente mi sono ritrovato al mio primo Tommy Hilfiger mostrare diversi anni dopo, a bordo di un transatlantico di fortuna assolutamente enorme - un transatlantico! — a Park Avenue Armory, ero non deluso.

Altri redattori di Fashionista condividono la mia passione per i set di spettacoli e tutti noi proviamo grande gioia nel riportare alcune delle esperienze più esagerate. (La navicella spaziale perfettamente funzionante di Chanel al suo spettacolo Autunno 2017 viene subito in mente, così come il

Louvre vuoto, quale Louis Vuitton affittato in modo molto drammatico quella stessa stagione.) Gli scenografi hanno un compito difficile: non solo devono trasformare lo spazio in qualcosa di coinvolgente e bello, ma devono anche garantire che sia funzionale allo scopo serve. E ora, naturalmente, ci sono le pressioni incessanti di Instabait da considerare.

Randall Peacock, la mente dietro i sopracitati transatlantici di Tommy Hilfiger (e campi da calcio, e swim-up bar, carnevali sul lungomare e festival musicali...), gode di questa sfida e di tutte le sue parti in movimento - e ci sono molti. "In genere, lo spettacolo di Tommy [Hilfiger] è piuttosto onnicomprensivo", mi dice in una telefonata. "Dato che è così dettagliato, è difficile avere troppe altre cose in corso contemporaneamente".

Peacock, il cui background è nell'arte delle installazioni, si è fatto le ossa lavorando al fianco di creativi così iconici come Marla Weinhoff e Fabien Baron prima di lavorare sui set delle passerelle, tra la sua miriade di altri progetti. In vista dell'imminente sfilata di Tommy Hilfiger alla London Fashion Week, ho parlato con Peacock di tutto ciò che riguarda questo processo (e, già che ci sei, come creare quel momento Instagram perfetto per le foto).

Come e quando inizi a prepararti per la settimana della moda?

Iniziamo abbastanza presto, cinque mesi prima del tempo, solo perché è un'impresa vasta e visto che è un processo piuttosto collaborativo, lanciamo diverse idee. In questo momento, per me comunque, è la calma prima della tempesta. Ci sono sicuramente molti dettagli su cui stiamo ancora lavorando, ma la parte del leone del lavoro di progettazione deve essere completata almeno un mese prima dell'evento vero e proprio solo per essere sicuri di essere in grado di produrre lo scenario e tutti gli elementi decorativi che compongono il mostrare.

Come ti sembra la preparazione per la settimana della moda?

In genere, Tommy [Hilfiger] ha un brief creativo e iniziamo a parlare con [Chief Brand Officer] Avery [Baker] e [Senior Director, Global Corporate Communications & Events] Virginia [Ritchie] e il team KCD, che ha prodotto tutti gli spettacoli con cui ho lavorato Tommy. Iniziamo con una nozione centrale di qualche tipo. Faccio molte pre-visualizzazioni, quindi potremmo [trovare] varie idee che rispondano a questo premessa di base e poi la perfezioniamo collettivamente con [lo stilista] Karl Templer, Tommy e il creativo squadra. Man mano che ci avviciniamo, diventa più concentrato. Ma inizialmente, è roba di grande respiro e poi inizia a risolversi da sola.

Ad esempio, se hai visto [la sfilata primavera 2016 di Tommy Hilfiger] che aveva l'isolotto e la laguna, tutto è iniziato con Tommy che aveva questo riferimento a questo particolare bar che frequentava da anni, probabilmente 20 anni. E lui amava davvero molto il Basil's Bar nei Caraibi dove ha una casa e voleva riprodurre quella semplicità, quella sensazione. È un bar molto, molto affascinante di per sé, e penso che Tommy avesse molte belle associazioni con esso e si sentiva legato bene con la collezione. Quindi, iniziamo con qualcosa del genere e poi iniziamo a perfezionarlo, come ciò che è effettivamente fattibile. Perché in quel caso, era a Basketball City, quindi è stato piuttosto complicato realizzarlo in quel caso situazione perché se dovesse arrivare dell'acqua sul campo da basket è un problema gigantesco, per ovvie ragioni.

Oltre a progettare uno spazio esteticamente bello, il set deve anche essere funzionale per una grande folla. Cosa c'entra in quest'ultimo?

Ci sono così tante considerazioni: come muoviamo le persone nello spazio, come muoviamo le persone fuori dallo spazio; tutto ciò deve essere considerato parte del processo creativo perché deve essere funzionale, oltre che bello e avvincente.

