For et par år siden begyndte jeg at gå på handelsskole for at lære det grundlæggende om, hvordan jeg driver min styling forretning. Vi stylister er jo nødt til at beskæftige os med pengestrømsopgørelser og styre vores penge og assistenter, selvom vi bare er “kreative”, der leger med tøj. Da jeg trådte ind i den fremmede forretningsverden 101, var jeg omgivet af forretningsfolk, der ikke havde den mindste idé om, hvad en "mode stylist" var, eller hvad der kunne forventes af en. I de fleste tilfælde ville jeg forudse behovet for at gå ind i min 2 minutters tale, der forklarer min rolle, hvordan det fungerer, og med hvem jeg arbejder, når jeg møder en ny. Selv da jeg fik min tale ned til det, jeg syntes var en anstændig forklaring, fik jeg stadig tomme blikke tilbage.
De uindviede kunne ikke synes at forstå kernen i, hvad en stylist gjorde. I en nøddeskal, her var min tale: "stylister arbejder sammen med kreative teams, herunder fotografer, designteams eller kunstdirektører for at skabe en vision for et image eller et mærke. På samme tid står vi også over for udfordringen med at få tøjet til at se fantastisk ud (uanset deres kvalitet). "Due til den generelle manglende forståelse for min rolle, begyndte jeg at tænke mere over, hvad jeg egentlig gør som stylist. Jeg formoder, at grunden til, at det ikke er let at forklare, er fordi stylisternes ansvar ændrer sig ganske meget afhængigt af den slags job eller projekt, vi arbejder på den dag. Når jeg skyder en redaktion, har jeg det privilegium at samarbejde med nogle af verdens bedste chefredaktører (EIC's for kort) om at skabe historier til deres blade. Med en redaktion og godkendelse af EIC får jeg valgt koncept, fotograf, hår- og makeuphold, modeller og selvfølgelig tøjet.
På et reklameshoot for et mærke bliver jeg imidlertid en passager på bagsædet. Mit fokus skifter til at få tøjet til at se smart og dyrt ud, mens art director kommanderer i konceptet, vælger fotograf, hår- og makeuphold og casting. På reklameopgaver er stylister der for at støtte fotograferne og kunstdirektørerne, hjælpe med ideer, når det er nødvendigt, men også holde sig ude af vejen, når der er for mange kokke i køkkenet.
Til landingsbaneshows eller kreativ konsultation er stylister "skudopkaldere". Vi arbejder direkte med designeren og hans eller hendes team for at undersøge inspiration, rediger tekstiler og silhuetter, design eller rediger tilbehør, vælg hår/makeup og casting direktører, eller arbejde med musik til at vise. I tilfælde som dette har stylister indflydelse på næsten alle kreative elementer.
At arbejde med berømtheder er et helt andet færdighedssæt. At trække til røde løber -begivenheder betyder at vide, hvordan man får klienten til at se tynd og klassisk ud, samtidig med at den holdes væk den “dårligst klædte liste”. Nogle tøj, der ser fantastiske ud på et fotografi eller på landingsbanen, kan bare se vanvittige ud på det røde tæppe. Mange stylister og deres klienter har lært den lektion på den hårde måde. Styling med berømtheder handler altid om at forblive tro mod klientens personlighed, mens du hæver den med chic kant og stræber efter et billede af dem på den røde løber, der vil blive betragtet som tidløs i årevis til komme. En dag på handelsskolen spurgte en medstuderende (og ledende ingeniør ved et større it -firma) mig, hvordan stylistrollen var opstået. Han ville vide, hvad der fik folk til at have brug for en stylist, uanset om det var et firma, et blad eller en berømthed. Da jeg begyndte at tænke på stylings historie og hvad der har påvirket mig som stylist, begyndte jeg at indse rollen er i høj grad en sammenblanding af flere forskellige roller, der stammer fra slutningen af 1800'erne og tidligt 1900 -tallet. Det er kombinationen af en Fashion Editor, Costume Designer og Salon Directrice.
Moderedaktører blev opfundet i 1867, da Harper & Brothers Company skabte Harper's Bazar (hvad vi nu kender som Harper's Bazaar). Harper's Bazar var rettet mod middel- og overklassekvinder, der samler fotografer, kunstnere, designere og forfattere for at levere et "sofistikeret" perspektiv ind i verden af mode, skønhed og populærkultur. Der opstod naturligvis konkurrence. Vogue fulgte i 1892 som en ugentlig publikation (Det blev en månedlig publikation i 70'erne). Det kronikerede og fangede også trenderne inden for mode og skønhed i Amerikas fremtrædende socialitter.
