À l'intérieur de la rétrospective Thierry Mugler du Musée des beaux-arts de Montréal

Thierry Mugler n'est pas un designer. « Il y a déjà une distinction importante entre un designer et un couturier, souligne Nathalie Bondil, directrice générale et conservatrice en chef du Musée des beaux-arts de Montréal. "Mais Mugler est un artiste."

Pour ma part, je n'avais jamais été un grand fan du travail de Mugler; Personnellement, j'avais trouvé les vêtements inutilisables ou un peu trop criards. C'est donc avec hésitation que j'ai abordé « Thierry Mugler: Couturissime », l'exposition du MBAM Bondil, par curiosité et par obligation. Qu'y avait-il de si spectaculaire dans le spectacle qui pouvait attirez Kim Kardashian West et Tyra Banks dans un Montréal froid et enneigé à la fin février?

La réponse est devenue de plus en plus évidente au fur et à mesure que je parcourais l'exposition, qui fait un travail formidable pour encadrer le travail de Mugler comme englobant plus que la mode; il le présente comme un véritable artiste qui a excellé à créer un univers fantastique et transhumaniste à travers le

oeuvre d'art totale - oeuvre totale.

"Thierry Mugler: Couturissime" a été organisée par Thierry-Maxime Loriot, qui s'est d'abord fait un nom dans les milieux de la conservation avec l'exposition itinérante du Musée des beaux-arts de Montréal au grand succès sur Jean-Paul Gaultier, qui a vu le jour en 2011. Depuis lors, Loriot est devenu l'un des plus grands experts mondiaux à l'intersection de la mode et de l'art, travaillant entre autres avec Viktor & Rolf. Loriot et le MBAM sont si appréciés en matière d'expositions de mode que Mugler - un notoire homme privé qui a refusé plusieurs ouvertures d'autres musées au fil des ans - les a spécifiquement approchés pour ça.

Mugler semble avoir pris une sage décision: plus de 150 looks, produits sur 40 ans (de 1977 à 2014) sont exposés, dont la plupart sont exposés pour la première fois. Parsemés de croquis de Mugler - encore une fois, beaucoup d'inédits - aux côtés de plus de 100 photographies de Karl Lagerfeld (le tirage est arrivé au musée le jour où il est mort, m'a dit Loriot), David LaChapelle, Steven Meisel, Mert et Marcus, Inez et Vinoodh, Ellen von Unwerth, Helmut Newton et Guy Bourdain.

Quantitativement, c'est ce que l'on peut attendre d'une exposition muséale, mais c'est la qualité des œuvres exposées qui se démarque. Cela, et le fait que la plupart des pièces exposées sont extrêmement rares. Mugler, comme mentionné ci-dessus, a été réticent en ce qui concerne les expositions et a accordé peu d'interviews. Bondil dit souvent qu'"il est plus facile de voir un Picasso en personne qu'une robe de haute couture" et, parmi les artisans de la haute couture, le travail de Mugler est particulièrement difficile à trouver. Les tirages de la Fondation Helmut Newton sont les premiers à être prêtés à un musée dans l'histoire de la Fondation. Les costumes en prêt triennal rotatif représentent également une rupture protocolaire exceptionnelle pour la Comédie-Française, qui n'a que rarement, voire jamais, collaboré avec les musées. Comme le dit Loriot, le conservateur: « C'est un coup pour le musée » et une « vraie première mondiale ».

Cette exclusivité a rendu l'exposition d'autant plus populaire. "La sécurité fait peur", a admis Loriot, avant de proposer une estimation approximative impressionnante de 10 000 visiteurs sur les deux premiers jours. L'exposition a déjà été réservée pour apparaître au Kunsthal Rotterdam fin 2019 et à la Kunsthalle Der Hypo-Kulturstiftung de Munich en 2020; des arrêts supplémentaires seront annoncés, me dit-on.

Alors que la rareté et l'exclusivité des œuvres ajoutent du cachet, ce qui rend l'exposition spéciale, c'est la façon dont elle présente la totalité de l'œuvre de Mugler - comme de l'art plutôt que comme une mode. "Mugler n'a jamais suivi les tendances", note Loriot, ajoutant que c'est "l'univers Mugler dans son ensemble" qui est intéressant à regarder. En tant que telle, l'exposition est divisée en actes, à la manière d'un opéra.

