Beberapa tahun yang lalu, saya mulai pergi ke sekolah bisnis untuk mempelajari dasar-dasar bagaimana menjalankan bisnis saya bisnis penataan gaya. Bagaimanapun, kita stylist harus berurusan dengan laporan arus kas dan mengelola uang dan asisten kita, bahkan jika kita hanya "kreatif" yang bermain dengan pakaian. Saat saya memasuki dunia asing bisnis 101, saya dikelilingi oleh pebisnis korporat yang tidak tahu sama sekali apa itu "penata busana" atau apa yang bisa diharapkan darinya. Dalam kebanyakan kasus, saya akan mengantisipasi kebutuhan untuk masuk ke pidato 2 menit saya yang menjelaskan peran saya, cara kerjanya, dan dengan siapa saya bekerja, setiap kali saya bertemu seseorang yang baru. Bahkan ketika pidato saya sampai pada apa yang saya pikir adalah penjelasan yang layak, saya masih mendapatkan tatapan kosong kembali.
Yang belum tahu sepertinya tidak bisa memahami inti dari apa yang dilakukan seorang stylist. Singkatnya, inilah pidato saya: "stylist bekerja dengan tim kreatif termasuk fotografer, tim desain, atau direktur seni untuk menciptakan visi untuk citra atau merek. Pada saat yang sama, kami juga menghadapi tantangan untuk membuat pakaian terlihat keren (terlepas dari kualitasnya)." Due dengan kurangnya pemahaman tentang peran saya, saya mulai berpikir lebih banyak tentang apa yang sebenarnya saya lakukan sebagai stylist. Saya kira alasan mengapa hal itu tidak mudah untuk dijelaskan adalah karena tanggung jawab seorang stylist sedikit berubah tergantung pada jenis pekerjaan atau proyek yang kami kerjakan pada hari itu. Ketika saya membuat sebuah editorial, saya memiliki hak istimewa untuk berkolaborasi dengan beberapa pemimpin redaksi terbaik dunia (singkatnya EIC) dalam membuat cerita untuk majalah mereka. Dengan editorial dan persetujuan dari EIC, saya dapat memilih konsep, fotografer, tim tata rias dan rambut, model, dan tentu saja pakaian.
Namun, pada pemotretan iklan untuk sebuah merek, saya menjadi penumpang kursi belakang. Fokus saya beralih ke membuat pakaian terlihat chic dan mahal, sementara art director memerintahkan konsepnya, memilih fotografer, tim tata rias dan rambut, dan casting. Pada pekerjaan periklanan, stylist ada untuk mendukung fotografer dan art director, membantu dengan ide-ide saat dibutuhkan tetapi juga menghindari ketika ada terlalu banyak juru masak di dapur.
Untuk pertunjukan landasan pacu atau konsultasi kreatif, stylist adalah "penelepon yang tertembak." Kami bekerja langsung dengan desainer dan timnya untuk meneliti inspirasi, mengedit kain dan siluet, mendesain atau mengedit aksesori, memilih direktur tata rias dan rambut, atau mengerjakan musik untuk menunjukkan. Dalam kasus seperti ini, stylist memiliki pengaruh pada hampir setiap elemen kreatif.
Bekerja dengan selebriti adalah keahlian yang sama sekali berbeda. Menarik untuk acara karpet merah berarti mengetahui bagaimana membuat klien terlihat kurus dan klasik, sementara pada saat yang sama, menjaganya "daftar pakaian terburuk". Beberapa pakaian yang terlihat luar biasa di foto atau di runway bisa terlihat gila dengan warna merah karpet. Banyak stylist dan klien mereka telah mempelajari pelajaran itu dengan cara yang sulit. Bergaya dengan selebriti selalu tentang tetap setia pada kepribadian klien sambil meningkatkannya dengan tepi chic dan berjuang untuk gambar mereka di karpet merah yang akan dianggap abadi selama bertahun-tahun untuk datang. Suatu hari di sekolah bisnis, seorang rekan mahasiswa (dan insinyur utama di sebuah perusahaan IT besar) bertanya kepada saya bagaimana peran stylist muncul. Dia ingin tahu apa yang membuat orang membutuhkan stylist, apakah itu perusahaan, majalah, atau selebriti. Ketika saya mulai berpikir tentang sejarah gaya dan apa yang telah mempengaruhi saya sebagai seorang stylist, saya mulai menyadari perannya sangat banyak campuran dari beberapa peran berbeda yang berasal dari akhir 1800-an dan awal 1900-an. Ini adalah kombinasi dari Fashion Editor, Costume Designer, dan Salon Directrice.
