Wie der Ausstieg aus der Fashion Week Nomias Yara Flinn geholfen hat, ihr Geschäft auszubauen

In unserer langjährigen Serie "Wie ich es mache" Wir sprechen mit Leuten, die in der Modebranche ihren Lebensunterhalt verdienen, über ihren Einstieg und Erfolg.

Obwohl sie sich selbst als sehr vorsichtige Person bezeichnet, ist die New Yorker Designerin Yara Flinns Karriere ist von großer Risikobereitschaft geprägt. Als sie nicht in die Graduiertenschule für Bildhauerei kam, nahm Flinn es als Zeichen, ihrem Interesse an Modedesign und Markteinführung zu folgen Nomia in 2007. Mehr als fünf Jahre später, als sie das Gefühl hatte, dass ihr Geschäft stagnierte und ihre Designs nicht der einfachen Art treu waren, aber unverwechselbaren Stil, den sie ursprünglich kreieren wollte, verließ sie die Fashion Week, verließ ihren Showroom und ihre PR-Agentur und ging zurück in die Zeichenbrett. Die daraus resultierende Kollektion war ihre bisher erfolgreichste, und Flinn hat diese Dynamik seitdem immer weiter ausgebaut. Nach Abschluss der 2014-2016 CFDA Fashion Inkubator

Programm dieses Frühjahrs zog sie zurück in ihr Studio in Williamsburg, um sich auf ihre engagierten Kunden zu konzentrieren und Aufbau ihrer fortschrittlichen zeitgenössischen Sammlung von schlanken, leicht architektonischen Stücken, die jetzt getragen werden von Barneys, Totokaelo, Mohawk Gemischtwarenladen, Französische Kleiderreiniger und viele weitere Spezialboutiquen.

Ich habe mit Flinn darüber gesprochen, ihre erste Kollektion zu verkaufen, das Geschäft während der Finanzkrise zu steuern und zu lernen, ihrem Bauchgefühl zu vertrauen. Lesen Sie weiter für unser Gespräch.

Was hast du an der Hochschule studiert und wann begann dein Interesse für Mode?

Als ich in Oberlin war, habe ich Studio Art studiert, also habe ich Skulpturen und Klang- und Videoinstallationen gemacht. Früher habe ich Herrenhemden und andere Sachen angepasst, nichts Großes, und dann habe ich eine Kunstinstallation gemacht, die Mode [darstellte]. Es war eine coole Videosache. Es war Kleidung, aber es sollte eher Kunst sein. Das war also meine Erfahrung mit Mode davor. Und dann, als ich meinen Abschluss machte, bekam ich einen Job bei Pradas Kunststiftung [in New York].

Wie sind Sie zu diesem Job gekommen und was haben Sie dort gemacht?

Ich spreche Italienisch, das war eine große Hilfe und dann hatte die Freundin meiner Stiefmutter den Job und sie hat ihn verlassen. Also habe ich mich dafür interviewt – was natürlich sehr hilfreich war, um diese Verbindung zu haben – aber ich dachte, ich hätte keine Chance es.

Wollten Sie damals Kuratorin werden?

Nein, ich wusste, dass ich immer etwas machen wollte. Ich wollte mich für einen Masterstudiengang bewerben, hauptsächlich in Bildhauerei. Und am Ende habe ich mich auf drei Stellen beworben und bin bei keinem davon angekommen. Es war damals natürlich sehr enttäuschend, aber es war auch so grundlegend für mich, dieses Risiko überhaupt einzugehen, weil ich wirklich dachte, mein Weg sei eine Richtung. Ich habe mich schon immer sehr für Mode interessiert und ich habe mich immer mehr für Stil und die Art und Weise, wie Kleidung und Kleidung in der Gesellschaft kommunizieren, interessiert. Meine Abschlussarbeit schrieb ich über die Soziologie der Mode.

Was haben Sie gemacht, nachdem die Prada Foundation 2006 ihr New Yorker Büro geschlossen hat?