Til sidst ændrede moderedaktørrollerne sig fra at dokumentere tendenser til at give deres egne kreative meninger. Moderedaktører begyndte at vælge det tøj og tilbehør, der skulle vises på siderne, først til illustrationer og derefter til sidst til fotografier i 1930'erne (hej Irving Penn og Richard Avedon !!). Modemagasiner forårsagede et nyt skift. Kvinder plejede at købe tøj baseret på, hvad socialites eller berømtheder havde på. Da disse historier (stærkt påvirket af moderedaktører) kom, havde kvinder en ny ressource til inspiration og hvad de skulle købe til deres garderober. Efterhånden som moderedaktørens rolle voksede over tid, begyndte kreative redaktører at dukke op. Kreative redaktører begyndte at skubbe grænserne for et modebillede, der omfatter gadekultur, ungdomskultur og modekultur alt i ét. Den første kvinde, jeg virkelig lagde mærke til at skubbe konvolutten i mit studie af modehistorie, var Carmel Snow. Fru. Sne ændrede modebilleder fra stillestående poserende modeller til piger, der løb ned ad en strand. Denne ændring virker lille, jeg er sikker på, men hun gav nyt liv Harper's Bazaar’Sider. Fru. Sne opdagede også Diana Vreeland, en af de største mode -redaktører nogensinde. Fru. Vreeland bragte en følelse af fantasi, fantasi og historie til de billeder, hun stylede. Omkring 1930'erne begyndte redaktionen virkelig at samarbejde med fotograferne, snarere end bare at trille i et tøjstativ valgt af EIC. Fru. Vreeland og Mrs. Sne hvor de første spydspidser i denne innovative og kollaborative tilgang.
Da blade begyndte at skabe mere fabelagtige, fantasifulde og forførende billeder af tøjet og tilbehør på deres sider, blev datidens modedesignere begyndte at annoncere mere på grund af det faktum, at magasinerne og deres redaktører øgede produktet salg. Moderedaktører og deres blade begyndte at lave eller bryde en designers karriere gennem dækning og støtte. Top mode -redaktører blev også fortrolige med designere. De besøgte ofte designerens atelier for at undersøge samlingerne forud for debutbanens shows og rådgav om hår, makeup eller modeller. Disse interaktionsmønstre viser vejen for, hvordan nuværende "freelance" stylister nu arbejder med designere og mærker. Det var en tovejs gade. Designere fik rådene fra redaktører, og redaktører fik et indblik i, hvad der næste gang og kunne begynde føre magasinsiderne i den relevante retning, f.eks. Grace Mirabellas forhold til Halston. Nu, med al den forskning, jeg har foretaget, og med de få oplysninger om stylisters historie, forekommer det mig, at freelance stylisten opstod engang i 1970'erne. Da jeg arbejdede på KCD for mange måner siden med Nian Fish, talte hun til mig om de første stylister. Fra Nians historie husker jeg, at hun talte om Goodman -søstrene (herunder Vogue’S Tonne Goodman) og Kezia Keeble (der startede KCD, derefter Keeble, Cavaco & Duka). Jeg er sikker på, at der er flere stylister fra denne første generation, men jeg kan ikke helt samle det, noget jeg ser frem til at gøre her i denne spalte for Fashionista. (Jeg vil gøre dette gennem interviews med den gamle vagt og modeikoner, der arbejdede i den tid.) Ligner magasinmoderedaktører i 1930'erne begyndte stylister fra 1970'erne at pleje nogle af modeens mest ikoniske fotografer, som Steven Meisel, Bruce Weber og Helmut Newton. Selvom min viden om denne begyndelse i bedste fald er skitseret, er det, jeg ved, at mode -redaktører, der begyndte at blive kendt, da stylister også blev tilbudt kreative topstillinger på mode huse. For eksempel i hendes tid mellem at arbejde som mode -redaktør hos British Vogue og amerikansk Vogue, Grace Coddington indtog kort en stilling hos Calvin Klein. Grace forlod Calvin, da han blev tilbudt en stilling som en af de bedste kreative redaktører på Anna Wintours amerikaner Vogue i 1988. En anden rolle, som jeg tror inspirerede og informerede moderedaktører og stylister tidligt, var salondirektørens. En salonsdirektør var hovedhoncho i couture -husene og klædte på og håndterede kundekreds, da designeren ikke selv var i stand til at gøre det. Efterhånden som klientellet og forretningen voksede, ville en designer mere og mere blive fanget af at designe nye kollektioner. Salonens direktør ville blive omhyggeligt valgt til at repræsentere huset og tage sig af alle sine kunder. Disse kvinder var upåklageligt smarte. De vidste alt om, hvordan man komplementerer en kvindes træk, hvordan man klæder sig passende til adskillige lejligheder, og hvad deres kundekreds, der allerede ejede for ikke at gentage unødvendige stilarter eller silhuetter, når hun arbejdede med en kvinde på sit nye tøj Ordre:% s.