Fashion Editor diciptakan pada tahun 1867 ketika Harper & Brothers Company menciptakan Harper's Bazar (apa yang sekarang kita kenal sebagai Harper's Bazar). Harper's Bazar ditujukan untuk wanita kelas menengah dan atas yang mengumpulkan fotografer, seniman, desainer, dan penulis untuk menyampaikan perspektif "canggih" ke dalam dunia mode, kecantikan, dan budaya populer. Secara alami, persaingan muncul. Mode diikuti pada tahun 1892 sebagai publikasi mingguan (Ini menjadi publikasi bulanan di tahun 70-an). Itu juga mencatat dan menangkap tren mode dan kecantikan para sosialita terkemuka Amerika.
Akhirnya, peran editor mode berubah dari mendokumentasikan tren menjadi memberikan pendapat kreatif mereka sendiri. Editor mode mulai memilih pakaian dan aksesori untuk ditampilkan di halaman, pertama untuk ilustrasi dan akhirnya untuk foto di tahun 1930-an (halo Irving Penn dan Richard Avedon!!). Majalah mode menyebabkan perubahan baru. Wanita biasanya membeli pakaian berdasarkan apa yang dikenakan sosialita atau selebriti. Ketika kisah-kisah ini (sangat dipengaruhi oleh editor mode) muncul, wanita memiliki sumber inspirasi baru dan apa yang harus dibeli untuk lemari pakaian mereka. Seiring berkembangnya peran fashion editor dari waktu ke waktu, editor kreatif mulai bermunculan. Editor kreatif mulai mendorong batas-batas citra mode yang mencakup budaya jalanan, budaya anak muda, dan budaya mode menjadi satu. Wanita pertama yang benar-benar saya perhatikan mendorong amplop, dalam studi saya tentang sejarah mode, adalah Carmel Snow. Nyonya. Snow mengubah gambar mode dari model berpose mandek menjadi gadis-gadis yang berlari di pantai. Perubahan ini tampaknya kecil, saya yakin, tapi dia membawa kehidupan baru untuk Harper's Bazarhalaman. Nyonya. Snow juga menemukan Diana Vreeland, salah satu editor mode terhebat sepanjang masa. Nyonya. Vreeland membawa rasa fantasi, imajinasi, dan cerita ke dalam gambar yang dia tata. Sekitar tahun 1930-an, para editor mulai benar-benar berkolaborasi dengan para fotografer, bukan hanya berguling-guling di rak pakaian yang dipilih oleh EIC. Nyonya. Vreland dan Ny. Snow di mana ujung tombak awal dalam pendekatan inovatif dan kolaboratif ini.