Generalmente si parte da un'idea e poi si comincia a capire come poterlo fare in modo sicuro e pratico perché, ovviamente, abbiamo anche un tempo limitato. Ma fedele a questo processo, ci sono sempre cose che scopriamo; non è mai così semplice come immagini. C'è sempre un processo di evoluzione che è legato collettivamente, che è una cosa che mi piace di questo particolare progetto. È molto collaborativo, ma non nel modo in cui sono coinvolte un milione di persone; è più come poche persone molto premurose e intelligenti che fanno grandi osservazioni. Visualizziamo; realizziamo modelli 3D; cerchiamo di rendere l'illuminazione il più realistica possibile in modo che tutti abbiano un'idea di come sarà davvero l'esperienza.

Con spettacoli così grandi, sono sempre colpito dal modo in cui il set funziona insieme ai vestiti, alla musica e all'illuminazione per collocare in modo molto vivido gli spettatori in un altro tempo o luogo. Come lo fai accadere?

Penso che l'elemento fondamentale sia creare un messa in scena, o un'esperienza che trasporta le persone. Mentre ti muovi nello spazio, hai queste micro-esperienze e ti senti come se fossi stato portato via da qualche parte, solo per pochi minuti, e trasportato in quest'altro mondo. C'è molto pensiero sul processo delle persone che entrano nello spazio, su come si muovono attraverso lo spazio, dove avviene il dramma...

Il mio background è nell'arte delle installazioni, quindi questo tipo di lavoro si adatta molto bene al [mio] background. L'intera nozione di installazione artistica, per me, era cercare di mediare un'esperienza nell'arte — [che è] non necessariamente sempre un'esperienza gioiosa, ma comunque fa pensare e dirigere le persone occhio. Ci sono molti aspetti del processo che rientrano quasi nella categoria di uno spettacolo di magia, che penso sia davvero fantastico.

Mentre Instagram continua a cambiare il modo in cui le persone consumano la settimana della moda, i designer stanno anche pensando a come presentare al meglio il loro momento Instagram. In che modo questo influisce sul tuo lavoro?

Voglio sempre creare questo momento "wow" o un elemento cinematografico quando entri in una situazione. Molte delle cose che ho imparato, in realtà, [sono state] dai cineasti, lavorando su questi vecchi Calvin Klein spot pubblicitari con questi fantastici [cinematografi] e il modo in cui hanno impostato una cornice e il modo in cui leggero. Tutto questo ha avuto un grande impatto su di me. La cosa di Instagram segue quello; devi già impostare questi momenti. Qualcosa che è inerente al mio processo è che hai bisogno di questi momenti che ti catturano. Anche quelli tendono ad essere quelli che funzionano davvero bene come foto di Instagram.

Ma la cosa divertente è che ci sono sicuramente molti frame che non sono così interessanti, ma nel complesso, le persone tendono a gravitare [verso le stesse immagini]. L'ultimo spettacolo a Los Angeles, abbiamo avuto un grande cartellone davanti al locale. Quello è stato uno dei grandi momenti; le persone amato scattare foto di se stessi con quel cartello dietro di loro. Li vedresti ancora e ancora, e per me questo è successo. Sono felice quando ho preparato uno scatto per loro. Diventa quasi ovvio.

Le persone sono abbastanza esperte ora. Non stanno più solo davanti a un muro di mattoni. Vogliono renderlo interessante per le persone che stanno visualizzando le loro immagini, ma devi fornire loro il materiale per creare una cornice eccezionale e anche la vista per questo. Non voglio che le visualizzazioni migliori siano disponibili solo per i VIP. Vuoi che sia accessibile a tutti in modo che tutti possano partecipare a quell'esperienza ed essere in grado di metterla là fuori.

In che modo i tuoi concerti alla settimana della moda differiscono da quelli a cui potresti lavorare normalmente durante l'anno?

Differisce un po'. Mi sono spostato sempre di più nel design. Ma direi che il modo in cui descrivo ancora il mio lavoro è quello di scenografo. Continuo a fare campagne di moda e faccio sicuramente un po' di pubblicità — ho fatto recentemente uno spot con Gigi [Hadid] per Maybelline. Amo progettare set, quindi finché il lavoro è all'interno di quel regno, è lì che mi sento davvero a mio agio.

Gli spettacoli di Tommy sono unici in quanto ci sono così tante parti in movimento. Ci sono anche elementi teatrali, e possono essere piuttosto tecnici, oltre che creativamente stimolanti. È un orologio più complicato, suppongo. Potremmo voler fare qualcosa davvero male, ma se non riusciamo a inserirlo nello spazio per uno spettacolo particolare, allora [dobbiamo] apportare modifiche al design. E alla fine, troviamo tutti una soluzione di successo, ma è anche ciò che la rende interessante. Per me, ci troviamo di fronte a diversi enigmi; cercare di risolverli nei modi più dinamici è molto divertente.

Foto della home page: Grant Lamos IV/Getty Images per Tommy Hilfiger

Questa intervista è stata modificata e condensata per chiarezza.

Non perdere mai le ultime novità del settore della moda. Iscriviti alla newsletter quotidiana di Fashionista.