Der besondere Blick hinter die Kulissen, wie Museen Ausstellungen zum Kostümdesign zum Leben erwecken

Ein typischer Museumsbesuch bietet eine umfassende Erfahrung aus erster Hand, um mehr über Die Beziehung der Mode zum Katholizismus oder Chippendale-Stühle aus dem 18. Jahrhundert. Aber Ihre nächste Kulturreise könnte auch das Staunen über Kostüme aus Ihren Lieblingsserien beinhalten, wie das königsblaue Hartnell-Ballkleid, das Claire Foy trug als Königin Elizabeth II., wie neu erstellt von Jane Petrie zum "Die Krone"Staffel 2, oder Ane Krabbenbaum's jetzt ikonischer blutroter Umhang und Mütze von "Die Geschichte der Magd," welcher wird offiziell verankert in der ständigen Sammlung des Smithsonian.

EIN Kostümdesign Ausstellung ist eigentlich so viel mehr als nur ein Grad – oder ein historisches Abendkleid oder eine schneidige Militäruniform – von diesem Hollywood-Star oder geliebten Charakter entfernt zu sein; Es ist auch eine Gelegenheit, die Technik, Kunstfertigkeit und entzückende Anekdoten hinter den Kulissen bei der Herstellung des Kostüms kennenzulernen. Darüber hinaus bietet das Übergießen einer Ausstellung einen Makro-Blick darauf, wie Kostüme einen wesentlichen Bestandteil des Geschichtenerzählens einer Show oder eines Films darstellen. (Und Sie können alles in Ihrer eigenen Zeit aufnehmen.)

Für Museen beginnt die Planung einer Kostümausstellung mit einem bestimmten Thema oder Ziel. Der kürzlich abgeschlossene "Filmische Couture" Ausstellung im SCAD FASH Museum of Fashion + Film auf der Savannah College für Kunst und Design's Atlanta Campus illustrierte eine Zeitleiste der Modegeschichte, die drei Jahrhunderte von Kostümen (einige Oscar-prämiert) umfasst, als ein pädagogisches Werkzeug, wie die atemberaubenden Kleider aus dem 18. Jahrhundert von James Acheson, wie sie von Michelle Pfeiffer, Uma Thurman und. getragen werden Glenn Close, in "Gefährliche Liebschaften" (oben). Im vergangenen Jahr veranstaltete das Museum eine "Dressing für Dystopie“ zeigt, wie Crabtrees Emmy-nominierte Kostüme für „Handmaid’s Tale“ Farben und Details verwendeten, um Klassenunterschiede in der allegorischen Dramaserie zu skizzieren. "The Coen Brothers Go West: Kostümdesign für "The Ballad of Buster Scruggs"" im Museum of the Moving Image in Queens, New York verwendet Maria Zophres's Oscar-nominierte Arbeit, um die komplizierten, kreativen Prozesse hinter dem Film zu demonstrieren.

Das Winterthur Museum, Garden and Library, ein ehemaliges Du Pont-Anwesen in Delaware, verzweigte sich aus seiner Schwerpunkt bildende und bildende Kunst des 17. bis 19. Jahrhunderts im Jahr 2015 mit der ersten Kostümbild-Ausstellung, "Kostüme von 'Downton Abbey,'" im Jahr 2015 aus einem ziemlich nachvollziehbaren Grund. „Unser Direktor war ein begeisterter Fan“, sagt der Nachlasshistoriker Jeff Groff. Die "DowntonDie Ausstellung "parallele" die Kultur und den Lebensstil der fiktiven aristokratischen Crawleys mit den Amerikanern Du Ponts durch Garderobe, Architektur und Möbel. Die zweite Anstrengung des Museums, "Kostüm "Die Krone",'", das am 30. März eröffnet wird, konzentriert sich auf die kreativen und gestalterischen Prozesse der Emmy-prämierten Designer Michele Clapton (Staffel eins) und Jane Petrie (Staffel zwei). (Der Regisseur ist ein Fan der Netflix auch Serie.)

Aber wie entscheidet ein Kurator angesichts der Verlegenheit des ikonischen Kostümreichtums, welche Kostüme am repräsentativsten für die Geschichte sind, die das Museum zu erzählen versucht?

„Ikonische Stücke sind großartig, aber sie erfüllen nicht immer unseren Zweck am besten, um etwas zu haben, das so sofort erkennbar und berühmt ist. Manchmal lenkt es davon ab, wie wir zu lehren und zu vermitteln versuchen", sagt Barbara Miller, Kuratorische Direktorin, Museum des bewegten Bildes, das sich der Erforschung der Geschichte, Kunst und Techniken hinter Film, Fernsehen und digitalen Medien widmet. Miller arbeitete eng mit der langjährige Designer der Coen Brothers die Ensembles auszuwählen, die das einzigartige Storytelling des Anthologiefilms am besten beschreiben. Als wir zum Beispiel vor der Ausstellung standen, zeigte sie auf die Gene Autrey-inspiriertes Buster Scruggs-Kostüm (getragen von Tim Blake Nelson, ganz rechts unten), das veranschaulicht, wie das Drehbuch westliche filmische Tropen erforscht.