Saat majalah mulai membuat gambar pakaian dan aksesori yang lebih menakjubkan, imajinatif, dan menggoda di halaman mereka, perancang busana saat itu mulai beriklan lebih banyak karena fakta bahwa majalah dan editornya meningkatkan produk penjualan. Editor mode dan majalah mereka mulai membuat atau menghancurkan karir seorang desainer melalui liputan dan dukungan. Editor mode papan atas juga menjadi orang kepercayaan para desainer. Mereka sering mengunjungi studio desainer untuk memeriksa koleksi sebelum pertunjukan landasan pacu debut dan memberi saran tentang rambut, tata rias, atau model. Pola interaksi ini memimpin bagaimana stylist "freelance" saat ini bekerja dengan desainer dan merek. Itu adalah jalan dua arah. Desainer mendapat saran dari editor dan editor melihat sekilas apa yang akan terjadi selanjutnya dan dapat mulai pimpin halaman majalah ke arah yang sesuai, mis. Hubungan Grace Mirabella dengan Halston. Sekarang, dengan semua penelitian yang telah saya lakukan dan dengan sedikit informasi tentang sejarah stylist, tampaknya bagi saya bahwa stylist lepas muncul sekitar tahun 1970-an. Ketika saya bekerja di KCD beberapa bulan yang lalu dengan Nian Fish, dia berbicara kepada saya tentang stylist pertama. Dari cerita Nian, saya ingat dia berbicara tentang saudara perempuan Goodman (termasuk Mode's Tonne Goodman) dan Kezia Keeble (yang memulai KCD, kemudian Keeble, Cavaco & Duka). Saya yakin ada lebih banyak stylist dari generasi pertama ini, tetapi saya tidak dapat menyatukannya, sesuatu yang saya nantikan untuk dilakukan di kolom ini untuk Fashionista. (Saya akan melakukan ini melalui wawancara dengan penjaga tua dan ikon mode yang bekerja pada masa itu.) Mirip dengan editor mode majalah tahun 1930-an, stylist tahun 1970-an mulai membina beberapa fotografer fashion paling ikonik, seperti Steven Meisel, Bruce Weber, dan Helmut Newton. Meskipun pengetahuan saya tentang permulaan ini sangat samar, yang saya tahu adalah editor mode yang mulai dikenal sebagai stylist juga ditawari posisi kreatif teratas di fashion rumah. Misalnya, di waktu antara bekerja sebagai editor mode di Inggris Mode dan Amerika Mode, Grace Coddington sebentar mengambil posisi di Calvin Klein. Grace meninggalkan Calvin ketika ditawari posisi sebagai salah satu editor kreatif teratas di American Anna Wintour Mode pada tahun 1988. Peran lain yang saya percaya menginspirasi dan memberi informasi kepada editor dan stylist mode sejak dini adalah sebagai direktur salon. Seorang direktur salon adalah kepala honcho di rumah couture, berpakaian dan menangani klien ketika desainer tidak dapat melakukannya sendiri. Ketika klien dan bisnis tumbuh, seorang desainer akan semakin tertarik dengan merancang koleksi baru. Directrice salon akan dipilih dengan cermat untuk mewakili rumah dan mengurus semua pelanggannya. Wanita-wanita ini sangat cantik. Mereka tahu semua tentang bagaimana melengkapi fitur seorang wanita, bagaimana berpakaian dengan tepat untuk berbagai kesempatan dan apa yang mereka klien sudah dimiliki untuk tidak mengulangi gaya atau siluet yang tidak perlu saat bekerja dengan seorang wanita dengan pakaian barunya perintah.
Saya belajar tentang posisi ini dari sebuah buku yang saya temukan di toko buku berjudul Panduan untuk Keanggunan oleh Geneveive Antoine Dariaux. Madam Dariaux adalah direktur salon di Paris untuk Nina Ricci mulai tahun 1960-an. Saya sangat merekomendasikan buku ini: hanya untuk mempelajari beberapa aturan lama yang menakjubkan yang biasa dipatuhi oleh wanita. (Secara pribadi, saya suka mempelajari aturannya, jadi saya bisa mencari cara untuk melanggarnya.)