Il s'ouvre de façon dramatique, dans une pièce sombre remplie d'œuvres de Mugler pour l'adaptation de 1985 de la Comédie-Française de "La tragédie de Macbeth": sept costumes, quelques dizaines de croquis et une exposition holographique de Michel Lemieux. C'est l'équivalent muséal d'une ouverture à froid. « Vous ne vous attendez pas à commencer par Shakespeare », dit Loriot, « mais je ne voulais pas commencer par le cliché des « femmes puissantes » [si souvent associé au travail de Mugler]. »

Bien qu'inattendu peut-être, il est certainement efficace, offrant une préfiguration astucieuse: Mugler la mode est très performative, des silhouettes aux textiles en passant par les défilés et les campagnes. Il nous présente également la silhouette Mugler aux proportions presque caricaturales.

Cela s'intègre parfaitement dans un examen de la capacité singulière de Mugler à transformer la mode en spectacle - à organiser la mode, comme dit Loriot. Des photos de Madonna et David Bowie portant ses créations ornent les murs, avec des références plus contemporaines à Lady Gaga, Cardi B et Beyoncé éparpillées partout. Au fond de la galerie, "Too Funky" de George Michael joue en boucle. La célèbre tenue de vélo "Too Funky" est exposée (ci-dessus), tout comme certaines des autres pièces de prêt-à-porter qui ont finalement été achetées par des artistes et sont devenues des costumes de scène. C'est une vitrine de la puissance de Mugler et une explication de la raison pour laquelle il est devenu, sans doute, le couturier vedette des années 80 et 90.

Cependant, la capacité de Mugler à créer des visuels époustouflants pour ses vêtements était tout aussi importante pour le faste et le glamour. Une galerie sombre est remplie de la chronologie de la vie de Mugler et de photographies dramatiques prises par lui pour des campagnes. Vient ensuite une galerie lumineuse et blanche remplie de photographies en noir et blanc capturées par Newton, qui est devenu le premier de Mugler collaborateur - c'est Newton qui a poussé Mugler à se lancer dans la photographie, frustré par son désir de contrôler chaque aspect de leur premier tirer. Mugler a été minutieusement impliqué dans tous les aspects de sa marque, de l'idéation à la présentation, et ces deux galeries offrent un aperçu du rôle important que la photographie a joué dans la présentation de son les créations.

Les nombreux efforts créatifs parascolaires de Mugler sont également mis en évidence dans cette partie de l'exposition. Il a été danseur de formation avant de se lancer dans le stylisme; il y avait la photographie susmentionnée; il a conçu des costumes pour des productions théâtrales et pour l'emblématique club parisien Le Palais; et il a fait ses débuts de réalisateur en 1985 avec le court métrage "L'antimentale" et a continué à écrire, produire et réaliser des clips musicaux, des publicités et d'autres courts métrages. En fait, le génie multidisciplinaire de Mugler était tel qu'il a complètement abandonné la mode en 2002 pour se concentrer sur ses autres activités créatives. En parcourant la galerie, Virgil Abloh et Hedi Slimane viennent à l'esprit comme des designers contemporains qui présentent des motifs similaires.

Loriot, pour sa part, se moque de la comparaison. "Personne n'a [vraiment] fait ce que Mugler a fait", dit-il. « Il a été le premier à tourner ses propres campagnes. C'était un pionnier [quand il s'agissait d'être un polymathe.]" Mais, plus important aux yeux de Loriot, les designers d'aujourd'hui, être c'est Abloh ou Slimane, sont multidisciplinaires parce que c'est tendance, alors que "Mugler [l'a fait] parce qu'il était un contrôle Freak."

Si la première partie de l'exposition se concentre sur la ruse de Mugler pour créer un univers fascinant pour ses vêtements - et organiser chaque détail - puis la dernière partie se concentre sur la relation entre les vêtements et le corps humain dans Mugler monde.

La première galerie à la fin de l'exposition est divisée en deux, divisée en noir et blanc, avec des mobiles bijoux suspendus au plafond. Sur l'affichage sont quelques-uns des looks "glamazon" les plus remarquables de Mugler. Les épaules bombées résolument mugleriennes et les petites tailles corsetées sont cruciales pour tout examen du travail de Mugler. Pourtant, la curation de Loriot apporte une nouvelle dimension au premier plan: les pièces exposées sont principalement noires et fabriquées à partir de latex, de dentelle et de PVC – une féminité avec une touche de dominatrice et de bondage.

L'exposition se termine par deux galeries centrées sur le transhumanisme. L'acte V est consacré au travail de Mugler avec les insectes et les animaux, avec un accent particulier mis sur son Printemps/Eté 1989 "Les Atlantes", Printemps/Eté 1997 "Les Insectes" et Automne/Hiver 1997-1998 "La Collections "Chimère". Certaines des œuvres les plus impressionnantes se trouvent dans cette partie de l'exposition, mais elles sont également parmi les moins portables. Le penchant du créateur pour le fantastique — c'est bien entendu ce que Loriot a mis en avant pour le grand public — peut en fait détourner l'attention de certaines des pièces les plus avancées sur le plan technique, celles qui ravissent celles de la mode monde. Exemple: un blouson presque surréaliste en ficelle de la collection "Les Tranchés" printemps-été 1999 de Mugler. Loriot et moi avons tous deux considéré cette pièce comme la plus étonnante de l'exposition, mais elle se perd quelque peu dans la galerie immersive conçue par la société d'effets spéciaux RodeoFX, lauréate d'un Oscar et d'un Emmy.