Für "Costuming the Crown" hat Kim Collison, Leiter Ausstellungen & Sammlungsplanung der Winterthur, eng zusammengearbeitet mit Petrie und Clapton, um ihren Designprozess am besten zu präsentieren, Anekdoten hinter den Kulissen zu integrieren und das Finale zu bestimmen ausrichten. "Michele sagte: 'Nein, ich will wirklich... Dies einen hier", sagt Collison am Telefon über die Aufnahme eines zartrosa schulterfreien Kleides, das Prinzessin Margaret (Vanessa Kirby) in der ersten Staffel in zwei bedeutungsvollen Story-Momenten trägt.

Die Ausstellung zeigt berühmte nachgebaute Ensembles, wie die vergoldeten Krönungsroben von Königin Elizabeth II das oben erwähnte blaue Kleid, aber auch Originalentwürfe von Clapton und Petrie, wie die Herzogin von Windsors Schiaparelli und Mainbocher-inspirierter Cardigan und Kleid in der ersten Staffel und Margarets fabelhafter abstrakter Karo-Mantel- und Schal-Look, der für ein Jahr getragen wird Besuch bei Tony Armstrong in Staffel 2. (Spektakuläre Reproduktionen von königlichen Kronen und Juwelen werden ebenfalls gezeigt.)

"Wir hatten hier ungefähr 50 Stück, aber wir hätten vielleicht haben können 500", sagt Rafael Gomes, Direktor von SCAD Fashion Exhibitions, über das Filtern seiner Auswahl für "Cinematic Couture". Film- und Fernsehkostüme, darunter die bereits erwähnten Oscar-prämierten „Dangerous Liaisons“-Kleider, Jenny Beavans Kleider aus dem 16. Jahrhundert für Drew Barrymore in „Ever After: A .“ Cinderella Story", Michael O'Connors Oscar-prämierte aristokratische Ensembles aus dem 18. kleiner Bildschirm. Gomes arbeitete wie die Winterthur für "Downton Abbey" mit einem Londoner Kostümhaus zusammen Cosprop, die eine dedizierte Ausstellungsabteilung.

Die eigentlichen Kostüme ins Museum zu bringen, kann manchmal ein Kinderspiel sein, wie Netflix alle "Buster Scruggs" -Ensembles direkt an Miller liefert. "In anderen Situationen sind wir entweder in eiskalten oder brennend heißen Lagerräumen, öffnen Kisten und durchkämmen Dinge", sagt sie. Kuratoren können aus einer Mischung aus Kostüm- und Leihhäusern, anderen Museen und Atelierarchiven entweder auf Leih- und/oder Mietbasis beziehen. (Rechtsabteilungen müssen möglicherweise auch Rechte für Videos oder Bilder aushandeln, die in einer Ausstellung verwendet werden.)

"Wir müssen den Erwartungen gerecht werden; macht Spaß und ist optisch ansprechend", sagt der Winterthurer Groff über die eigentliche Ausstellung des Ausstellung, die hoffentlich die besondere Emotion wecken wird, die die Fans im ersten Jahr dorthin gebracht hat Platz. Aber noch wichtiger ist, dass die Ausstellung die beabsichtigten Themen beleuchten muss, sei es durch Vignetten, die berühmte Szenen nachbilden, wie Cousin Matthew, der Lady Mary im Schnee (oben) einen Antrag macht, oder reduzierte Displays, die sich auf die Designs konzentrieren, anstatt auf die Zeichen.

„Es ist für uns nie reizvoll, an die Ausstellung von Kostümen heranzugehen, als wollten wir den Besuchern das Gefühl geben, dass es der Schauspieler ist, der sie trägt“, sagt Miller vom Museum of the Moving Image. „Wir stellen sie nicht so dar, dass sie wie Schauspieler aussehen. Wir schaffen eine neutrale Palette in Bezug auf das Ausstellungsdesign, also betrachten Sie diese Stücke als Kostüme."

Denn ein Kostüm, insbesondere ein ikonisches, wird oft mit einem bewegenden Charakter in einer entscheidenden Szene, die auf die gleiche Weise mitschwingt, während sie statisch angezeigt wird, stellt eine andere dar Herausforderung. Das Fundament ist entscheidend, aber eine Schaufensterpuppe in Standardform – oder ein "sechs Fuß vier groß Mode" eine im Fall von SCAD FASH Museum of Fashion + Film — funktioniert nicht, weil die Kostüme genau nach den Maßen der Person hergestellt wurden, die die Rolle spielt. Museumsteams müssen möglicherweise kreativ werden, insbesondere wenn das Budget für spezielle Schaufensterpuppen überschritten wird.