Jeg lærte om denne position fra en bog, jeg faldt over i den boghandel, der blev kaldt En guide til elegance af Geneveive Antoine Dariaux. Madam Dariaux var salonsdirektør i Paris for Nina Ricci fra 1960'erne. Jeg anbefaler denne bog stærkt: bare for at lære nogle af de fantastiske gamle regler, som kvinder plejede at overholde. (Personligt kan jeg lide at lære reglerne, så jeg kan finde ud af at bryde dem.)
Da jeg sammensatte puslespilsbrikkerne fra de mange modebøger, jeg har læst, ser det ud til, at Salon Directrice -rollen blev opfundet et eller andet sted omkring midten til slutningen af 1930'erne, da butikkerne Balenciaga, Chanel og Dior blev fyldt til randen med kvinder, der råbte om der couture. Selvom en salonsdirektør måske ikke vidste noget om at skabe et modebillede, vidste disse kvinder sikkert en meget om påklædning for at fremhæve ens bedste funktioner (altid nyttig til et modebillede eller en berømthed klient). De vidste, hvordan man opnår mange ting gennem en dames garderobe via strategi som f.eks. Hvordan man imponerer royalty, hvordan man imponerer en ægtefælle eller hvordan man "skaffer" en mand osv. Mange af disse bekymringer blev også behandlet i modeblade dengang. Mens mode -redaktører skabte fantasien om, hvad de skulle have på for at imponere på siderne i blade, var salon -direktriser faktisk på forkant med at tale og lære med deres kunder. At læse Madam Dariaux ’bog om hendes oplevelser med at arbejde med kvinder og deres garderober hjalp mig med at danne mig mere en baggrund om, hvordan jeg arbejder med mine berømthedskunder og styler dem passende til deres begivenheder. Den sidste position, jeg har fundet meget indflydelsesrig som stylist, er rollen som en kostumedesigner i film. Kostumedesignere informerede det meste af popkulturen om mode allerede i 1920'erne. Disse specialdesignere tænkte ikke kun på beklædningsgenstandene, men skabte også de ikoner, vi kender som "Filmstjerner". Kostume designere samarbejdede med filminstruktører og talent for at skabe karakter passende status, følelser og forførelse gennem garderobe.
Når det er muligt, forsøger jeg at skabe en karakter gennem mine modehistorier til redaktioner eller til landingsbanen. Jeg har så meget respekt for talentet hos kostumedesignerne, der gentagne gange skaber karakterer til film i fuld længde. De mest indflydelsesrige kostumedesignere, jeg har haft fornøjelsen af at undersøge og være besat af, er Edith Head og Adrian. Edith Head var en kreativ visionær og vandt otte Oscars. Hun vandt mere end nogen anden kvinde i historien. Fru. Head blev rygter om at være Alfred Hitchcocks yndlingsdesigner og klædte også Ginger Rogers, Bette Davis, Barbara Stanwyck, Grace Kelly, Liz Taylor og Audrey Hepburn. For at sige det mildt var hun virkelig et modeikon.
Hvad angår Adrian, var han en modestjerne i sig selv. Han samarbejdede med Greta Garbo for at etablere hendes look. Han skabte også, hvad jeg betragter garderobestrategier for Jean Harlow (hvem kan glemme de silkeskeder ?!), Katherine Hepburn (den ultimative kønsbøjende socialite) og Joan Crawford (John Galliano skylder denne mand meget Dior -show -kredit !!) Adrian var også geni bag troldmanden fra Oz (hej, rubin -tøfler) og Cecil B DeMilles episke. Jeg fandt dette rygtede citat fra Adrian, da jeg undersøgte ham om, hvorfor han stoppede:
”Det var på grund af Garbo, at jeg forlod MG. På hendes sidste billede ville de gøre hende til en sweaterpige, en ægte amerikansk type. Jeg sagde: 'Når glamouren ender for Garbo, ender den også for mig. Hun har skabt en type. Hvis du ødelægger den illusion, ødelægger du hende. ' Da Garbo gik ud af studiet, gik glamour med hende, og det gjorde jeg også. "Disse tre roller har påvirket mig som stylist og modenørd enormt i løbet af det sidste årti, og vil med held og lykke inspirere nogle af jer. I denne klumme håber jeg virkelig at undersøge, hvad jeg laver som stylist, hvor vi henter vores inspiration, hvor forretningen går hen og taler med andre modeikoner som dem, der er nævnt her.
Anbefaler læsning:Stylist af Sarah Mower. D.V. af Diana VreelandEn guide til elegance af Genevieve Antoine Dariaux. nåde af Grace Coddington