Saat saya mengumpulkan potongan-potongan teka-teki dari banyak buku mode yang telah saya baca, bagi saya tampaknya peran Salon Directrice ditemukan. di suatu tempat sekitar pertengahan hingga akhir tahun 1930-an ketika butik Balenciaga, Chanel, dan Dior dipenuhi oleh wanita yang berteriak-teriak di sana pakaian. Meskipun direktur salon mungkin tidak tahu apa-apa tentang menciptakan citra mode, para wanita ini pasti tahu banyak tentang berpakaian untuk menonjolkan fitur terbaik seseorang (selalu berguna untuk citra mode atau selebriti klien). Mereka tahu bagaimana mencapai banyak hal melalui pakaian wanita melalui strategi seperti, bagaimana mengesankan bangsawan, bagaimana mengesankan pasangan, atau bagaimana “mendapatkan” seorang suami, dll. Banyak dari kekhawatiran ini juga dibahas di majalah mode pada saat itu. Sementara editor mode menciptakan fantasi tentang apa yang akan dikenakan untuk mengesankan halaman-halaman majalah, arahan salon sebenarnya berada di garis depan berbicara dan belajar dengan pelanggan mereka. Membaca buku Madam Dariaux tentang pengalamannya bekerja dengan wanita dan lemari pakaian mereka membantu saya membentuk lebih banyak latar belakang tentang bagaimana bekerja dengan klien selebriti saya dan menata mereka dengan tepat untuk mereka acara. Posisi terakhir yang menurut saya sangat berpengaruh sebagai stylist adalah peran seorang desainer kostum dalam film. Desainer kostum memberi tahu sebagian besar budaya pop tentang mode sejak tahun 1920-an. Desainer khusus ini tidak hanya memikirkan pakaian, tetapi juga menciptakan ikon yang kita kenal sebagai "Bintang Film." Kostum desainer berkolaborasi dengan sutradara film dan bakat untuk menciptakan karakter sesuai status, emosi, dan rayuan melalui pakaian.
Jika memungkinkan, saya mencoba membuat karakter melalui cerita mode saya untuk editorial atau untuk runway. Saya sangat menghormati bakat desainer kostum yang membuat karakter untuk film berdurasi penuh berulang kali. Perancang kostum paling berpengaruh yang pernah saya teliti dan terobsesi adalah Edith Head dan Adrian. Edith Head adalah seorang visioner kreatif dan memenangkan delapan Oscar. Dia memenangkan lebih dari wanita lain dalam sejarah. Nyonya. Head dikabarkan menjadi desainer favorit Alfred Hitchcock, dan juga mendandani Ginger Rogers, Bette Davis, Barbara Stanwyck, Grace Kelly, Liz Taylor dan Audrey Hepburn. Untuk sedikitnya, dia benar-benar ikon mode.
Adapun Adrian, dia adalah bintang mode dalam dirinya sendiri. Dia berkolaborasi dengan Greta Garbo untuk membentuk penampilannya. Dia juga menciptakan apa yang saya anggap sebagai strategi pakaian untuk Jean Harlow (siapa yang bisa melupakan sarung sutra itu?!), Katherine Hepburn (sosialita pembengkok gender terbaik) dan Joan Crawford (John Galliano berutang banyak pada Dior show credit!!) Adrian juga jenius di balik Wizard of Oz (halo, sandal ruby) dan Cecil B DeMille's epos. Saya menemukan kutipan rumor ini dari Adrian ketika saya meneliti dia tentang mengapa dia berhenti:
"Karena Garbo saya meninggalkan M-G-M. Dalam foto terakhirnya, mereka ingin menjadikannya gadis sweter, tipe orang Amerika sejati. Saya berkata, 'Ketika glamour berakhir untuk Garbo, itu juga berakhir untuk saya. Dia telah menciptakan sebuah tipe. Jika Anda menghancurkan ilusi itu, Anda menghancurkannya.' Ketika Garbo keluar dari studio, kemewahan menyertainya, begitu pula saya." Ketiganya peran telah sangat mempengaruhi saya sebagai stylist dan fashion geek selama dekade terakhir, dan akan, dengan sedikit keberuntungan, menginspirasi beberapa dari Anda. Di kolom ini, saya berharap untuk benar-benar mengeksplorasi apa yang saya lakukan sebagai seorang stylist, dari mana kita mendapatkan inspirasi, kemana bisnis akan dibawa, dan berbicara dengan ikon mode lainnya seperti yang disebutkan di sini.
Rekomendasi Bacaan:Penata rambut oleh Sarah Mower. D.V. oleh Diana VreelandPanduan untuk Keanggunan oleh Genevieve Antoine Dariaux. berkah oleh Grace Coddington