Last but not least, Act VI se concentre sur l'obsession de Mugler pour les vêtements du futur, allant de sa collection printemps/été 1979 « Sirène Galactique » à son travail sur « The Wyld » en 2014. Son automne/hiver 1995 en métal et PVC Maschinenmenschoutfit figure en bonne place - avec l'exposition appelant c'est son chef-d'œuvre - tout comme son précurseur, du printemps/été 1991 "Diana Ross, Superstar" collection.

Les sujets transhumanistes, les robots, les insectes et les animaux « sont les pièces les plus spectaculaires », selon Loriot. En fait, il soutient qu'il existe un accord tacite dans les cercles de la mode selon lequel personne ne devrait jamais toucher à ces trois sujets, car Mugler les a si parfaitement capturés. "Les revisiter serait un crime", dit-il.

Terminer par une exposition aussi spectaculaire était important pour Loriot, dont le principal défi à l'ère du numérique est d'amener les gens à visiter réellement les expositions. C'était aussi profondément personnel pour le conservateur et pour Phillip Fürhofer, qui était responsable de l'aménagement de la dernière galerie; tous deux ont eu des problèmes cardiaques à des âges relativement jeunes. Loriot a confié que "c'était thérapeutique pour deux jeunes hommes qui avaient des problèmes cardiaques - vous ne survivez pas au cœur problèmes à mon âge - pour travailler ensemble sur cette vision sur la façon dont le corps pourrait dépendre de la technologie et être beau."

Cette idée – embellir le corps par le vêtement et la technologie – est au cœur de ce que « Thierry Mugler: Couturissime » met en avant. L'exposition ne contredit pas l'argument selon lequel les créations de Mugler ne sont pas portables pour le commun des mortels. Ils sont minutieusement fabriqués à partir de matériaux (comme le PVC, le caoutchouc ou la ficelle) qui, à l'époque, n'étaient jamais utilisés dans le monde de la couture. C'est une œuvre d'une beauté époustouflante et impressionnante, surtout si l'on examine plus largement ce que Mugler a réalisé.

Les stars, les magazines et les plus grands photographes du monde continuent d'être attirés par le travail de Mugler. Le susdit machinenmensch les looks ont figuré dans les diffusions récentes, deux décennies après leur création. « Je ne connais aucune pièce de l'histoire de la mode qui soit encore photographiée comme le sont les robots de Mugler », déclare Loriot, « Tout le monde les a photographiées. Tout le monde les a portés." Kim Kardashian West, Cardi B, Lady Gaga, Céline Dion et Beyoncé ont toutes porté du Mugler, qu'il soit vintage ou spécialement conçu pour elles. En fait, on a l'impression en parcourant l'exposition que Mugler n'a jamais été aussi pertinent.

Cela est dû en grande partie au fait que les designers contemporains ont tendance à éviter les risques que Mugler a pris. "Mugler, [Jean-Paul] Gaultier et Rei Kawakubo, appartiennent à une catégorie de créateurs qui n'existe pas plus", me dit Loriot, "[ils] appartenaient à une catégorie qui inventait des choses et essayait des choses."

Les hommes d'affaires qui dirigent les marques aujourd'hui approuveraient-ils les idées de Mugler? Probablement pas. "La sortie de Mugler de la mode était très liée à l'évolution du paysage économique de l'industrie", a expliqué Bondil. Au début des années 2000, lorsque Mugler se retire, de grands conglomérats, comme Gucci Group (aujourd'hui Kering) ou LVMH exerçaient un pouvoir croissant et mettaient davantage l'accent sur la rentabilité que sur la pure la créativité. Mugler, à bien des égards, représente l'antithèse de la mode rapide axée sur le consommateur. C'était un artiste qui utilisait la mode comme médium.

C'est, à tout le moins, le message retentissant que l'on laisse à la fin de « Thierry Mugler: Couturissime »: Mugler n'était pas un designer, ni comme les autres couturiers.

"Pierre Bergé [partenaire de longue date d'Yves Saint-Laurent] m'a dit un jour qu'il ne savait pas si la couture était un art", raconte Bondil, le directeur du MBAM, « mais il savait qu'il fallait un artiste pour faire de la couture ». Et Mugler était définitivement un artiste.

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