Auf der London Fashion Week blicken Designer in die Zukunft und tief in die Vergangenheit

"Dies ist die Saison von oy."

So sagte ein bekannter Käufer, der am zweiten Tag der London Fashion Week eine Show verließ, und sprach damit eine unter der Menge schwelende Stimmung aus. Nach einer glanzlosen Woche in New York, wo die Kollektionen im Allgemeinen fehlten sowohl neue Trends als auch Farbe, London eröffnete mit einer Reihe von Shows, die bis auf ein oder zwei Ausnahmen stagnierten.

Und dann J. W. Anderson zeigte am Samstagnachmittag seine Frühjahrskollektion 2016 und die Stimmung schlug um. Obwohl Anderson, 31, jetzt Creative Director von zwei Modehäusern ist – sowohl seines gleichnamigen Labels mit Sitz in London als auch des LVMH-eigenen Loewe mit Sitz in Madrid – er bringt immer wieder neue Ideen auf den Tisch, während er sich mit seinen Strickwaren kommerziell auszeichnet, was ihn sowohl bei Kritikern als auch bei zu einem Favoriten macht Käufer. Die Show am Samstag brachte ein Mischmasch aus BH-Oberteilen, Haremshosen, großen Schultern, Rüschen und auffälligen, kunstvollen Prints heraus, die, gekräuselt und gerüscht, einen Eindruck gaben stahlblaue Bustier-Kleidkante für einen modernen Akzent, während transparente Overlays einer passenden Kombination aus Pullover und Hose eine hauchzarte Weichheit verleihen. Eingestreut wurden Stücke, die bei Käufern und Käufern wahrscheinlich beliebt sein werden: Pullover mit Rüschenkragen und Glockenärmeln, knackige Trainingsjacken mit Rippstrick-Einsätzen und Stiefel mit quadratischer Spitze. Die Formen der Kleidungsstücke waren keineswegs neu, aber Andersons Behandlungen waren es – und doch blieb alles der Ästhetik seines Labels treu.

Andere Designer waren in einer ähnlichen Stimmung. Mary Katrantzou, der sich in dieser Saison von den ultimativen Grenzen – dem Kosmos – inspirieren ließ, produzierte eine Kollektion von Kleidern mit gemusterten ein Labyrinth aus Spitzen, Stickereien, metallischen Paspeln, Chromperlen und juwelenartigen Drucken, die mit der Majestät einer sternenklaren Nacht konkurrieren können Himmel. Blumendrucke und weite Ärmel erinnerten an rumänische Kleidung; aber keine Zeit in Rumänien hat jemals Kleidung hergestellt, die so aussah. Roksanda Illincic bot eine Kollektion von Kleidern und femininen Einzelteilen an, deren Ausschnitte und mehrlagige Röcke präzise in neue, geometrische Formen geschnitten wurden; während Christopher Kane, der sich weiterhin auf seine früheren Kollektionen bezog, verwendete Cutouts auf neue Weise, die nicht sexy, sondern gemäß seinem Thema "Crash and Repair" Schaden hervorrief. Durchsichtige, plastikfarbene Röcke mit Pastelltönen sahen ebenfalls modern aus. Während Burberry's Frühjahrskollektion 2016 hat frühere Favoriten wie Broderie-Anglaise-Kleider und Mäntel im Military-Stil wiederaufgewärmt, ohne spezifische Referenzen aus den Jahrzehnten. Und Peter Pilottoproduzierte eine Kollektion, die wie Roksanda und Anya Hindmarch das Weibliche mit einem Fokus auf Geometrie kombinierte, um Kleidung mit starker kommerzieller Attraktivität herzustellen. Frische Ideen gab es auch bei jungen Designern wie dem LVMH-Preisträger Thomas Tait, Marques'Almeida und Alexander Lewis.

Doch nicht jeder Designer in London hatte die Zukunft im Blick. Emilia Wickstead, Simone Rocha, Erdems Erdem Moralıoğlu, Giles' Giles Deacon und Mother of Pearls Amy Powney tauchten tief in die Annalen der englischen Kostümgeschichte ein – einige erfolgreich, andere nicht. Simone Rocha's volle Röcke, Puffärmel und Rüschen standen schön im Kontrast zu geschnürten Miedern und Bandeliers, die sich wie ein gummiartiger 3D-gedruckter anfühlten, ebenso wie die gekräuselten Kragen und die winzigen rosa Blumen von Perlmuttviktorianisch inspirierte Kleider mit sportlichen Details wie gerippten Bündchen. Erdem ging auch in dieser Saison viktorianisch, entblößte Schultern und Zwerchfell und dazwischen trendigere Jackenformen, um die Dinge zeitgemäß zu halten. In der Zwischenzeit, Liebling des roten Teppichs Emilia Wickstead, die sich in dieser Saison dazu drängte, neue Silhouetten zu erkunden, endete mit einer Kollektion schwerer Kleider, die mehr "Zeitkostüm" als Mode waren. Giles, die unter den mit Rubens bemalten Decken des Banqueting House of Whitehall zu sehen war, griff dieses Thema voll und ganz auf und produzierte eine Sammlung, die großartig war Tudor, und durchsetzt mit Kleidung (lose Blumenkleider, bestickte Schößchenblusen, bedruckte Leggings und Seidenröcke), die leicht in ein Geschäft gelangen könnten Boden. Es war die einzige Show, die ich besucht habe, bei der das Klatschen begann Vor das Finale, als die rothaarige Karen Elson in einem mikroplissierten, lasergeschnittenen Kleid heraustrat, das einer gotischen Königin Elizabeth I. würdig war.

Es war also eine gute Saison in London, und es war inspirierend zu sehen, wie Designer sich bemühen, frische Ideen auf den Tisch zu bringen – um originelle, moderne oder zumindest durchdachte Kleidung, anstatt die Trends der 60er, 70er und 90er Jahre wieder aufzuwärmen, wie es so viele Designer in den letzten Saisons getan haben. Hoffen wir, dass Designer in Mailand und Paris ähnlich ehrgeizig sind.