À quoi ressemble la Fashion Week pour un producteur de défilé

Malgré le fait qu'un Semaine de la mode de New York le défilé dure, en moyenne, de 10 à 12 minutes (sans compter l'attente apparemment inépuisable au préalable), la planification et le travail menant à ce début presque un an à l'avance.

L'extraordinaire productrice de spectacle Laurie DeJong vit et respire tout ce qui concerne les défilés de mode. En tant que PDG de LDJ Productions, elle gère deux équipes distinctes, totalisant 15 employés à temps plein et 200 sous-traitants, tous implantés à NYFW. Il y a la « show team », qui produit des spectacles pour des créateurs individuels; cette année comprend Mara Hoffman, Lela Rose, Marcel Ostertag, Leanne Marshall, cliente de longue date Christian Siriano, qui déménage dans les quartiers chics du Plaza Hotel ("c'est un énorme déménagement") et la designer indonésienne Anniesa Hasibuan, la première à présenter une collection avec des hijabs pour le printemps 2017 à NYFW

. (Et qui, selon DeJong, présentera "de très bons modèles de célébrités" cette saison, alors restez à l'écoute.)

LDJ est aussi "l'agence de référence" de WME | IMG NYFW, ce qui signifie que son autre équipe aide à organiser les spectacles dans "les tentes" à Skylight Clarkson Square. L'ancien cadre de Calvin Klein dirige également la Paper Fig Foundation, la branche philanthropique de son agence qui soutient les communautés d'Afrique de l'Est avec des opportunités d'éducation et de formation pratiques. Alors oui, elle est follement occupée, mais a fait une pause entre les réunions de préparation de NYFW (et un rapide voyage en Afrique pour un United Conférence des Nations) pour tout décomposer pour nous, de ce qui se passe lorsqu'un designer capricieux perturbe le calendrier du spectacle (hum, Kanye) au détail des moulages de modèles.

Comment et quand commencez-vous à vous préparer pour NYFW?

Nous commençons à nous préparer une semaine après la saison précédente. Nous disons toujours: "La Fashion Week, c'est toute l'année". Notre équipe de spectacle produit entre six et huit spectacles par saison pour les femmes et deux à trois pour les hommes. La première chose à laquelle tout le monde pense toujours, ce sont les lieux. Tout au long de l'année, nous avons des gens dans notre bureau qui recherchent des emplacements et se tiennent au courant des nouveautés et de ce qui pourrait arriver, et cela implique beaucoup de stratégie; [nous travaillons avec] des sociétés de portefeuille immobilières pour en savoir plus sur les devantures de magasins vides, car parfois un designer voudra qu'une devanture de magasin vide apparaisse. Certains créateurs seront exposés dans la vitrine centrale [WME | Skylight Clarkson d'IMG].

[La prochaine étape est] le verrouillage des dates, ce qui est très stratégique car cela peut changer à tout moment. Si l'un des grands créateurs décide de changer de créneau horaire, l'effet d'entraînement touche tout le monde. Parfois, c'est presque la charrette avant le cheval, car il est difficile de verrouiller un lieu sans être confirmé à 100% sur la date et l'heure de votre spectacle. Parfois, nous devrons organiser plusieurs sites dans plusieurs créneaux horaires, donc c'est un peu comme les échecs. Il y a une stratégie, surtout pour nos designers qui montrent hors site. Ce n'est pas seulement leur créneau horaire et leur lieu de rendez-vous; c'est le créateur avant et après eux, car la presse se répand dans toute la ville. Nous essayons donc de regrouper [les spectacles] le plus près possible les uns des autres. Surtout si un designer est plus jeune, nous voulons vraiment nous assurer qu'il montre un endroit pratique où les éditeurs iront certainement. Une chose à propos de notre travail en général, c'est que nous devons être capables d'activer un centime à tout moment, de pivoter et de changer très, très rapidement.

Comment travaillez-vous avec la vitrine centrale pour vous coordonner avec les designers, les agences de relations publiques et leurs propres sociétés de production de défilés, qui sont parfois différentes ?

C'est aussi une entreprise toute l'année. Nous aurons plus de 65 designers à Clarkson et nous servirons de lien entre les principaux producteurs de WME | IMG et les producteurs individuels qui viennent faire chaque spectacle. Nous sommes déjà en mode chargement là-bas.