Ich habe in Teilzeit in verschiedenen Einzelhandelsjobs gearbeitet und dann angefangen, meine erste Kollektion zu machen, buchstäblich drei Stücke, und dann ist die ganze Geschichte über Pamela Liebe passiert. Ich kenne sie durch einen alten Freund, der bei. arbeitete Urban Outfitters mit ihr im Jahr 2005, also sind wir alle befreundet. Sie hatte angefangen bei Barneys zu arbeiten und ich machte ein Kleid aus Leinensack und sie sagte: "Ich möchte dieses Kleid zu einem Meeting tragen." Also sie trug es zum Meeting und sie sah so cool darin aus, obwohl es unten buchstäblich roh geschnitten war, wenn es nicht cool war das. Sie sagten: "Wer macht dieses Kleid?" Sie hat mir im Grunde geholfen, einen Termin mit ihnen zu vereinbaren. Ich musste in letzter Minute noch ein paar andere Stücke machen, aber es war zu einer Zeit, als Barneys eine ganz andere Art zu kaufen hatte. Es war artikelgesteuert, also kauften sie Stücke.

Wie haben Sie mehr Käufer erreicht?

Damals war es 2007, es war eine ganz andere Zeit. Ich verkaufte Kleider von Bildern, die ich mit einer Digitalkamera gemacht hatte, weil Kamerahandys so schlecht waren, und ich schickte sie den Käufern per E-Mail und sie kauften sie. Es war verrückt, ich kam in Totokaelos ersten Laden und schickte ihr Bilder und es gab einen anderen Laden namens Jonathan & Olivia in Vancouver. Es gab viel weniger Marken. Ich hatte auch eine Weile bei United Bamboo ein Praktikum gemacht, was mir sehr geholfen hat. Als ich 2006 entschied, dass ich Mode machen wollte, nahm ich an Schnittmusterkursen teil, die fantastisch und super hart und technisch waren. Ich mache so ziemlich immer noch alle Muster.

Wie hat sich die Rezession auf Ihr Geschäft ausgewirkt?

[Vor 2008] Ich hatte einen weiteren Termin mit Barneys und [sie sagten]: "Wir kaufen diese Saison nicht." Ich war zu jung Um überhaupt zu wissen, wie das Gespräch aussehen sollte, wusste ich nicht, dass ich ihnen die ganze Zeit folgen sollte: "Wie ist es? gehen? Wird es verkauft? Kann ich bei Dingen helfen?" Aber es hat mich dazu gebracht, härter zu arbeiten, um andere Konten zu bekommen, was großartig ist. Ich weiß nicht, an wie viele ich verkauft habe, als 2008 passierte, aber das war fast ein Crash. Viele zogen sich zurück, einige gingen aus dem Geschäft und einige hingen noch ein oder zwei Jahre herum, gingen aber schließlich aus dem Geschäft.

Was ist passiert, nachdem Sie sich 2011 ganz der Marke gewidmet haben und 2014 dem Inkubator beigetreten sind?

Das war viel zu kämpfen. Ich glaube, das war eine Zeit, in der ich mich selbst verloren hatte. Wir hatten PR-Leute, wir hatten Verkaufsausstellungsräume und jeder erzählte uns unterschiedliche Dinge. Wir haben Made [Fashion Week] gemacht, was großartig war, und es war sehr günstig, sie bieten viel und wir bekamen immer Haar- und Make-up-Sponsoren. Aber es kostet immer noch ziemlich viel, auch wenn Sie es mit einem Schnürsenkel-Budget tun, wie wir es buchstäblich waren. Aber es ist ein erheblicher Preis [ohne] ohne Gegenleistung – ich hatte nicht das Gefühl, dass ich große Presse davon bekomme, und was auch immer ich an Presse bekam, schien sich nicht stark auf meine Verkäufe auszuwirken. Es wurde eine sehr einspurige Herangehensweise, wie man es als junger Designer schafft.