Für "Costuming the Crown" werden die Kleider auf leinenbezogenen und hölzernen Torsoformen präsentiert, die an eine alte Schneiderei erinnern (oben). "Es ist eine visuelle Erinnerung für die Besucher, über all die Arbeit nachzudenken, die in das Entwerfen und Konstruieren geflossen ist diese Kostüme", sagt Laura Mina, Associate Conservator of Textiles & Head of Textile Lab, Winterthur Museum.

Jede Form wurde individuell gepolstert, um sich perfekt an die Form des Schauspielers anzupassen, aber auch die Haltung seines Charakters in einer bestimmten Szene nachzuahmen – sei es eine formelle Situation im Parlament oder ein "entspannter" privater Moment. "Wenn die Schaufensterpuppe nicht diese Haltung hat, sieht das Kostüm wirklich schlecht aus", sagt sie. Aber sichtbare Arme oder Beine auf den Formen würden ablenken, also baute und formte Mina versteckte Gliedmaßen aus Fosshape-Material, um alle Ärmel, ob lang oder kurz, und die notwendigen Hosenbeine auszufüllen. „Es ist unter dem Kleidungsstück versteckt, also nicht so gruselig wie Beetlejuice“, lacht sie.

Die Ausstellung "Cinematic Couture" zeigte nicht nur Kostüme speziell für Schauspieler, sondern auch drei Jahrhundertelange Silhouetten, von elisabethanischen Korsettformen bis hin zu Penny Roses 50er-Jahre-Kleid, das versteckte Madonna'S Babybauch in "Evita." Also beauftragte Gomes SCAD-Studenten, im Wesentlichen chirurgische Eingriffe an Baumwoll-Canvas- und Styropor-gefüllten Schneiderpuppen durchzuführen, um den Körper des Schauspielers und die Trends der Zeit nachzubilden.

„Wir mussten in die Schaufensterpuppe schneiden – buchstäblich wie ein Kaiserschnitt – und die gesamte Haut hochziehen und dann anfangen, das Styropor darin zu formen“, erklärt Gomes. (Zugehöriger hochrangiger Studentenbeitrag: Die Krönungskrone "Victoria" war nicht verfügbar, also Tina Gancev, eine M.A.-Kandidatin, die Luxus- und Modemanagement studiert, entwarf und Rhino 3D-druckte ihre eigene königliche Version und verzierte sie mit von Swarovski gesponserten Kristallen.)

Ein statisches Display erfordert auch spezielle Tricks, um sicherzustellen, dass ein ursprünglich für Bewegung geschaffenes Kostüm majestätisch an seinem Platz bleibt und seine Form über die gesamte Länge eines Exponats behält. "Für mich ist es egal, wie es sich durch den Raum bewegt, aber es interessiert mich wirklich, wie es sich durch die Zeit bewegt", scherzt Mina. die elastische Hosenträger gegen maßgeschneiderte, nicht dehnbare Hosenträger ausgetauscht haben, um ein Durchhängen der Militäruniformhosen für Männer zu vermeiden. Um die Struktur der 50er-Jahre-Kleider und königlichen Kleider zu erhalten, kreierte MinainKorrekte Metallreifensockelleisten, im Gegensatz zu Krinoline-Schichten, die tatsächlich von den Leitungen getragen werden. Sie baute auch ein "festungsähnliches Treiben"-Fundament, um das beträchtliche Gewicht der goldenen Krönungsroben von der Rückseite (oben) zu tragen.

Mina merkt an, dass die gleichen Techniken auch für historische Kleidungsexponate verwendet werden können, jedoch mit einem wesentlichen Unterschied in der Forschung. "Ein Teil des Spaßes bestand darin, ['The Crown']-Episoden erneut anzusehen und zu pausieren, um zu sehen, wie der Schauspieler in dem Kostüm aussieht", sagt sie.

"Kostümierung'The Crown'" läuft vom 30. März 2019 bis 5. Januar 2020 im Winterthur Museum, Garden and Library in Winterthur, Delaware. Mehr Details Hier.

"The Coen Brothers Go West: Costume Design for 'The Ballad of Buster Scruggs'" läuft bis zum 26. Mai 2019 im Museum of the Moving Image in Queens, New York. Mehr Details Hier.

Bild oben: Kostüme von James Acheson für „Dangeous Liasons“ im Rahmen der „Cinematic Couture“-Ausstellung auf der SCAD FASH Fashion + Film. Foto: Mit freundlicher Genehmigung von SCAD

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