Nous disons toujours que notre client est WME | IMG, mais nous avons en fait 65 autres clients car chaque designer vient avec sa propre équipe. C'est un lieu à service complet, notre travail est donc de leur faciliter la vie. Sur chaque site, nous avons un responsable de site [qui] est le gardien de toutes les informations. Ainsi, un vendeur de scènes de maison, un vendeur d'éclairage, un vendeur d'audio et notre gestionnaire de site tiendront les réunions avec le fournisseurs, les concepteurs, les producteurs et la société de relations publiques pour chaque concepteur, et nous le faisons pour le mois de Janvier. Donc, parfois, LDJ est le client de LDJ parce que nos équipes de spectacle sont des équipes complètement distinctes de nos équipes IMG.

Alors, à quoi ressemble le processus d'appel d'offres avec les designers ?

Nous réalisons également les moulages, les raccords et tous les éléments de gestion de la production et montrons la direction. Notre équipe de spectacle est à service complet. Souvent, les concepteurs enchérissent auprès de trois producteurs et de trois équipes de relations publiques. Nous faisons des appels d'offres comme tout le monde. Vous en gagnez et en perdez. Mais nous avons des relations à long terme avec les designers avec lesquels nous travaillons. Nous ne prenons pas beaucoup de spectacles, car nous ne voulons pas mordre plus que ce que nous pouvons mâcher; nous ne prenons pas vraiment plus de huit spectacles par saison.

Nous sommes fiers de donner un service vraiment, vraiment personnel à chacun d'entre eux, en particulier [avec] des designers internationaux qui viennent de l'étranger. Nous avons vraiment développé un bon flux de travail. Ils travailleront à partir de notre bureau. Ils feront les castings et les essayages à partir de notre bureau, et ils feront partie de notre équipe pendant les deux à trois semaines qu'ils seront ici. Je préfère me concentrer sur quelques designers et m'intéresser davantage à leur activité globale que de faire beaucoup de spectacles – juste des sortes de « merveilles à succès », comme on dit. Et certains de nos créateurs font aussi de la mariée et de la natation, donc ce sont vraiment des relations d'un an qui sont entretenues au fil des ans. J'ai l'impression que nous voulons faire partie de leur équipe, et leur succès ne dépend pas seulement de leur émission de 12 minutes; c'est beaucoup plus long que ça. Nous sommes assez investis dans leur entreprise. Nous travaillons avec Christian Siriano depuis sa première saison qu'il a montrée juste après "Project Runway".

Alors, qu'est-ce qui se passe dans la production d'un défilé ?

Le calendrier pour les raccords et les moulages réels a été très condensé au fil des ans. L'une des raisons est que les mannequins arrivent très près de la semaine du spectacle, car c'est à ce moment-là qu'ils arrivent de l'étranger. Il y a beaucoup de concurrence entre les créateurs, en ce qui concerne le casting des modèles et s'assurer qu'il y a suffisamment de temps pour que chaque modèle se déplace d'un spectacle à l'autre et qu'il y ait suffisamment de temps dans les coulisses.

Pour utiliser Marcel Ostertag comme exemple, si nous faisons un casting le jeudi, nous faisons généralement un casting de trois heures et prenons une décision sur-le-champ. Et puis nous ferons trois jours d'essayages, où chaque modèle reviendra chacun dans une heure allouée et il adapter physiquement les vêtements sur les modèles à ce moment-là, et nous aurons des couturières sur place pour faire tous les modifications.

Les concepteurs aiment utiliser modèles de célébrités. Comment cela affecte-t-il votre travail?

Je dirais qu'avec les mannequins célèbres, ils arrivent généralement, presque toujours, 90 pour cent du temps, le jour même. Nous devons donc avoir une équipe prête à les monter sur place et à faire les éventuelles retouches sur place. D'un point de vue logistique, c'est un peu plus délicat, mais c'est courant. Tant que nous savons à l'avance, ce que nous ne savons pas toujours, mais nous le prévoyons généralement maintenant. C'est définitivement de plus en plus courant, et les modèles sommes célébrités dans certains cas.

Si les mannequins sont des célébrités, comme les Hadids et Kendall Jenner, font-ils les essayages comme le font tous les autres mannequins ?