Ich trug nichts, was ich herstellte, und das war für mich ein Problem. Irgendwann sagte mir ein Freund-Slash-Mentor: „Weißt du, du bist cool, du kommst aus New York, du ziehst dich so an, warum machst du diese Klamotten?“ Er fühlte sich, als würde ich kämpfen, was ich tun könnte Ich habe mir zu viele Sorgen gemacht, wie der Lauf der Show aussehen wird, und ich denke nur – das ist nicht das, was meine Marken sind, das ist es nicht Was ich will, ich möchte leichte Kleidung, ich möchte Alltagskleidung, ich möchte Statement-Stücke, die die Leute alle tragen werden Zeit.

Sie haben sich entschieden, keine Shows mehr zu machen?

Im Herbst 2013 hörte ich auf, Präsentationen zu machen... An diesem Punkt war ich deprimiert, es hat mich wirklich erwischt, weil es emotional und persönlich ist. Du stellst deine Ideen da draußen, sie funktionieren nicht. Also habe ich [beschlossen], dass ich es einfach versuchen werde, [für mich selbst zu entwerfen], und dann hatte ich wahrscheinlich eine der besten Staffeln, die ich bisher in Bezug auf den Verkauf hatte. und ich [dachte]: "Whoa, das ist verrückt." Ohne eine Show gemacht zu haben und nur selbst Käufer zu erreichen.

Warum haben Sie sich für das CFDA Fashion Incubator Programm beworben?

Ich hatte noch nie einen Businessplan, ich musste mich nie nur um meine Margen und meine Kalkulationsblätter kümmern. Ich war zu diesem Zeitpunkt fünf Jahre lang sehr locker "im Geschäft" und [ich dachte, wenn] ich das nicht überleben kann, muss ich mir etwas einfallen lassen, das ist nicht nachhaltig. Dann hatte ich das Problem der [Zahlung] der Miete für das [CFDA Incubator] Studio. Sie werden subventioniert, aber es war mehr als das Doppelte, was ich [vorher] für mein Studio bezahlt habe. Ich bin einfach zu vorsichtig, ich wusste nicht, dass es sich um eine Investition handelte und dass wir letztendlich dafür bezahlen könnten, wenn ich die Ratschläge umsetzen könnte, die sie mir geben würden. Ich lieh mir ein wenig Geld von meinen Eltern, bis ich aufholen konnte.

Wer ist Ihr Team bei Nomia?

Ich begann mit einem Berater, der mir bei der Produktion half, und das war 2014, als ich anfing, zum Inkubator zu gehen. Das ist eine Sache, mit der viele junge Designer zu kämpfen haben, denn wenn Ihre Einheiten die kleinsten sind, werden Sie an den Ende der Reihe gedrängt. Es ist hart, man muss sehr früh einsteigen und eine wirklich gute Beziehung zur Fabrik aufbauen. Wer ich gerade habe, ist unser Produktionsleiter und die andere Person ist unser Studioleiter, im Grunde eine Auffang-Sache – unseren E-Commerce zu versenden und unseren Versand zu organisieren und dies zu tun drücken zieht.

Was sind Ihre Ziele für das nächste Jahr?

Ich möchte unsere Reichweite in der PR, unsere Bekanntheit erhöhen. Ich möchte Events machen: vielleicht ein offenes Studio haben, Dinge, bei denen Leute reinkommen und sich die Dinge persönlich ansehen können. Ich selbst bin ein sehr taktiler Käufer.

Ich genieße es wirklich, mit Leuten zusammenzuarbeiten, das ist etwas, was ich ein wenig verpasst habe. Wenn wir also mehr Leute einstellen, kann ich hoffentlich all diese Dinge umsetzen. Denn ansonsten sind es nur Ideen.

Dieses Interview wurde bearbeitet und verdichtet.

Bleiben Sie auf dem Laufenden über die neuesten Trends, Nachrichten und Menschen, die die Modebranche prägen. Melden Sie sich für unseren täglichen Newsletter an.