Oui, mais généralement c'est un délai beaucoup plus condensé. Ils viendront souvent le faire le jour de.

Donc en général, une fois les essayages du modèle terminés, que se passe-t-il ?

À partir de là, nous commençons à construire ce que nous appelons une « rotation », ce qui signifie que le modèle un ne peut pas être le modèle cinq car elle a besoin de suffisamment de temps pour revenir dans les coulisses et changer. La rotation est délicate car les designers ont généralement à cœur d'utiliser un modèle pour un look spécifique. Parfois, c'est fait par groupes, donc si le groupe rouge a besoin de 10 modèles et le groupe noir a besoin de 10 modèles, mais ils ne peuvent pas être les mêmes modèles; alors nous avons besoin de 20 modèles. Une partie consiste simplement à réfléchir à la longueur de la piste et au temps qu'il faut à chaque modèle pour descendre la piste et revenir, aller dans les coulisses et se changer, et revenir en ligne. Il y a des calculs à faire pour déterminer ce que les rotations doivent être, et tout cela se passe pendant le processus d'ajustement.

Une fois les rotations terminées, nous choisirons et écouterons de la musique et réfléchirons avec le concepteur aux changements de scène. Je le considère toujours comme du théâtre, et souvent il y a plusieurs scènes dans le spectacle. Nous examinerons les changements de scène et déterminerons où les pauses doivent être, et généralement il y a plusieurs changements en cours avec la rotation et l'échange, puis le dépannage.

Nous nous asseyons généralement avec le réalisateur et le concepteur et réfléchissons à la chorégraphie du spectacle et aux pauses. Et les spectacles sont de plus en plus courts. L'ordre dans lequel les vêtements sortent est important - vous n'avez jamais une seconde chance de faire une première impression. L'ouverture est un moment très important.

Tout le monde pense à ce moment Instagram.

[Le défilé dure] 10 minutes - c'est vraiment court - mais ça doit vraiment durer toute la saison. Les créateurs comptent sur les réseaux sociaux et les outils marketing pour sortir du défilé afin de les aider dans leur business pour le reste de la saison. L'aspect vidéo est devenu plus important. Avec autant d'appareils photo maintenant, nous devons faire très attention à ce que la finition soit là - et quand je dis finition, je ne parle même pas seulement de la collection. Évidemment, les vêtements eux-mêmes doivent être impeccablement finis, mais le défilé, l'éclairage, juste les petites coutures infimes du défilé, tout doit être parfait. C'est un marché concurrentiel et le niveau d'attente est si élevé. Nous le livrons à chaque fois. C'est tellement plus difficile pour les concepteurs.

Mais c'est une période intéressante pour être à la mode et une période intéressante pour travailler sur autant de défilés, juste en voyant les tendances au fil des ans et les créateurs qui ont décidé de ne pas se montrer.

Toutes les saisons, il y a toujours des discussions que le calendrier est trop chargé, que les gens essaient de changer le format, qu'Instagram change la façon dont les gens regardent les émissions - en quoi tout cela affecte-t-il votre travail ?

Les réseaux sociaux ont certainement changé la donne. Je pense en fait que c'est aidé beaucoup en ce qui concerne l'exposition pour les concepteurs. Surtout pour nos nouveaux designers et nos designers internationaux, [les médias sociaux] augmentent leur audience par millions, donc c'est vraiment important pour nos designers. Je travaillerai avec de très bonnes sociétés de relations publiques afin qu'elles s'assurent d'avoir les bonnes personnes et les bons influenceurs dans le public. Cela a définitivement changé la donne pour nous.

Je remarque également que certains de nos concepteurs hors site recherchent des cadres plus intimes. Ils disaient: « J'ai besoin de 500 à 700 à 1000 personnes. Maintenant, les gens recherchent un cadre plus intime, où le public est beaucoup plus organisé, plutôt que d'inviter tout le monde. Vous n'êtes pas obligé d'avoir tout le monde dans la salle parce que le public est si vaste à cause des médias sociaux. Et, en fin de compte, les budgets sont durs, les budgets sont serrés. C'est une période vraiment effrayante en ce moment, à cause de ce qui se passe avec notre gouvernement et le monde. Les gens sont certainement préoccupés par le prix.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.

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